聯手中國央企 英國V&A 的第一次!設計互聯、蛇口 V&A 展館!

聯手中國央企 英國V&A 的第一次!設計互聯、蛇口 V&A 展館!

如果你曾拜訪倫敦,總不會錯過維多利亞與亞伯特博物館(Victoria & Albert Museum,後稱V&A)。這個舉世知名且全球規模最大的藝術與設計博物館,成立於1852 年,是許多設計與美術愛好者的朝聖地,而在即將來臨的2017 年,距離我們近在咫尺的深圳蛇口,也能一睹V&A 的過人魅力。

 

近年來中國深圳在悄悄起革命,不知不覺間,從製造之都變成設計之都,成為超過6,000 家設計公司的聚集地,與北京上海分庭抗禮,隸屬於中國中央直接管理的中國招商蛇口(ChinaMerchants Shekou Holdings,簡稱CMSK)因此在2014 年邀請英國V&A 合作,共同籌辦蛇口V&A 展館,將V&A 帶到亞洲開立首座分館!這個極富話題性的里程碑,不單是中國央企與英國公共機構的首次文化合作,也得到中英政府積極的協力推行,V&A 首次衝出英國進行如此大規模的合作,亦見證著蛇口V&A 展館的
指標性地位與宏大目標:讓深圳這個日益強大的設計社群,能有更具國際視野的設計舞台,擁有一個屬於21 世紀的設計展館。由普利茲克獎得主、著名代謝派建築大師槇文彥操刀建築設計,英國V&A 亦會負責分館的營運、收藏及發展,積極培訓博物館團隊,預計在2017 年正式開放給公眾。

 

當博物館正如火如荼籌備之時,招商蛇口在今年3 月亦率先與V&A 公布新型文化綜合
機構品牌「設計互聯」,希望藉由這個平台突出設計在社會、文化、環境發展中引起積極作用,作為招商蛇口在探索設計領域、展示開創與設計實踐、展開多元對話、促進跨領域合作的內在驅動力。「設計互聯」將在2017 及2018 年舉行兩場大型展覽,將V&A20 至21 世紀的時尚、攝影、家具、平面設計等領域的重要藏品在蛇口V&A 展館裡展出。或許對於深圳的印象,你還停留在生產代工的工業之城,但隨著此項計畫的正式啟動,可以預見的是這個城市將會是所有設計愛好者不能錯過的目的地。

 

Q&A/ 專訪 

Ole Bouman「 設計互聯 」館長 Luisa Elena Mengoni 蛇口 V&A 展館主管

 

Q1.請與我們介紹一下「 設計互聯 」的定位?

 

Ole Bouman:「設計互聯」是個獨一無二且創新的平台,將「設計互聯中心」(Design society Foundation)與商業之力結合,創造一個可永續經營的框架。該中心由招商蛇口(China Merchants Shekou Holdings,簡稱CMSK)成立,其延續了蛇口與深圳的開創性精神。並且促進中國與世界接軌,建構起設計與社會、日常生活與工業的互連性,帶領眾人審視設計是如何成為社會的催化劑。

 

Q2.針對蛇口 V&A 展館的合作內容上,倫敦 V&A 將會提供哪些資源的協助呢?未來也會與其他國家進行類似的合作嗎?

 

Luisa Elena Mengoni(後稱LM):V&A 和CMSK 合作的項目包括提供博物館管理諮詢,和標準營運程序、設計互聯成員的培訓、招聘過程中的支援,以及打造以20、21 世紀國際設計為主的V&A 展館,展示來自倫敦V&A 博物館內的藏品。V&A 展館將成為設計互聯四座展覽館中的其中一座,針對特定的博物館運作領域,V&A 已透過編篡標準運作程序手冊的方式,建構博物館的管理參考框架,而設計互聯將視其機構性質的需求與標準,採納我們的方法。我從三年前自倫敦轉任蛇口,與5 位倫敦成員一起組成的團隊,除了針對特定領域─從計畫管理到策展規劃的學習,與設計互聯成員合作,提供對方親身學習的機會,V&A 也會指派專家進行設計互聯成員的培訓。此外,透過蛇口V&A 展館的設立,及去年深圳雙年展《不為人知的設計行為》的研究與展覽中,我們也將館內從概念開發到設計與闡述的整體策展程序,與對方分享。此外,關於和其他國家進行合作的部分,目前還沒有任何類似的計畫誕生,但我相信這將會是未來的趨勢

 

Q3.蛇口 V&A 展館目前有哪些研究計畫呢?它們將會如何運用在展覽中?

 

LM:V&A 的展覽向來是研究與策展計畫的成果,往往需歷經二至五年的準備,才能將最初的概念推向實體設計與展場開發。這是一個極為複雜的過程需牽涉數種專業領域核心團隊須包含策展人、助理策展人、企劃經理、學習經理和設計師,還需要許多同事投注心力在保存、技術服務、貸款、媒體、行銷與溝通頻道中。儘管策展人可以運用各種方法來建構一個概念,但在V&A,我們試著製造出可激盪思辨的主題,並結合關鍵性解釋與有趣的視覺元素。

 

BOX | 2017 蛇口 V&A 展館大型展覽搶先知

 

2017 年,蛇口V&A 展館即將舉辦第一場大型展覽,透過蛇口V&A 展館首席設計策展人柯鹿嗚(Brendan Cormier)的策劃,將會展出包括20 至21 世紀的V&A 館藏,橫跨家具、時尚、產品及平面設計等,以兩大面向開展:不同價值觀如何影響設計發展、以及如何影響設計的價值,企圖展現設計價值如何被定義與妥協的重要理解。未來蛇口V&A 展館將以「效能、成本、問題解決、材料創新、身份、傳達與奇觀七大主題建構展覽敘事框架,細細剖析歷史上設計乘載的不同價值。目前已經知道的展品包括:Christian Dior 細緻做工的洋裝、Dieter Rams設計的百靈(BRAUN)隨身唱機、以及最新的無人機技術。
 

Text / 梁大文

訪問 / 方敘潔

Photo / V&A

 

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界

一件畫作、一杯調酒、一場爵士樂,這間酒吧用感官帶你進入超現實大師的異想之境。

比利時布魯塞爾的熱鬧市區,最近出現了一間以超現實國寶畫家雷內.馬格利特(René Magritte)為主題的酒吧「Bar Magritte」,運用飽和色調的現代家具、塑造沉浸感的《Femmes》壁紙,還有20款從馬格利特創作生平發想的調酒,打造多重感官的藝術體驗。

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
以超現實國寶畫家雷內.馬格利特為主題的酒吧「Bar Magritte」。(圖片來源:Bar Magritte)

紀念超現實主義大師的125週年冥誕

Bar Magritte位於布魯塞爾市中心的Rocco Forte飯店內,靠近著名景點「馬格利特博物館」,讓旅客能夠完整地在馬格利特的家鄉深入其超現實世界。這是一個適合在深夜與三五好友閒聊、下棋,享受現場音樂的酒吧,除了以馬格利特為發想的調酒酒單,也供應各式比利時經典小吃如炸薯條、肉派等。

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
Bar Magritte是一個適合在深夜與三五好友閒聊、下棋,享受現場音樂的酒吧。(圖片來源:Bar Magritte)

飽滿色彩、強烈視覺的平行世界

Bar Magritte由Rocco Forte飯店集團的設計總監Olga Polizzi、倫敦室內設計工作室DO Design Studio共同打造,用色歡樂而繽紛,搭配活潑俏皮的紋理質感、裝飾藝術風格的彩繪玻璃窗,還有整間酒吧的視覺亮點——圍繞著座位區的壁紙。這張壁紙出自於倫敦壁紙設計師Adam Ellis,挪用了馬格利特的畫作《Femmes》(1922),原作畫面細節被放大、延伸,覆蓋了整個空間,與酒吧外形成對比,宛如兩個世界般。

為了搭配視覺強烈的壁紙,設計團隊選用同樣用色飽滿的家具,例如來自葡萄牙品牌Munna,帶有白色滾邊的綠色天鵝絨長沙發、珊瑚紅色的單人沙發,以及在布魯塞爾當地所挑選的特色燈具、桌子等。Bar Magritte還規劃了一處表演舞台,讓現場爵士樂演出,帶領客人回到馬格利特活躍的1920與1930年代。

世界調酒大師訂製,馬格利特啟發的20款調酒

別出心裁的酒單,由雞尾酒大師Salvatore Calabrese精心設計,是Bar Magritte致敬馬格利特的另一方式。Bar Magritte的酒單分為「他的作品」與「他的世界」兩系列,共有20款調酒,分別從馬格利特的經典之作、私人生活汲取靈感。

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
Bar Magritte。(圖片來源:Bar Magritte)

在「他的作品」中,以系列畫作為名的「Shéhérezade」(天方夜譚),是一款帶著柑橘香氣的馬丁尼;「Lyricism」是蘋果白蘭地搭上西洋梨的組合;「Magritte」則以藝術家熱愛的波爾多紅酒為基底,結合蘭姆酒、杏桃白蘭地、草莓酒與柳橙汁。

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
「Shéhérezade」畫作與調酒。(圖片來源:Bar Magritte)
獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
「Lyricism」畫作與調酒。(圖片來源:Bar Magritte)

從馬格利特人生故事取材的「他的世界」,包括向藝術家摯友薩爾瓦多.達利致敬的「Casanova」、以希區考克為命名靈感的「Film Maker」等——馬格利特曾與這位名導演合作過,也曾是一位業餘影人。無論是哪一款特色調酒,Bar Magritte都希望為客人帶來驚喜的香氣與口感,一如馬格利特的作品,帶領觀眾踏上夢遊仙境般的奇幻之旅。

獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
「Good Faith」畫作與調酒。(圖片來源:Bar Magritte)
獻給超現實主義大師的同名酒吧:比利時「Bar Magritte」復刻馬格利特的奇想世界
「Magritte」畫作與調酒。(圖片來源:Bar Magritte)

資料來源|Bar Magritte

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張簡士揚個展登陸奇想會!古人現身當代生活場景,打破時間線性的「穿越美學」

張簡士揚台灣藝術家

在藝術家張簡士揚的畫中,古人們做著當代的事,他們騎摩托車、吃麥當勞、滑智慧型手機;幽默畫面配以鮮明色彩、流動線條,形成如真似幻的場景。像這樣的「穿越美學」,也成為他的創作標誌。

在全新個展《The Future Never Looked so Good》當中,張簡士揚提出了「窗」的概念,透過智慧型手機與手錶等「當代窗景」,延伸出跨越時代的人們與他者和世界互動、連結的生活方式。展覽即日起至2024年3月31日,於台北藝廊奇想會Whimsy Works展出。

台灣藝術家張簡士揚奇想會個展
張簡士揚〈消暑〉/張簡士揚〈虎松〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

讓古人穿越至當代,賦予當代日常古典意趣

身兼產品設計師、藝術家雙重身分,現為迪士尼(Disney)大中華區特聘藝術家的張簡士揚,無論創作載體為繪畫、平面視覺、產品等,都流露著古典氣質與現代元素交織的「穿越」美感。而這次他在奇想會舉辦的個展《The Future Never Looked so Good》,由繪畫做主角。

台灣藝術家張簡士揚奇想會個展
張簡士揚〈奔馳吧〉/張簡士揚〈雲端情人〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

你是否曾有過這樣的經驗?當凝視著一支落單的衣架、一件牆角的花瓶、一團陌生的煙霧,或某個再平凡不過的日常碎片,思緒便墮入了另個維度,Déjà vu的感受瞬間襲來,或則想像開始馳騁。「記憶」成就了這些奇異的心念幻象,令我們懷疑這是曾發生過的虛擬現實?還是極可能成真的超未來時空?張簡士揚的創作動機便源自於此。

台灣藝術家張簡士揚奇想會個展
張簡士揚〈鴛鴦戲水〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

4點解析張簡士揚的創作觀

張簡士揚的繪畫主題,看似描繪日常生活情境,卻又以敏銳纖細的眼光,探討時空的游移與彈性,是日常生活和超現實想像的結合。關於這點,我們可以從張簡士揚描繪古人從事當代活動的一系列繪畫中看出端倪;在他的筆下,古人衝著浪、戴上耳機刷著碟、穿起泳衣彈吉他⋯⋯生活感與穿越美學在他的畫中揉合。

01 古人、太陽眼鏡、當代生活場景的意義

古人、太陽眼鏡、當代生活,經常出現在張簡士揚的作品當中,他對此解釋:「古人象徵打破時間是線性的觀念;太陽眼鏡則讓人看不出年紀與人種;當代生活是和現在生活連結的方式。」像是畫作〈switch tennis〉 背後創作的動機,就是隨機與線上的參與者一起打球,但對方是誰、來自哪裡一點都不重要。

台灣藝術家張簡士揚奇想會個展
張簡士揚〈switch tennis〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

02 以「窗」為題,串起古今與世界連結的生活模式

在這次奇想會個展《The Future Never Looked so Good》當中,張簡士揚提出了「窗」這個古典元素,且不再在意古今場景的界線消弭,反而更進一步,以當下人類所擁有的「日常科技能力」去擁抱時空的疆界。他首度釐清,「『穿越』並非是我創作的主軸,記憶與日常事物才是,透過窗景,我們能夠連結。」

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張簡士揚〈修修臉〉/張簡士揚〈跨時空網戀〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

窗引入了光源,框取了可見的視界,讓意識與想望延伸。在張簡士揚的新作當中,窗景改以手機、智能手錶等各種穿戴式屏幕呈現,這些畫面不單單只是創作者一人的觀看視角,還代表了當代人群於虛擬雲端的集體展演和分享,不管是直播、視訊、即時動態,雲端的即時呈現成了當代人文風情的載體。

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張簡士揚〈直播早安〉/張簡士揚〈龍虎松〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

03 電影《愛在黎明破曉時》激發靈感,人因過去而有如今的自己

人類意識與活動之間的觸發關鍵,亦是張簡士揚想透過繪畫探究的命題。經典電影《愛在黎明破曉時》(Before Sunrise)中,男主角一席關於他相信靈魂轉世並四散成碎片的發言,曾給了張簡士揚相當的既視感。

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《愛在黎明破曉時》劇照。

他認為每個人在這世界上,總會有機會遇到與自己特別投緣或獨具心電感應的瞬間,這些遭遇,很有可能是碎片與碎片的再度相遇;每一個當下的自己,也都與過去的自己有所連結,只不過在沒遇上之前,誰都沒料到這竟會成真。這份念想,得以從《跨時空交流》中見得,張簡士揚創作這系列畫作的起心動念,便是相信每個人的存在都是自己與過去的連結體。

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張簡士揚《跨時空交流》系列。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

04 儘管AI當道,人性才是最重要的

不只從電影延伸創作想法,法國電音團體Daft Punk成員Thomas Bangalter在解散之後所發表的看法:「我們一直都站在人性這邊,而非技術那一面......我最不想成為的就是機器人。」同樣也解答了張簡士揚繪畫中總是援古證今的姿態。

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Daft Punk。

在AI與人性之間,張簡士揚選擇揣摩人們情感與依戀的出口,這點反映在他創作〈Human After All〉的過程中——在AI是否取代人的議題下,人性與科技應該有所區別,人性和情感才是最重要的。

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張簡士揚〈Human After All〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

與他者、時空共譜的童話寓言

綜觀《The Future Never Looked so Good》展出作品,各種穿戴式螢幕畫面的溝通方式,呈現了當代人的觀看方式和習慣,就好像以前的人開了一扇窗,為了讓視野與想法破框延伸;身在當代的你我,也透過科技產品和世界互動產生新的連結。

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張簡士揚〈The Musicians〉。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

看張簡士揚的作品總會會心一笑、心生共鳴,因為他描摹的不只是自身獨有的私人經驗,而是與他者、時空所共同譜寫的童話寓言。

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張簡士揚《龍樹》系列。(圖片提供:奇想會 © 張簡士揚)

張簡士揚個展《The Future Never Looked so Good》

展覽期間|2024.03.09-03.31

時間|13:00-20:00(週二公休)

地點|奇想會Whimsy Works(台北市大安區安和路一段21巷7號)

門票|入場費為低消飲品一杯

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