隆冬之際、年終將屆，臺北市立美術館用台北雙年展在地發聲、接軌國際，作為過去一年的註解、展望2017。回顧2016年的各項展覽，承蒙各界多方支持，更感謝每一位走訪北美館的市民與觀眾能與我們一同分享藝術家耕耘的成果。

2016年是成果豐碩的一年，除了在北美館內舉行的各檔展覽，在暑假期間與韓國光州美術館合作的雙城國際策展交流「生活帶來的種種愉快與不安之間」，以及年初與英國倫敦皇家藝術學院（Royal Academy of Arts of London）合作為知名建築設計師海澤維克（Thomas Heatherwick）策劃的高人氣展覽「新世代英倫創造：走進海澤維克工作室」，皆是我們肩負藝術國際交流使命下開啟的新頁面。延續2016年度的國際交流成果，2017年度本館也將配合即將舉行的世大運規劃國際交流主題策展。

在2017年度，北美館將推出一系列展覽，組織呈現媒材大異其趣的展覽、聚焦多元題材的豐富可能。 經過2016年舉辦「朗誦／文件：台北雙年展 1996-2014」，我們重新思索美術館在時代變動中的角色、用展覽作為彙整的場域、回顧的主軸。在展覽與歷史回顧的探索基礎上，北美館將與康乃爾大學強生美術館（Herbert F. Johnson Museum of Art, Cornell University）合作、在駐紐約臺北文化中心策畫解嚴三十年「解•紛:台灣解嚴三十年之當代藝術」展覽。

「斷裂的書寫」展覽同樣從『戒嚴、解嚴』的文化語彙出發，透過後解嚴世代藝術家觀點的創作再詮釋，與「解•紛:台灣解嚴三十年之當代藝術」展覽形成隱微卻具體的對映：一段歷史經歷『彙整』與『再製』的兩種發展方向，相同的文化養分在藝術的有機體上結出不一樣的果實。北美館對於回顧展的策劃，向來以最高的標準與重要性看待；為台灣的藝術發展、藝術家開拓的歷程留下不同階段見證是我們的責任。2017年舉辦「焊藝詩情➾高燦興回顧展」與「臺北獎首獎展--紀凱淵－2017紀紐約個展」兩檔展覽，既為前輩回顧爬梳、也為新起之秀期 待展望。回應美術館作為彙整的場域，我們用每一次的回顧為在地藝術奠下更深厚的基礎。

2017年度廣受矚目之交流重點「第57屆威尼斯雙年展」台灣館謝德慶《做時間Doing Time》，自5月起將在義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni）首次綜合性呈現藝術家謝德慶作品展覽。 對於今年意義重大而備受關注的展覽內容，我們在興奮期待的同時也深刻體認到身負重任的使命感。
 

實踐多元發想的潮流下持續引發討論，北美館特別於今年啟動「策展徵件計畫」。經過兩個月的公開徵件，透過館內、外深具策展經驗的評審委員選出由策展人游崴及策展團隊「在地實驗」所提出的「破身影Broken Spectre」展覽計畫於2017年6月至9月北美館地下樓展出。

新的一年北美館將在戶外廣場呈現「X-Site計畫：關於工務所的行動研究IN PROGRESS」與「庇護所：無家者之家」兩場戶外展覽，讓藝術的對話走出展場的『白盒子』，在藍天下、微風中以有機體的形貌與民眾相見。2017年度「X-Site計畫：關於工務所的行動研究  IN PROGRESS」首次以連續兩年相同主題的方式策展，並在2018年將由不同系列作品再次聚焦相同命題，為藝術創作的對話延續能量。 九月過後北美館配合館內設施維護改善，將有半年的休館，期間將在戶外廣場呈現「庇護所：無家者之家」，以有機創作形體進行藝術的空間展演，藝術的實踐並不因空間的條件而受限。2017年底「臺北美術獎」同樣不受展場休館影響，將於台北當代藝術館移地舉行。

2017年年初北美館兒童藝術中心推出「兒童教育計劃第5號」--「集什麼？Collecting and so on」，邀請六位藝術家展出與收集概念相關的作品，並發展出體驗式工作坊、互動導覽、繪本故事等相關教育活動，於免票展區全面展開。北美館持續推動兒童教育計劃，希望在提供優良親子展覽的同時，能夠培育未來富有藝術欣賞涵養的新世代。

對於北美館一直以來追求實現『公眾對話』、『藝術共享』的目標，在北美館內部調整的同時、將藝術實踐帶往不同空間，我們相信這樣過渡期的意義不僅止於實務面的功能，作為我們重新調整再出發的階段、更具有精神上的象徵意義。期待這新的一年，有所有朋友與北美館一同成長，一同開創萬象更新的一年。

via / 臺北市立美術館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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