時尚+建築迷訪義大利必朝聖景點！Gucci讓佛羅倫斯14世紀古建築變身浪漫古馳花園博物館

自從Alessandro Michele接任Gucci創作總監以來，這位時尚設計鬼才便不斷用服裝向外界朗讀最為浪漫的故事，在他構築的時尚世界中，魔幻的花卉植物圖騰、充滿文藝復興風格的復古情懷，各式元素讓人目不暇給，而若有一個空間能夠完整體現他腦中各式奇幻創意，光是用想像的就令人雀躍不已，不過如今無需再幻想，因為它真的在義大利佛羅倫斯實現了！

座落於佛羅羅斯14世紀古建築Palazzo della Mercanzia的古馳花園Gucci Garden，其前身為品牌博物館Gucci Museo，此次時尚進化，整棟建築將不僅是陳列永久系列的歷史作品，而是盼望藉由古馳花園，運用今昔的衝擊而進行品牌的敘事。由Alessandro Michele所設計的古馳花園，以探索品牌為核心，不拘形式的無限創意。透過策劃廣泛的品項，包括品牌於1921年草創於佛羅倫斯時期的系列作品，結合近期創作、紀念商品、快閃作品與當代藝術品。

古馳花園裡藏有服裝、飾品、錄像裝置、藝術作品、文獻與工藝品的展示，並依主題規劃橫跨古馳花園藝廊（Gucci Garden Gallery）的兩個樓層；為了讓更多人感受時尚工藝美好，品牌之有包括藝術家Jayde Fish、Trevor Andrew (又稱為GucciGhost)以及Coco Capitán皆獲邀裝飾牆面，將作品與Gucci的布質印花壁紙，和由義大利畫家Domenico Induno創作的19世紀巨型馬術油畫作品《兒童騎師》（Fantino con bambina） 併陳，展開一場當代與古典、跨越時空的對話。

「花園是真實的，但最重要的是它是屬於心神的，隨著動植物而更形豐郁：像是蛇，隨處竄入，就某種意義來說，是象徵著永恆的起始、以及永恆的回歸。”」Alessandro Michele表示，因此在建築命名上，特意選用「古馳花園」作為代表，彰顯品牌美學以想像力結合自然世界中植物、花卉與動物意象的意涵。

2011年，Gucci博物舘（Gucci Museo）在別具歷史意義的佛羅倫斯古樓落成開幕。古樓的歷史可追溯至1337年，座落位址就介於烏菲茲美術館（Uffizi Gallery）也就是著名的領主廣場（Piazza della Signoria）、與聖翡冷翠廣場（Piazza di San Firenze）之間。現在Gucci運用傳統博物舘的概念並重新構思，為生活、合作、及創意的空間重新設計以表達品牌美學與哲學的進化。 

結合藝廊、餐廳、博物館複合式空間

古馳花園Gucci Garden由地面樓、一、二樓空間組成位於地面樓的Gucci Osteria餐廳則由知名米其林三星主廚Massimo Bottura職掌，他特地為古馳花園設計了全新的菜單，將旅途中的感受及感動融入義大利美食。在空間上，更以耀眼的青綠色作為牆面色彩，並以金色字體在餐廳四周的牆面上方書寫由羅倫佐德美第奇（Lorenzo de’ Medici）所創作的的15世紀嘉年華歌曲等詞句。

地面除餐廳外，還有橫跨2個大廳房所組成的像市集般的零售空間－古馳花園專門店，商品全是為古馳花園專屬設計與獨家販售。為呼應著佛羅倫斯的許多老店鋪，專門店陳列的傢俱像是來自英國鄉村房舍的櫃子、義大利托斯卡尼懷舊桌、糕餅店的古董雕刻架子等，皆讓這個夢幻空間增添一絲復古雅致。

一、二層樓的古馳花園藝廊，Alessandro Michele邀來藝術策展人Maria Luisa Frisa操刀空間陳列規劃，她表示藝廊的陳列刻意不依年表，而是一貫地運用想像力進行物品與錄像內容的混搭。「我們決定讓空間成為實驗室，提供所有元素進行創意實驗，像是在以史詩為名的De Rerum Natura廳，可見到Gucci對花卉動物的鐘情。透過古今服裝、以及品牌在1950年代所製作的銀質動物小雕像表達，而這些原創藝術作品的創作者也就是在1966年獲得委任創作Gucci花卉印花（Flora print）的Vittorio Accornero。」。此外，花園內還規劃了一座可容納30人的小型、紅絲絨帳篷造型電影廳，播放實驗電影。

Info|Gucci Garden

地址： Piazza della Signoria, 10，Firenze, Italy

營業時間：

古馳花園限定商品專門店：10：00﹣ 19：30

古馳花園藝廊： 10：00 ﹣ 19：30 （最後入場18：30）

Gucci Osteria 餐廳：訂位12：00 ﹣ 20：30

入場參觀：全年每週7天開放參觀。公休日： 12 月25日、1 月1日、8月15日。

票價：8歐元，學生優惠票為6歐元，65歲以上老人、12歲以下兒童，殘障人士、佛羅倫斯市民（僅限週一）免費。

via Gucci

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

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以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）