成立進入第二年的天作之合劇場，繼音樂劇《天堂邊緣》、《MRT》後，2015年推出全新作品《黑膠男孩》─黃士偉One Man Show，即將在2015年4月17～19日於國家戲劇院實驗劇場演出，由劇場超魅力演員黃士偉一人獨挑大樑，幻化舞台上、舞台下多重角色，帶領觀眾進入迷人的黑膠時代，完成一場素人歌手成名的意外旅程。

《黑膠男孩》一場在舞台上找回自己的單人秀
一首名不見經傳的神祕歌曲〈男孩不哭〉突然在網路上引起廣大注意，復古的八零年代華麗舞曲以及令人迷醉的歌詞，虜獲許多年輕男女的心，然而經網友肉搜，發現這首〈男孩不哭〉竟出自一張從未發行的黑膠唱片，封面上的主唱「沙格利」更是一個華語音樂史上從未出現的人物。

歌曲爆紅的程度令人乍舌，街頭巷尾都能琅琅上口，就在媒體擴散效應幾近失控之時，即將倒閉的黑膠唱片行老闆、八零年代的過氣歌星、當紅音樂製作人、通曉演藝圈八卦的記者、甚至自稱沙格利的情人們紛紛出現，一個又一個令人起疑的線索、一段又一段不堪入目的往事，都在這場尋找沙格利的網民行動中，漸漸撥雲見日。就在尋人行動的最高潮，一個長相與歌聲完全吻合、年齡卻不相仿的年輕男子出現，自稱他就是沙格利，他的出現引發狂熱網友們募款集資，要求他立刻舉辦個人演唱會。

演唱會的舞台大燈亮起，黑膠唱片開始旋轉，唱針放下的時候，他的世界綻放出七彩的光芒，黑膠唱針刮出幾無失真、美妙再現的〈男孩不哭〉，卻也一次一次狠狠刻下他心中無法癒合的童年傷痕。繼續在黑膠世界裡當一個冒名頂替的歌手，還是想辦法掙脫黑膠神話的詛咒，奮力一搏找回真實的自己？舞台上的沙格利，此刻終於面臨人生最大的挑戰。

站上黑膠舞台，看見獨一無二的自己
天作之合劇場的執行長，也是《黑膠男孩》的製作人廖又臻表示：「One Man Show是一個初期實驗。我們一直試圖讓音樂劇在形式上有更多可能性；在創作題材上，從黃士偉的自身經歷，找到一個非常迷人的故事原型。他是一個天才型的演員，在台上，他掌握情緒語言及肢體的整合性及節奏感，出眾、精準且獨特，有一股觀眾無法抗拒的吸睛特質！」

「但像他這樣一個天生的舞台明星，天生的鎂光燈聚焦點，竟然說他從小就找不到自己到底哪裡好、也得不到長輩師長的青睞與關注，他低落、茫然、充滿挫折的成長過程，與現在充滿自信光芒的黃士偉，完全是個令人瞠目結舌的大反差！以一個製作人的敏感度來說，there must be an interesting story!! 也因此，我們決定取材黃士偉的部分經歷，並大膽融入一些神秘並充滿轉折、衝突的戲劇元素來豐富這個故事原型，而造就了現在的黑膠男孩。」

「很多我們認為的事實、過程、感受，其實只是從某個角度在詮釋，我們並無意識到自己的狹隘，且在狹隘中受苦；當某個機緣或意外時刻，突然切換到另一個角度，可能看到的是完全不同風景。或許必須切換數個角度來共同詮釋，才能建構出完整的本質，甚至這本質是在某個意想不到的高度，默默地靜候你去追尋與發掘。這份痛苦折磨卻又無比美好的溫度與體驗，即將透過《黑膠男孩》震撼觀眾！而這只是第一次的實驗成品，這故事絕對值得繼續深掘。」

「《黑膠男孩─黃士偉One Man Show》僅推出第一支宣傳影片，即在開賣不到一週內全數售罄，加演週日晚場也在開賣隔天中午，票券就一掃而空。很感謝觀眾們的熱烈迴響，這次有搶到票的觀眾，期待你們感受得到這齣戲的強大威力！沒買到票的觀眾，敬請期待下一版的猛烈衝擊。」廖又臻表示。

是大明星的誕生？還是荒謬謠言成真？
「當人人都愛沙格利，卻又不知道誰才是真正的沙格利時，會出現什麼樣荒謬的言論？」劇情一出現懸疑，也代表音樂創作的靈感來源，天作之合藝術總監、同時也是《黑膠男孩》的作曲冉天豪表示，「曾有份研究指出，網路上的謠傳有百分之八十都是杜撰造假的，然而人們往往就愛看那些加油添醋的東西，於是媒體開始將網路新聞當成重大事件來報導，真實與虛構的界線從此瓦解。」

「這演出我們除了捧紅一個從未發片卻大紅大紫的歌手、一首從來沒聽過卻盤旋腦中難以散去的熱門舞曲，也試圖挑戰觀眾分辨虛實的敏感度，舞台上由黃士偉扮演的眾多角色裡，到底有多少是故事裡的真實人物？有多少是故事外的虛構角色？有待看戲的觀眾現場來解謎。」在冉天豪為這部音樂劇所譜寫的歌曲，也依循這個遊走虛實的邏輯，從風格強烈的復古八零年代到迷離的當代流行，讓觀眾猜不出到底哪些歌是真正黑膠時代的歌曲，哪些又是真正的新音樂，而舞台上聲稱原唱的每一個黃士偉，也藉由巧妙的聲音表演，創造這次台灣劇場前所未見的One Man Show音樂劇。

重現八零年代黑膠風華
即將在國家劇院實驗劇場首演，為了打造這次獨特氣味的黑膠劇場，製作團隊以獨特的手法將舞台設計為一個大型黑膠唱機，各種不同大小、顏色的實體黑膠與虛幻黑膠錯落，讓演員在可以恣意在黑膠唱盤上流轉、歌唱，這是主角逃離現實的華麗舞台，卻也是永遠逃不出的旋轉桎梏。而《黑膠男孩》特別強調的八零年代風華，對於找出離此刻不遠、卻又很可能已消失的道具，例如眼鏡、唱盤、首飾盒、相簿、卡帶錄音機等等，看起來似乎都垂手可得，然而在質感的考究上卻讓天作之合團隊大傷腦筋，製作人廖又臻表示，「我們想帶領大家一同回到那個復古又時髦的華麗年代，因此導演/編舞王怡雯及舞台/服裝設計曾更怡，便針對劇本提出了非常多引人注目的畫面，從神祕歌手沙格利的造型、手勢、舞步，到劇中其他眾多角色所需道具，以及影像設計賀顯光在多媒體風格的營造，燈光設計邢懷碩在虛實場景的燈光變化，都為了帶領觀眾回到那繽紛多變的黑膠時代！」

學習拿回人生主導權
「每個人的成長過程中，總會有幾件永遠不會丟棄的東西，以及不曾改變的聆聽習慣，陪伴著我們的生命歷程，現在的人是手機或數位音樂，對我來說則是黑膠唱片！黑膠唱片在我的成長過程中占了很重要的地位！」這次一人分飾多角的黃士偉說，「我的成長過程中，曾經也有過抑鬱慘淡的時期，當我感到沮喪時，黑膠唱片就是我最好的朋友，每次播放不同歌手的歌曲時，就有一種心中很溫暖的感覺，我的心中有很多歌唱女神，不管什麼時候聽到她們唱的歌，我都會深深被打動！」

「我常常在想，如果可以和童年的自己對話時，我最想做什麼？其實，我只想給那個時候的自己，一個大大的擁抱！相信每個人都有深埋心中的秘密，但是我們可以如歌詞最後那句『做你自己』一樣，成為一種心靈力量，勇敢的拿回人生主導權，擁抱真實的自己！」

天作之合劇場的特別獻禮
《黑膠男孩》令人驚艷的旅程即將展開，天作之合劇場特別於現場演出前舉辦FB打卡活動，出示打卡即有機會獲得由Pepper’s提供的幸運扣飾一個；演出結束後，只要填寫意見調查表，即可獲得與天作之合長期合作的美國知名品牌OPPO精美健康捲尺一個！非常期待大家能把在《黑膠男孩》中看到的感動寫下，同時開啟一段找回自我的旅程。

演出資訊
演出時間/地點
演出日期：2015年4月17日~4月19日
演出地點：國家戲劇院實驗劇場(台北市中山南路21-1號)
詳情請見黑膠男孩官網

圖文資料提供/天作之合劇場

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」