用文青藝術翻轉百年時尚品牌!Gucci創意總監Alessandro Michele「文青力」改寫時尚審美觀

在新時代浪潮下,曾經的老字號品牌縱然有著大名氣,然而越發老氣橫秋的形象卻也漸漸被世人淡忘,敵不過被淘汰的命運,但難道品牌就該自此低頭認命結果,眼看畢生心血建立起的王國逐漸崩塌嗎?這個答案自然是因人而異,品牌老化是兵家常事,有些品牌選擇繼續固守傳統模式,也有些品牌積極大膽開發新路線,成功的例子多,失敗的案例當然也不少。

 

無論是哪種產業類型,「品牌重塑」這件擁有浩大工程,需仔細酌量的大事,究竟該如何將新銳創意置入品牌中,同時又要找出品牌新優勢與形象,種種要待解的困境光是想像就讓人頭大,為此本月La Vie TOP 10則精選了時尚、書店、生活雜物、城街商圈和零售商等來自不同領域的品牌,看它們如何運用視覺設計、經營策略和嶄新故事意象,擊退老舊包袱成功讓「老牌新生」!

 

百年時尚品牌越活越文青

近幾年時尚界的變化猶如板塊移動,歪斜了某些樓房,卻也碰撞出意想不到的美麗火花;火花如Alessandro Michele成為Gucci創意總監,嶄新的產品面貌與行銷手法、對「美」獨樹一格的詮釋、超前的電商操作,這些勇於突破傳統桎梏的勇氣,使近百年的歷史老牌重獲新生,成功拉攏甚至改寫年輕族群的審美公式。

 

正因與眾不同,所以美,所以深刻

Alessandro Michele為Gucci迎來時尚界的文藝復興,自此「文青」、「復古」幾乎與Gucci劃上等號,「我是義大利人,對文藝復興、對所謂的『美』有種使命,我必須透過義式視野去表達一些看似不正確的事情。」Alessandro Michele在一次訪問中提到了自己對「美」的看法,並且提到:「我認為『錯誤』是美的,如果你嘗試以某種不再循規蹈矩的方式去對抗既有審美觀,絕對讓人印象深刻,這就是一種美的表現,因為你是如此與眾不同。」;至於一開始眾人將他與前創意總監Tom Ford所營造的魅惑性感捉對比較,他則表示:「我沒想過那麼多,也不想讓直接定位品牌是性感的還是不性感的;但如果真的要討論性感這件事,我想性感關乎的是你如何展現自我,沒有別種版本了,你必須是你自己,才能稱得上是性感。」。

 

 

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美無明確範疇,Alessandro Michele:「有些事情不是非黑即白。」

 

於是,Alessandro Michele將他的「性感」投注到品牌中,模糊性別界線的伸展台,猶如他蓄鬍也飄逸著一頭長髮,兩者向來讓人津津樂道,「我總是試圖展現『美』,但美這件事並無明確範疇,畢竟如果處於中間值,那該怎麼分類?例如不是真的美到逆天,但也不能說是醜;例如不能說是男性但也不算女性。我只是想傳達有些事情不是非黑即白,也有可能是灰色的,換個角度去看,人生難道不正是如此嗎?我常常說自己沒有發明任何東西,一切都是人性驅使。」。

 

 

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組合歷史碎片,激盪嶄新思維

灌注新意的復古氣象,猶如他著迷於收藏古物也著眼於每個當下:「對我而言,現在就是未來,我不是很愛談未來,因為我壓根不在乎,那是不存在的東西,但『現在』可以改寫未來。」儘管重視現下生活的分分秒秒,但Alessandro Michele依然是深愛過去、深愛歷史的:「我相當受到『過去』啟發,因為模糊不清的記憶,反而會像是全新的想法;記憶不是過去,而是那些你想要記得的過去,還有你想讓他們重獲新生的過去。所以你可以組合兩個記憶的碎片,讓他們擁有新的生命,就像是化學反應一樣。例如Gucci就是個擁有很多歷史的品牌,但你可以選擇忽略,因為每個現在也都是過去,我們是因為這些『過去』才存在的。我嘗試讓腦中的記憶激盪出嶄新思維,儘管活在當下,但這樣的化學反應非常具有現代內涵。」。

 

 

米蘭知名百貨公司La Rinascente時尚總監Tiziana Cardini也直言表示Gucci提拔Alessandro Michele成為創意總監絕對是明智之舉,「從商業角度來看,他設計的所有服飾不分季節、尺寸、用途、性別完美地串連在一起,儘管各自都有出眾的特點,搭配在一起卻又能符合穿者(無論男女)的個人特質,再也沒有比這個更現代的概念了。」翻轉經典品牌的既定印象,在歷史底蘊中雜揉現代意識,透過時尚、行銷與社群直面消費者,Alessandro Michele憑藉著出乎預料的方式使Gucci涅槃重生,品牌營收在短短三年內成長27億歐元,更成為時尚社群最受寵的關鍵字。如今每顆喜歡著Gucci的心,某部分是否來自於欣賞Alessandro Michele的靈魂?

 

文字:Hannah Chu

圖片來源:Gucci

 

 

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Dior時尚展「首爾站」5大亮點開箱!攜手OMA帶你走進傳統韓屋、巨大月亮罐,親賞品牌高訂工坊70年輝煌

Dior時尚展「首爾站」5大亮點開箱!攜手OMA帶你走進傳統韓屋、巨大月亮罐,親賞品牌高訂工坊70年輝煌

由OMA大都會建築事務所操刀設計的《Christian Dior: Designer of Dreams》巡迴時尚展即日起至7月13日於首爾東大門設計廣場(Dongdaemun Design Plaza)盛大展出。不僅在時尚面華麗呈現Dior品牌70年歷史,亦在設計面大量汲取韓國文化元素,並利用DDP藝術館本身的「無隔間」動線,打造一片如夢似幻的Dior世界。

《Christian Dior: Designer of Dreams》巡迴時尚展首爾站(圖片提供:OMA)
《Christian Dior: Designer of Dreams》巡迴時尚展首爾站(圖片提供:OMA)

此前,OMA與Dior高級訂製時裝屋雙方已三度在展覽項目上聯手,分別為2018年在丹佛美術館、2019年在達拉斯藝術博物館合作打造的《Dior: From Paris to the World》展覽,以及本次《Christian Dior: Designer of Dreams》巡迴展覽「東京站」2022年於東京都現代美術館的展出。

本展首於巴黎裝飾藝術博物館取得迴響後,陸續巡至倫敦、上海、成都、紐約、多哈、東京及利雅德等城市,最新一站落腳韓國首爾。Dior第四度攜手OMA以「韓屋」為靈感打造沉浸式空間,並由時尚史學家暨資深策展人Florence Müller策劃呈獻品牌70年薈萃。無論對於品牌粉、時尚迷、藝術愛好者,這都將是一場帶來美學震撼的複合饗宴,一起往下看5大亮點開箱!

Dior時尚展「首爾站」亮點開箱 #01:重松象平為你開啟沉浸式旅程

首爾站不僅回顧Dior品牌70餘年的創意歷程,亦致敬韓國當地深厚的文化遺產。OMA合夥人、日本知名建築師重松象平(Shohei Shigematsu)表示:「我們非常高興將《Christian Dior: Designer of Dreams》的全新體驗帶到首爾,並在設計中融入豐富的韓國文化元素。由於DDP藝術館本身不具傳統意義上的隔間或牆體,其開闊格局全然給予我們得以從概念和空間上打造沉浸式展場的渠道;各主題展區被趣味性地延展、捏塑,進而營造一趟韻律十足的參觀旅程。觀者透由精巧私密的空間被領向宏大夢幻的場景——時而漫步巴黎風格街道、置身裙擺或陶罐之中、穿梭隧道般的櫥櫃;時而在無限檔案中忘我,抑或踏入超現實的螺旋階梯——皆被Dior世界包裹。」

OMA合夥人重松象平。(圖片提供:OMA)
OMA合夥人重松象平。(圖片提供:OMA)

Dior時尚展「首爾站」亮點開箱 #02:DDP藝術館化身夢幻韓屋

展覽設於DDP藝術館1館,整體敘事汲取自傳統韓屋的空間邏輯。中央展區「The Garden」象徵韓屋的「庭院(마당)」,多個較小展區則繞於四周。各展區造型、色彩、材質、調性各具特色,在曲線與直線、明亮與暗沉、單色與多彩、柔軟與堅硬不斷交替中,富節奏感的空間鋪排應運而生。

中央白色區域「The Garden」對應韓屋庭院空間。(圖片提供:OMA)
中央白色區域「The Garden」對應韓屋庭院空間。(圖片提供:OMA)
其外型靈感來自朝鮮宮廷器皿「月亮罐」。(圖片提供:OMA)
其外型靈感來自朝鮮宮廷器皿「月亮罐」。(圖片提供:OMA)

Dior時尚展「首爾站」亮點開箱 #03:能裝下超多人的巨大月亮罐

韓國文化元素既是全區空間的引導概念,亦為細部陳設的結構語言。如上述「The Garden」展區被構思為可步入的大型「月亮罐(달항아리)」,12公尺高的陶罐內部除展出Dior禮服作品,更結合動態投影圓頂與韓國藝術家金炫珠(Hyun Joo Kim)以「韓紙(한지)」創作的雪白森林景觀,將傳統技術、當代藝術與高訂時尚共匯於此,交相輝映。

(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)

Dior時尚展「首爾站」亮點開箱 #04:紅漆櫃打造Lady Dior神祕包牆

多個主題展區亦將具文化意義的物品解構為空間或裝置加以演繹,如「Dior Legacy」展區以採用傳統拼布工藝Jogakbo製成的色帶貫穿品牌歷任創意總監時間軸,一方面突出各時代個性,一方面暗示其間的連續性;又如「Lady Dior」展區借鑒傳統紅漆家具外型,透過視覺性極強的重複方格建構雕塑感牆面。

(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)

Dior時尚展「首爾站」亮點開箱 #05:多元互動體驗美到眼花撩亂

其他展區則增強觀眾與展品的互動體驗,多層紗幕、鏡面百葉、懸吊樣衣及金屬纜繩等元素被巧妙安排,提供從不同角度欣賞服裝、藝術品與歷史收藏的可能。其通透、開放、反射的空間關係為展品之間創造了獨特對話,更進一步彰顯Dior多元而不斷演進的歷史面貌。

(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)
(圖片提供:OMA)

今年7月13日前規劃前往韓國旅遊的朋友們,位於首爾東大門的《Christian Dior: Designer of Dreams》更多亮點等你發掘。

《Christian Dior: Designer of Dreams》巡迴時尚展首爾站

  • 時間:即日起至2025年7月13日
  • 地點:首爾東大門設計廣場(DDP, Dongdaemun Design Plaza)

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自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話

自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話

從林布蘭的毛帽、勒布倫的絲巾,到羅莎‧邦賀的長褲、安迪·沃荷的假髮、妮基·桑法勒的洋裝⋯⋯服裝是否塑造了我們所知的藝術家形象?

在自畫像、照片與各種形象中,服裝不僅顯示了藝術家所處的年代,更透露出他們在不同場合的身分認同。然而時至今日,針對藝術家所穿的服飾仍缺乏系統性的研究。羅浮宮朗斯分館最新推出的特展《The Art of Dressing. Dressing like an Artist》藉由200件文藝復興時期至當代的作品,展開一場藝術史與時尚史的對話,透過繪畫、雕塑、服裝、高級訂製服、素描、攝影與錄像等形式,呈現服裝如何參與藝術家的形象建構與文化書寫,也看見兩者間的合作隨著時代轉變愈趨密切。

自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話
《The Art of Dressing. Dressing like an Artist》展覽現場(圖片來源:Louvre-Lens)
自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話
《The Art of Dressing. Dressing like an Artist》展覽現場(圖片來源:Louvre-Lens)

服裝,是藝術家創作之餘的另一種語言

《Dressing like an Artist》展覽從古希臘與羅馬時期談起。當時,藝術家仍被視為工匠,留下的形象記錄不多,他們的服裝也從未刻意彰顯身份。幾個世紀後,歐洲的畫家與雕塑家逐漸以古代故事中的創作者為榜樣,試圖擺脫工匠的定位,成為以思想與創意為業的藝術家。它們不僅在作品中描繪藝術家穿著古羅馬長袍的形象,甚至也在現實生活中模仿這些造型。這股風潮一路延續至18、19世紀,並影響了當代的時裝設計師。

自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話
《The Art of Dressing. Dressing like an Artist》展覽現場(圖片來源:Louvre-Lens)

與此同時,服裝逐漸發展成為自我詮釋的一種語言,它不只是風格的展現,更是身份認同的投射。藉由觀看藝術家身著的服裝,觀眾將能探索不同時代的精神,並深入藝術家在私人與公共領域間的角色定位。

自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話
《The Art of Dressing. Dressing like an Artist》展覽現場(圖片來源:Louvre-Lens)

例如,荷蘭畫家林布蘭一生創作了超過80幅自畫像,他描繪的自己形象百變,有時穿著東方服飾、有時換上宮廷禮服,有時還化身為皇家的王子;而在19世紀,女性藝術家如路易絲·阿貝馬等人開始穿著當時僅限於男性的西裝和長褲,以行動爭取性別平等,解放被特定服飾所束縛的身體。

自古以來,藝術家都穿什麼?羅浮宮朗斯分館特展《Dressing like an artist》展開藝術史與時尚史的對話
(左)Rembrandt, Autoportrait au chevalet et à l'appuie-main de peintre;(右)Francisco de Goya y Lucientes, Autoportrait(圖片來源:Louvre-Lens)

歷代藝術家透過穿著持續詮釋自我,而這套「穿搭史」背後,同樣反映出品味與審美標準的轉變,甚至展現了挑戰與突破的可能性。透過一探這些藝術家的衣櫃,觀眾或將能從不同角度思考:我們的穿著是否也無聲地傳遞個人的生命經驗?這些服飾又形塑了怎樣的我們?

The Art of dressing. Dressing like an artist

展覽日期|2025/3/26 - 2025/7/21
展覽地點|LOUVRE LENS Museum

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