前英國《Vogue》時尚總監自爆被開除秘辛！設計師成產業惡性循環犧牲品

前任英國版《Vogue》時尚總監Lucinda Chambers日前接受獨立雜誌《Vestoj》訪談，大談她稍早被無預警辭退，以及過去她在義大利品牌Marni工作時的各種時尚黑幕。該專訪對產業界猶如一枚震撼彈，敏感程度大到甚至讓《Vestoj》在發布當天稍晚一度撤稿。

 

British Vogue（@britishvogue）分享的貼文 於 2017 年 3月 月 7 1:44上午 PST 張貼

通篇文章以Lucinda Chambers第一人稱口吻撰寫，她表示自己是被新任總編Edward Enninful解聘。儘管受訪中提及，友人曾以「職涯污點」為由勸阻她公開真相，然而Lucinda Chambers認為，這沒有什麼好可恥的。

她為英國版《Vogue》工作了36年，其中有25年擔任的是時尚總監，她以她的工作為榮，不過事實就是「我不是自己想走的，我是被炒魷魚的。」Lucinda Chambers更進一步表示：「他們只花三分鐘就把我給炒了。整棟大樓裡，沒有人知道發生什麼事，跟我一起工作了25年的同事和管理高層都毫無頭緒，人資也不清楚，甚至是集團主席也跟我說，他不知道會發生這樣的事，沒有人知道，除了那位做出此決定的人—那位新來的編輯。」

 

British Vogue（@britishvogue）分享的貼文 於 2017 年  4月 月 10 4:16上午 PDT 張貼

沒有人知道真相，也沒有人表達意見，文章當事人之一的Edward Enniful也僅一句「不予置評」帶過。然而比起離職，Lucinda Chambers似乎對於時尚體系的扭曲有更多體悟，像是設計師被壓榨創意、雜誌內容的功能失衡，還有媒體與廣告主之間的角力拉扯，諸多想法不吐不快。

「時尚會把你生吞活剝。」她以過去在Marni與設計總監Paulo Melim Andersson共事的經驗為例，她認為，這位瑞典設計師很大膽，非常聰明，也十分脆弱，就跟許多創意人士一樣。當時品牌CEO執行長詢問她對於這名設計師的看法，她對執行長說，「Paulo很棒，但你必須清楚，他無法幫你在一兩季內，就讓品牌鹹魚翻身。你得給他時間，而且要幫他安排對的人手。」儘管執行長當下也非常同意她的觀點，但三季過後，在Marni工作了七年的Paulo Melim Andersson就被判出局，2006年10月，他到了法國時尚品牌Chloe擔任創意總監。

Lucinda Chambers繼續補充，「他們沒有給他時間，他也從來沒得到他要的人，我為Paulo感到相當難過。」在快時尚崛起後，像LVMH這樣的大集團也逐漸受到影響，經營階層試著讓創意人士的行為舉止變得在商言商，從最早一年兩季成衣，到現在一個設計師平均至少要在一年內推出四個系列，更別提某些設計師同時要兼顧品牌男女裝的情況下，必須設計八個系列，若又兼顧多個品牌，某些設計師甚至一年要設計高達16個系列。

「每個人都希望多還要更多，快還要更快。大公司對他們的設計師有太多要求，我們也看到了賠了夫人又折兵的結果。」Lucinda Chambers表示，在這樣高壓的環境下，許多設計師因此有酗酒、嗑藥等問題。然而，設計師想方設法終於完成了這大量的工作，但他們最後呈現的績效卻不佳，之後就只有出局的份。

原本該是產業中的靈魂人物，轉眼間卻被棄之如敝屣。「你在時尚界是不被允許失敗的，尤其是在這個社群媒體的年代，一切都是關於成功不凡的生活。」她表示，「現在的人不可以失敗，但這樣的觀點會形成焦慮和恐懼，可是我們為什麼不能慶祝失敗？它畢竟能幫助我們成長與發展。」

 

 

British Vogue（@britishvogue）分享的貼文 於 2017 年 4月 月 20 7:20上午 PDT 張貼

 

接著Lucinda Chambers話鋒一轉，把矛頭轉向時尚媒體。「我已經好些年沒看過《Vogue》了，可能是我在那裡工作太久，跟它關係太密切了，但我從來就沒有覺得自己生活得像《Vogue》的內容那樣。」Lucinda Chambers表示，很少時尚雜誌讓你覺得充滿力量，大部分都會讓你感到無比焦慮，「沒有舉辦對的晚宴派對，沒做好對的餐桌擺設、或是沒遇到對的人。」時尚界總是不斷鼓吹人們去消費那些他們根本不需要以及根本負擔不起的鞋、包、服裝，那些服裝對多數人來說毫無意義，因為實在貴得離譜，現在雜誌想要的就是最新和獨家，很可惜已經失去了他們曾經擁有的權威性，已經不再實用了。

 

British Vogue（@britishvogue）分享的貼文 於 2017 年  3月 月 27 7:27上午 PDT 張貼

這位資深的時尚總監也坦言，自己沒有她所期待的那樣清高，「並不是每一個我負責的拍攝工作都很出色，有些非常糟，Alexa Chung穿著一件愚蠢的Michael Kors T恤的六月號封面就很糟，但他是很大的廣告客戶，所以我知道我必須那麼做的原因。我也清楚我那麼做很俗氣，但不管怎樣我還是做了。」

 

British Vogue（@britishvogue）分享的貼文 於 2017 年  5月 月 9 3:15上午 PDT 張貼

現年57歲的Lucinda Chambers，在失去了《Vogue》雜誌光環後，坦言對於即將到來的時裝週，感到既期待又怕受傷害，「我還拿得到秀票嗎？我又會被安排在哪裡？我過去25年都不必去思考那些事，大部分離開《Vogue》的人，最後都會感到自己是次要的，但事實上，你永遠都不會比你的公司還來得重要。但我現在也有個新的想法，如果它奏效的話，或許我就不會感到那麼的受傷，我們只好等著看吧。」

這篇訪談文章撤下後，不到24小時又重新出現在《Vestoj》網站中，這個專注在時尚批判性思考的平台創辦人Anja Aronowsky Cronberg解釋，內容的敏感程度確實是他們暫時移除文章的原因。儘管身為獨立媒體，他們也有不能獨立於產業體系外的難處；然而他們還是希望能藉由該訪談引發討論，或許能讓時尚媒體省思找回深度與意義。

只不過，礙於康泰納仕有限公司（Conde Nast Limited）和Edward Enniful律師的壓力，《Vestoj》後來還是刪除了Lucinda Chambers所說，除了新任總編輯Edward Enninful，那棟大樓裡沒有人知道她將要被炒魷魚的說法。

「有鑒於這是牧羊人大衛和巨人歌利亞之戰，我沒有財力資源介入其中，我依照要求做出了調整改變。」Anja Aronowsky Cronberg在接受《女裝日報》（WWD）訪問時表示，她無法透露Lucinda Chambers是否將為自己惹上官司，但也補充說，「我只知道以那些方式挑戰強權，是要付出代價的。」

Text、Photo / BeautiMode

愛馬仕以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為設計起點，在台北SOGO復興專門店三層和諧空間中展現16 大工藝領域；巴黎建築事務所 RDAI 使空間色彩隨動線鋪展，彷彿由黃昏逐步走入夜幕，此次店裝重點在於以材質、觸感與在地工藝巧思，連結品牌傳統與台北城市脈絡。

轉譯一座城市的日常紋理

如果說過去的精品店強調品牌識別與商品展示，今日的「城市型旗艦空間」則必須承擔更多任務：店鋪不只陳列商品，也必須成為品牌如何理解一座城市的證明。

愛馬仕台北 SOGO 復興專門店將台北的屋頂、街道、霓虹、珠簾、夕陽與材質記憶，重新編排成一座可行走、可停留、可觸摸的品牌之家。全新空間由巴黎建築事務所 RDAI 操刀設計，以台北獨有的城市能量與層次豐富的建築風貌為靈感，細膩展現愛馬仕 16 大工藝領域。

珠簾、竹材、花磚與城市記憶

專門店外牆鋪陳以天然材質製成的陶瓷磚，溫潤而內斂的色調與百貨建築外觀自然融合；面向商場內的入口立面，則以方形與長方形上釉陶瓷磚構成，呼應城市中傳統屋頂常見的幾何輪廓。

其中，1980 年代公寓常見的珠簾語彙，被轉化為落地窗上的精緻工藝裝飾；象徵居家記憶的花磚意象，則被重新演繹為包覆空間的視覺層次。珠簾是非常有台灣生活感的物件，它曾出現在玄關、客廳、門廊與騎樓之間，當這樣的語彙被帶入愛馬仕店鋪，它並沒有成為懷舊佈景，而是被拆解為線材、垂墜感、半透明的視覺節奏，以及光線穿透時的微妙層次。

不同時段的光影流轉

走進一樓，首先迎來的是以暮色為基調的溫暖色彩，並點綴柔和洋紅色調，賓客首先走進絲巾世界，並可同時瀏覽時尚配件、香水與美妝系列；整體空間由品牌標誌性的 Grecques 燈飾柔和照映，店內深處則設有珠寶與腕錶專區，營造較為私密而靜謐的氛圍。

一樓屏風牆面也格外值得停留，它融入在地工藝製作的線材，並交織愛馬仕絲巾布料餘料，這樣的材料處理，也呼應愛馬仕長久以來對工藝、時間與物件生命的思考。絲巾不只是被展示於櫃上或披掛於身體，它也能成為牆面的一部分、光影的一部分，甚至是空間記憶的一部分。

二樓陳列皮件與居家系列，並轉向更具生活尺度的觀看方式，空間以明亮色調呈現，量身訂製的地毯形成鮮明對比，其視覺靈感取自城市霓虹燈光的流動感。 櫥窗則以「新北投車站」為靈感，展開一段從車站駛向太平洋的想像：火車、海浪與時間流動的意象交疊，為整座店鋪增添近乎電影感的敘事。

台北是一座高度移動的城市，人們在捷運、車站、百貨、辦公樓與巷弄之間穿梭；而太平洋則像是城市邊界之外的遠方。當火車與海浪的意象出現在櫥窗裡，彷彿將台北人的日常通勤，轉化為一段介於現實與夢境之間的旅程。

三樓空間則迎向更充沛的自然光，地面圖案靈感源自城市街道紋理，引領賓客探索男仕系列、女仕鞋履與成衣區域。 從一樓的暮色、二樓的霓虹與移動，到三樓的自然光與街道紋理，整體動線像是將台北一天的光線壓縮進垂直空間：從黃昏開始，經過夜色、城市燈光與流動的街道，最後重新回到明亮的日常。

整間台北SOGO復興專門店，在三層樓之中涵蓋愛馬仕 16 大工藝領域，從絲巾、時尚配件、香水美妝、珠寶腕錶，到皮件、居家、鞋履與成衣，構成一條由材料、光線與生活場景串起的動線。

藝術讓觀看「慢」下來

全新空間也配置了來自 Émile Hermès 收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列的作品。法國藝術家 Jean Baptiste Petit 的《Feux de brouillard》與《Crépuscule》，透過光影與景深的處理，與店內由暮色、夜幕至自然光的空間節奏形成呼應。

這些作品的存在，使藝術在這裡不是裝飾性的附屬品，而像是動線中的停頓符號，讓人不由自主轉而注意牆面、光源、陰影與行走速度。當工藝物件、藝術收藏與建築材料同時存在，空間便不再只有展示功能，而開始承載更豐富的感受層次。

走進華山 1914 文化創意產業園區西二館，香奈兒 2026 COCO BEACH 台北快閃店於此展開，將 300 平方公尺的明亮空間轉化為一處介於海洋、沙岸與度假想像之間的沉浸場景。「海灘」不再被直譯為陽傘、躺椅與棕櫚樹的視覺套路，香奈兒選擇潛入更深層的海底意象：巨型珊瑚、層疊細沙紋理、如水波般流動的光影，共同構成一座位於城市中心的靜謐海域。

當城市中心化為沁涼海洋

香奈兒 2026 COCO BEACH 台北快閃店自即日起至5月24日登場，帶來 Matthieu Blazy 首次推出的 COCO BEACH 系列。COCO BEACH 本身即帶有鮮明的季節性與生活風格想像，這次選擇以「深海」作為場景起點，巨型木製珊瑚裝置成為整個空間的視覺核心，細沙紋理在地面與陳列區域之間延展，柔和光影讓整體氛圍帶有某種介於真實與幻覺之間、彷彿飄浮於海浪之上的輕鬆。

金魚皮件、小丑魚造型包款悠然共游

為了讓訪客可以放慢步伐，櫥窗也被設計成一座座水族箱，服飾、珠寶與配飾在黑色細沙襯托下被重新觀看。相較於傳統精品櫥窗強調光澤、距離與正面展示，這裡的商品像是被放入一個海底生態系中，與珊瑚、沙紋、織物肌理共同構成畫面，使 COCO BEACH 的夏日意象多了一層神祕而靜謐的底色。

當這些符號被置於水族箱般的櫥窗、黑色細沙與珊瑚裝置之間，獨家商品就像是在某個想像中的海底棲息地中被發現，充滿巧思。

Matthieu Blazy 的設計向來不以直白宣言取勝，他不僅擅長把線索藏進細節與觀看方式之中，也樂於讓大家體驗挖掘彩蛋的驚喜。

放在 2026 COCO BEACH 中，螃蟹咬耳朵的耳環、散布於四處的海星及海馬、小丑魚等海洋母題，因此不只是可愛裝飾，而像是一組輕盈的夏日訊號：它們讓香奈兒的度假語彙從陽光海岸潛入更富奇想的水下世界，也為 Blazy 筆下的香奈兒埋下十分 playful 的開場！

不僅如此，這份玩心並沒有削弱香奈兒的優雅，除了海洋生物、珊瑚景觀、黑沙櫥窗與光影層次彼此呼應，2026 COCO BEACH 像是一張被細心編排的「夏日 mood board」，在 Matthieu Blazy 的首次詮釋下，既有不費力的華麗感、海灘邊的精緻姿態，也保留香奈兒特有的從容與自在。

結合科技　幻象拉菲草登場

系列中可見幻象拉菲草、方便於日夜轉換的泳裝、山東綢、丹寧材質、刺繡鏤空蕾絲、帽子、鞋款、包款等單品，透過絢麗色彩與帶有光澤感的對比，勾勒出充滿活力的夏日語彙。 這些材質的有趣之處，在於它們並非單純服務「海邊實用性」，而是讓手工感、閃光質地與高級時裝語言彼此交疊，尤其幻象拉菲草帶來自然與度假的粗糙觸感，對照於海面反射的波光，為服裝與配飾注入流動感。

親自來到香奈兒 2026 COCO BEACH 台北快閃店現場，會發現 COCO BEACH 的魅力不只在於視覺場景，更在於它如何把度假感推向身體經驗，從腳下的鞋履，到手中的包款，再到肌膚接觸的泳裝、帽款與織物，身體成為連結商品與空間的核心，夏日因而變得：輕盈奇想、帶有玩心，更耐人尋味。

CHANEL 2026 COCO BEACH POP-UP 台北快閃店
地點：華山 1914 文化創意產業園區 西二館
地址：台北市中正區八德路一段 1 號
展期：即日起至 5 月 24 日
營業時間：12:00－20:00
點此下載「CHANEL COCO BEACH 2026 COLLECTION」台北快閃店期間限定貼圖