今年全世界的重點活動之一：米蘭世博，台灣缺席了，你知道嗎？在我們看著世界各館在米蘭世博的場地展現魅力時，台灣卻無法登上世界的舞台，無論背後的原因如何，我們就是缺席了。不甘於此的人，決心要靠自己的力量走進米蘭世博，這群人成立了OPTOGO，『OPTOGO＝ONE PAVILION TO GO』。

一群來自各行各業的年輕人，希望靠著公民的力量，藉由募資興建台灣館，現在進行到了最後階段，資金缺口還有1千萬的差額，OPTOGO團隊強調不管募到多少，都要成行！若在7月5日未能順利募得1千資金，將忍痛放棄興建米蘭台灣館，改以另尋場地進行展覽，並配合食寓、食譜自行車兩部分呈現台灣料理文化。在剩下不到10天的時間內，OPTOGO需要身為公民的你跟他們一起努力！

目前OPTOGO遇到的兩大問題，急需眾人的力量一起幫忙：

1.  資金不足以興建「車、樓、館」：

從4月24日開始的募款活動，至今已經募集到超過800萬的資金，尚差1000萬。預算配置的部分僅僅可以完成當初預定的「車、樓、館」的「車」＝行動餐車，打造費用65萬、「樓」＝食寓的180萬以及其他運輸、人員住宿、行銷等費用465萬，但仍舊無法成功打造台灣館。目前所有的設計圖都已完成，OPTOGO成員王俊雄與蘇民表示：「目前已確定在米蘭市大教堂旁內承租空間作為主展場，也已和當地建築師、當地極具歷史的國際委員會討論台灣館興建的相關事宜，也已有初步的平面設計圖，此台灣場館的地理位置就在黃金觀光區中，將帶來可觀的國際能見度。」目前透過了群眾募資、企業捐款及小額捐款的管道募款，雖然有多位名人響應，但時間已經進入了最後的募集階段，希望能透過更多人的幫忙，將台灣帶到米蘭，將純粹的台灣介紹到世界。資金運用計畫，也可以在募款平台看見。

2. 志工簽證問題：

另外一個困難，是志工簽證的問題。OPTOGO目前計畫帶80位志工前往米蘭，希望透過這次的活動，讓關心台灣的志工朋友，可以一起參與這場公民運動。但是由於拿著旅遊簽證在米蘭當地做志工並非合法行為，即便當地政府已經在協調中，但仍舊有此風險，因此希望能靠著一人一信的力量，寫信至義大利政府，幫助願意參與OPTOGO的志工團隊，希望義大利政府能給予志工們屆時所需的臨時工作簽證。雖然替代方案可以當地的台灣人至現場幫忙，但OPTOGO團隊表示，由台灣出發的志工會經過安排及訓練，其中代表的意義，是真正的「從台灣出發」。

OPTOGO 團隊提出「Food is life」的台灣、米蘭同步宣言，將「食」的不確定性、外移性、基因性、過往與未來的時間、空間形式、觸媒、農業政策的安全問題，以及台灣面向的可能威脅納入，呈現進入世界貿易系統以來，生活、習慣與 文化遭遇離析的過程。

「車、館、樓」三計畫：

「車」食譜自行車 Vendors

攤車將到義大利慢成進行食物產地安全等交流活動，OPTOGO團隊與高雄手工自行車設計團隊AOI將把攤車設計成由自行車拖曳的概念，以展演的方式在米蘭再現台灣的生活樣貌，配合主館撥放食文化的影像紀錄與食寓的資訊與菜單。透過志工的解說、互動，讓民眾了解台灣的美食文化，而攤車更具有「台灣小吃食譜」小卡，讓民眾「外帶」 來自台灣的美食。

「樓」食寓 Casa TAIWAN

不同於西方多以個人套餐的食文化，台灣具有與他人共享的合菜式飲食文化， 不論是在餐廳或是夜市，常可見到多人於餐桌上共食菜餚、分享快樂的畫面。 食寓展現的，正是台灣人盛情招待的精神，移植台灣文化中最日常的「辦桌」 料理，由台灣在地的頂尖廚師親臨料理，不僅解說料理本身之意涵、技法與 食材，更以米蘭在地食材結合台式料理手法，展現獨特的世界級台灣料理， Casa TAIWAN將透過  「吃」，讓民眾深刻且直接的感受文化上的差異。

「館」台灣館 Pavilion

台灣館以「Food is life」為理念，並以台灣、米蘭同步宣言為策展重點。內容除了邀請藝術家以自身觀點，描述台灣社會，因為「食文化」的種種生活樣貌與文 化累積外，台灣、米蘭的同步宣言，更以台灣城市的五十年願景為出發，以室內投影的方式，讓台灣正在進行相關議題的工作營與五十年都市願景互動裝置直接呈現在展館內，建立異地對話共同議題的即時互動，面對土地與都市間的慾望、 需求與現實，共同反思世界的五十年計劃。

OPTOGO此次募資，完全以民間力量出發，台北市市長柯文哲也以個人名義捐款，希望能拋磚引玉，獲得更多關注。即將進入募款尾聲階段的OPTOGO計畫，急需各界的聲援，希望能真的有機會在米蘭世博將台灣館完整呈現。

文/Irene Hsu　資料來源/OPTOGO

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沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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