歧視爭議不再！改頭換面的Abercrombie & Fitch是否真能重返榮耀？

曾經是充滿種族與身材歧視爭議的美國休閒品牌Abercrombie & Fitch（A&F），自2014年12月言行作風極端的執行長Mike Jeffries卸任後，品牌就極力調整定位及行銷策略，試圖重塑在消費者心目中的形象，以挽救不斷下滑的業績。

除了改變員工聘用標準，不以身材和長相為優先考量之外，也放寬了員工工作時的服裝儀容規定，取消上空的肌肉猛男噱頭。對於這兩年多來品牌重塑的努力，經營團隊表示，除了數十年來品牌一貫的熱情及吸引力是必須要守住的底線，其他所有部分都是可以改善的目標。

「我們想要對業界忠實地呈現我們的定位以及我們正在努力的方向。」Abercrombie & Fitch總裁Stacia Andersen表示，「我們重新建立了品牌團隊，我們有一群具有無比才華的團隊，有些打造這個品牌的人，在這裡已經工作了20年之久，我們由上到下，再由下到上來回檢視了這個品牌，思考我們想成為怎樣的人，我們想要代表些什麼，以及最重要的，我們希望保留什麼。其中一個誤解就是，我們是一個青少年logo運動衫品牌。」

Stacia Andersen認為，熱情與吸引力是這個品牌一直以來為人所知的特點，從門市的購物體驗到產品細節與品質，都是圍繞著「吸引力」這項特質而建立的，因此最重要的就是，熱情和吸引力的品牌文化都必須存在於所做的一切中，「我們希望能保留那點，我們要保有熱情，至於其他的一切都可以再商量。」

Stacia Andersen與設計資深副總裁Aaron Levine指出未來Abercrombie & Fitch即將會有的變化：目標客群將調整為20歲左右的族群、整合了男女裝產品的門市原型，擁有較小的面積、更佳的視線、加入了科技輔助的更大試衣間以及獨特商品的開發。門市甚至還會使用新的香氛，除了帶來不一樣的購物體驗，也是種改變的象徵。

「我們使用了新的香氛，那是今年春季的一個中性香氛系列，味道很清新而且乾淨，我們相信香氛也是我們品牌的一部分。」Stacia Andersen說。

在90年代，Abercrombie & Fitch是青少年及大學生首選的服裝品牌，成為美國年輕文化的一部份，Stacia Andersen表示：「時至今日，我們努力為20多歲的族群打造新的A & F，他們對於他們是誰以及他們想從我們這裡得到什麼超有熱情，他們很獨立、自信，他們清楚自己的風格，我們希望能夠走進他們的生活之中。」

回想自己第一次到俄亥俄州的Abercrombie & Fitch總部面試的經驗，Aaron Levine表示：「這裡讓你能夠全心全意專注在品牌的一切，不管是品牌的內涵還是未來的方向，所有的事物都能抓住你的注意力。」

對於設計過程，Aaron Levine則表示，「我們真的是在地板上工作，玩不同的布料，玩不同的材質，試著將這些材質在不同的領域裡運用。我們真的運用一些地球上最棒的商品，我們重新平衡了剪裁，專注在表面處理、在布料、在細節中。」

Aaron Levine補充道。「設計是一個混亂的過程，重點不在於這些影響範圍廣大的決定，而是在於捲起袖子努力工作，破壞並重建，我們仔細審視每個單一區塊，每一個縫線，每一個接合處，每一塊布料，每一個單一元素，你無法一次全部到位，你會開始不停的雕琢。」

「當然要變得更現代化沒有什麼問題，然而我們不希望背離品牌的初衷，作為美國的休閒服飾品牌，那些是我們的根源，我們不想讓顧客走進店裡，對眼前所見感到驚慌失措，時尚與潮流不斷改變，重視細節是很重要的，但我們要如何強調那個部分？我們需要尊重品牌的過往，同時向前推進。」

Stacia Andersen也表示，希望能讓Abercrombie & Fitch如90年代一般，再次成為美國文化的一部份。

「我們的消費者已經長大，他們善於社交，他們會參與互動，他們想要成為品牌的一份子，重點已經不再是到哪裡購物了，我認為與他們互動就是成為他們對話內容的一部分，成為他們生活裡的一部分，這不再僅只是提供他們想要的產品而已，雖然這部分對我們來說依舊很重要，如果最終沒有創造出良好的門市體驗以及讓消費者穿上後覺得驕傲的產品，你就是沒有盡到你工作應盡的職責…重點在於與我們的消費者每天進行雙向對話。」

「我們瞄準20多歲的消費者，特別是20歲至22歲之間的族群，我們覺得那裡還有一些競爭者無法模仿的市場白地（White Space），我們目前有60%的消費者是18歲以上。我們要吸引18歲，或許甚至是更年輕的族群，我們也要吸引更年長的族群，而從款式風格的觀點以及從舒適度的觀點來看，我們都要能滿足更大的族群的需求。」

有趣的是，以實體門市體驗聞名的Abercrombie & Fitch，線上銷售表現開始出現明顯的成長，Stacia Andersen表示，目前線上銷售占總銷售額的30%，這樣的成績讓她感到出乎意料之外，隨著未來公司縮減實體門市空間，線上銷售的表現還可能繼續走高。

「我們是美國休閒服飾的經典形象，Aaron和我並不是為了甘於平淡才改變生活，搬到俄亥俄州中部，我們希望成為全球最好的品牌，我們要讓這個品牌回到我們認為它該屬於的位置，還有許多熱愛這個品牌的人，真心希望它重返榮耀。」Stacia Andersen說。

Text、Photo / BeautiMode、A&F、gettyimages

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。