如果你曾拜訪倫敦，總不會錯過維多利亞與亞伯特博物館（Victoria & Albert Museum，後稱V&A）。這個舉世知名且全球規模最大的藝術與設計博物館，成立於1852 年，是許多設計與美術愛好者的朝聖地，而在即將來臨的2017 年，距離我們近在咫尺的深圳蛇口，也能一睹V&A 的過人魅力。

近年來中國深圳在悄悄起革命，不知不覺間，從製造之都變成設計之都，成為超過6,000 家設計公司的聚集地，與北京上海分庭抗禮，隸屬於中國中央直接管理的中國招商蛇口（ChinaMerchants Shekou Holdings，簡稱CMSK）因此在2014 年邀請英國V&A 合作，共同籌辦蛇口V&A 展館，將V&A 帶到亞洲開立首座分館！這個極富話題性的里程碑，不單是中國央企與英國公共機構的首次文化合作，也得到中英政府積極的協力推行，V&A 首次衝出英國進行如此大規模的合作，亦見證著蛇口V&A 展館的
指標性地位與宏大目標：讓深圳這個日益強大的設計社群，能有更具國際視野的設計舞台，擁有一個屬於21 世紀的設計展館。由普利茲克獎得主、著名代謝派建築大師槇文彥操刀建築設計，英國V&A 亦會負責分館的營運、收藏及發展，積極培訓博物館團隊，預計在2017 年正式開放給公眾。

當博物館正如火如荼籌備之時，招商蛇口在今年3 月亦率先與V&A 公布新型文化綜合
機構品牌「設計互聯」，希望藉由這個平台突出設計在社會、文化、環境發展中引起積極作用，作為招商蛇口在探索設計領域、展示開創與設計實踐、展開多元對話、促進跨領域合作的內在驅動力。「設計互聯」將在2017 及2018 年舉行兩場大型展覽，將V&A20 至21 世紀的時尚、攝影、家具、平面設計等領域的重要藏品在蛇口V&A 展館裡展出。或許對於深圳的印象，你還停留在生產代工的工業之城，但隨著此項計畫的正式啟動，可以預見的是這個城市將會是所有設計愛好者不能錯過的目的地。

Ｑ＆Ａ/ 專訪 

Ole Bouman「 設計互聯 」館長 Luisa Elena Mengoni 蛇口 V&A 展館主管

Ｑ１．請與我們介紹一下「 設計互聯 」的定位？

Ole Bouman：「設計互聯」是個獨一無二且創新的平台，將「設計互聯中心」（Design society Foundation）與商業之力結合，創造一個可永續經營的框架。該中心由招商蛇口（China Merchants Shekou Holdings，簡稱CMSK）成立，其延續了蛇口與深圳的開創性精神。並且促進中國與世界接軌，建構起設計與社會、日常生活與工業的互連性，帶領眾人審視設計是如何成為社會的催化劑。

Ｑ２．針對蛇口 V&A 展館的合作內容上，倫敦 V&A 將會提供哪些資源的協助呢？未來也會與其他國家進行類似的合作嗎？

Luisa Elena Mengoni（後稱LM）：V&A 和CMSK 合作的項目包括提供博物館管理諮詢，和標準營運程序、設計互聯成員的培訓、招聘過程中的支援，以及打造以20、21 世紀國際設計為主的V&A 展館，展示來自倫敦V&A 博物館內的藏品。V&A 展館將成為設計互聯四座展覽館中的其中一座，針對特定的博物館運作領域，V&A 已透過編篡標準運作程序手冊的方式，建構博物館的管理參考框架，而設計互聯將視其機構性質的需求與標準，採納我們的方法。我從三年前自倫敦轉任蛇口，與5 位倫敦成員一起組成的團隊，除了針對特定領域─從計畫管理到策展規劃的學習，與設計互聯成員合作，提供對方親身學習的機會，V&A 也會指派專家進行設計互聯成員的培訓。此外，透過蛇口V&A 展館的設立，及去年深圳雙年展《不為人知的設計行為》的研究與展覽中，我們也將館內從概念開發到設計與闡述的整體策展程序，與對方分享。此外，關於和其他國家進行合作的部分，目前還沒有任何類似的計畫誕生，但我相信這將會是未來的趨勢。

Ｑ３．蛇口 V&A 展館目前有哪些研究計畫呢？它們將會如何運用在展覽中？

LM：V&A 的展覽向來是研究與策展計畫的成果，往往需歷經二至五年的準備，才能將最初的概念推向實體設計與展場開發。這是一個極為複雜的過程，需牽涉數種專業領域：核心團隊須包含策展人、助理策展人、企劃經理、學習經理和設計師，還需要許多同事投注心力在保存、技術服務、貸款、媒體、行銷與溝通頻道中。儘管策展人可以運用各種方法來建構一個概念，但在V&A，我們試著製造出可激盪思辨的主題，並結合關鍵性解釋與有趣的視覺元素。

BOX | 2017 蛇口 V&A 展館大型展覽搶先知

2017 年，蛇口V&A 展館即將舉辦第一場大型展覽，透過蛇口V&A 展館首席設計策展人柯鹿嗚（Brendan Cormier）的策劃，將會展出包括20 至21 世紀的V&A 館藏，橫跨家具、時尚、產品及平面設計等，以兩大面向開展：不同價值觀如何影響設計發展、以及如何影響設計的價值，企圖展現設計價值如何被定義與妥協的重要理解。未來蛇口V&A 展館將以「效能、成本、問題解決、材料創新、身份、傳達與奇觀」七大主題建構展覽敘事框架，細細剖析歷史上設計乘載的不同價值。目前已經知道的展品包括：Christian Dior 細緻做工的洋裝、Dieter Rams設計的百靈（BRAUN）隨身唱機、以及最新的無人機技術。
 

Text / 梁大文

訪問 / 方敘潔

Photo / V&A

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}