「在製造橋梁、城池、石弓、其他祕密裝置等方面，我相信沒有人比得上我。在繪畫與雕刻上，我也不亞於任何人。在綑綁謎語繩結上，我也有信心自己是大師，並有自信能烤出這世上獨一無二的麵包。」

這是1482年一位求職的志願者所寫的自我介紹的一部分。

近來，自檀君時代以來獲得最高規格待遇的青年們，因找不到工作而手足無措，若他們看到這種自我介紹，一定只會嗤之以鼻吧！最近，履歷普遍是放上優秀的英語成績與證照，在學歷與企業喜歡的主修科系上得到將近滿分的學分，要做到這個程度才算像話。但是，寫下這篇自我介紹的志願者，正是因為有自信，所以不只橋梁、城池、石弓或繪畫、雕刻，他在發明與料理上也展現出著卓越的天才性。

他的名字正是李奧納多．達文西（1452-1519）。生於文藝復興時代，被稱為「文藝復興所誕生出的天才」，想必他在許多領域展現出優秀的才能也不是件難事。

提到李奧納多．達文西，總是會讓人想到《最後的晚餐》、《蒙娜麗莎的微笑》、《維特魯威人》這些世界著名畫作。蒙娜麗莎隱約的微笑以及最後的晚餐的壯麗感，讓我們知道他既是一個天才畫家，同時也是發行家暨建築師、技師。不過在經過五百年歲月後的今日，連地球另一邊的人們都知道他名字的同時，我們卻不知道，李奧納多．達文西真正最喜歡的領域與興趣是——料理。

對具有多方面才能的達文西來說，料理是項綜合的藝術，也是讓他覺得興趣盎然的嶄新領域。於是，有一天達文西跑到了餐廳廚房中工作，甚至在廚房工作約五年後，與朋友，也就是永垂不朽的名畫《維納斯的誕生》而聞名的畫家山德羅．波提切利，一起開了酒店。

酒店的名字是「山德羅與李奧納多的三隻青蛙旗」這樣一個超長的名字，還立了當作招牌用的旗幟，在這面旗幟上，兩個人一人各畫了一面，如果這面旗幟還留存到今天的話，該有多麼價值連城啊。菜單沒有從右開始寫到左，而且在只喜歡吃肉的客人面前端上兩三隻鯷魚，看來從繪畫到醫學都展現出驚人才能的達文西，在經營方面的能力似乎是零。過度具有實驗精神的酒店，過不久就倒店關門了。

在身為糟糕廚師的消息傳出去後，雖然很難找到相關工作，但覺得畫圖很乏味的達文西，在遊手好閒一陣子後，於1482年動身前往米蘭。並向米蘭的盧多維科．斯福爾扎公爵毛遂自薦。斯福爾扎家族是當時最得勢的家族，在收到這種自以為了不起的自我介紹書後，盧多維科．斯福爾扎公爵認為達文西並不會毫無理由的就寫出這種文章，因此雇用了他。

此後，達文西能夠如其所願地，將自己的全身心力放在料理上了。公爵家一天至少有數十至數百個人要吃飯，為了要讓公爵家的廚房更有效率，達文西開始使出渾身解數發明工具，他發明出來的東西，到現在都還深深影響著我們的生活。

達文西最有名的發明，有直升機、坦克、降落傘等，而在廚房及料理相關領域中，光是聽到他發明的東西，都會讓人拍腿叫好，比如輸送帶、磨胡椒罐、胡桃鉗、壓大蒜器、開瓶器、曬衣架等等。

在與料理相關的領域中，有一項會讓我們瞪大雙眼的發明：餐巾。達文西看到人們在吃完飯後桌巾變得很髒，於是他想到，只要分給每個人一小塊布就可以了，甚至設計出把布摺得美美的方法。但有些人跟不上他的教養，因此把餐巾拿來開玩笑，揉成一團球狀丟來丟去，還會被拿來偷偷打包食物帶走。

達文西發明的所有機器，全都是極天才、有創意的東西，但有一個問題，就是體積太大了。所有機器的大小都巨大到令人難以想像，而要把這些機器放在人手擁擠密集的廚房，讓廚房都要爆滿了。天才無比的達文西，連起火時能噴水的灑水滅火設備都發明了出來，但這東西的大小還是非常巨大。

達文西利用盧多維科．斯福爾扎公爵對自己的無限信賴，讓廚房空間漸漸壯大起來。在興致高張的達文西指揮下，斯福爾扎家族的武器庫、大宴會廳，甚至連斯福爾扎公爵母親的房間，都變成了廚房。即使弄出了這麼龐大空間，達文西的機器們既巨大又複雜，光是要讓它們運轉，就需要用上無數的人。斯福爾扎公爵表示，為了要吃一頓晚餐，廚房中就會傳來彷彿被炸彈炸過似的聲音。

「為了節省人的勞動力，過去幾個月努力的結果出來了。之前廚房的廚師只要有20人就足夠了，但現在有近百個人擠在廚房裡。在我看來，沒有人在做廚師的工作，全都一致地在讓塞滿廚房地板與天花板的巨大機器運轉，但似乎沒有任何機器是可以按照所想的來發動。」

即使讓廚房變得亂七八糟，還做了一個跟城牆一樣高的蛋糕，說要用在公爵的結婚典禮上，結果引來鋪天蓋的老鼠覆蓋在蛋糕上；想給客人們雕得小巧的紅蘿蔔雕像，最後被公爵阻止了。就算這樣，斯福爾扎公爵還是繼續援助達文西。

某一天，恩寵聖母修道院表示想在牆上畫一幅畫，斯福爾扎公爵便將達文西送過去。雖然達文西對畫圖這件事沒有興趣，但這次的主題與身為料理狂的他似乎趣味相投。這正是「最後的晚餐」，耶穌與他的弟子們分食最後一頓飯，以及暗示了之後的背叛、犧牲、復活等，是相當複雜與偉大的瞬間。但達文西關注的不是所有人物，而是在食物上。

「耶穌在這世上的最後一餐，會跟弟子們一起吃什麼呢！」、「還有什麼比這這更重要的事呢！」，思考這些的達文西，在畫這幅《最後的晚餐》上，就花了足足三年，但其中有兩年又九個月，是在挑選要畫在餐桌上的食物與葡萄酒。抱持著揉捏陶器般的匠人之心，他將修道院中全部的葡萄酒都喝了一遍，大喊「不對，不是這個！」，拜他所賜，修道院的酒倉變得乾癟空虛。

在他試做各式各樣的料理時，修道士們便餓到快死了，還向斯福爾扎公爵抗議。光是坐下來挑選食物就花了足足三十三個月，達文西在確定菜色後，用與選菜相比只是眨眼般的三個月時間，就把人物們都畫好，完成了這幅圖。

在二年九個月都只端詳食物後，達文西可能勉強心滿意足了，之後他有好一陣子都專注在做別的事情上。他開始畫圖，前往匈牙利為王室繪製肖像畫，在經過四年後，更畫出永垂不朽的經典名畫《蒙娜麗莎的微笑》。在他的筆記中，還有一項有關料理的驚人發明，對達文西來說可能很微不足道，但對人類來說卻是相當偉大的發明。雖然在中國已經有麵可吃了，但當時的歐洲，連現在我們常用的那種叉子都沒有，當時只有整塊的麵團（Pasta），是達文西將其做得又細又長，發明出「義大利麵」（spaghetti）的。

達文西取的Spaghetti這個名字，意思是把麵團用力抓住拉開，做成可以吃的長條線狀物，而為了讓人們能夠便於食用這項食物，他甚至還發明出有三個尖端的叉子。

雖然人們對此不感興趣，但法國國王法蘭索瓦一世卻認為可以吃的繩子是相當有趣的發明，甚至賜給達文西一座城堡作為禮物，讓他動不動想到就跑去玩，興致高昂地飲酒作樂。對達文西來說，等於是達成了他的夢想，能夠享受他最愛的各種料理並做實驗。

在與法蘭索瓦一世度過了愉快的三年後，在1519年，達文西這位偉大的天才結束了他的一生。與在歷史上留名的諸位天才一樣，李奧納多．達文西也沒有浪費上天賜給他的才能。在他自己喜愛的領域，就算人們再怎麼無視、指責他，他也沒有屈服，並不斷地挑戰，燃燒他的熱情，因此才能有這麼多偉大發明、不朽畫作流傳至今。可以說，天才贏不過努力的人，努力的人贏不過享受的人。也許正是因為達文西既會享受，又是個努力的天才，才能達成這麼多驚人的成績吧！

本文內容節錄自La Vie出本書籍《噓！你沒聽說的世界史》，更多精彩名畫故事，請見《噓！你沒聽說的世界史》。

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」