雖說「演戲的是瘋子，看戲的是傻子」，戲劇表演的藝術仍讓人如癡如醉地沉迷於它的魅力，從古希臘悲劇發展至今日，戲劇已是每個人生活中不可或缺的日常調劑，形式自影視螢幕、大小劇場、露天野臺至配合不同主題的默劇、音樂劇、偶戲、馬戲等等，變化包羅萬象，作為一位資深劇迷，怎麼能僅看戲，而不了解箇中奧秘呢？

人家說「臺上1分鐘，臺下10年功」，在戲劇領域裡，這句話當然說來可不假。為了呈現給觀眾最為自然、完美的一面，層層細節可都馬虎不得：劇本故事該如何進行才引人入勝？舞臺空間設計如何既安全又合乎動線？燈光的強度與色彩怎麼樣才能襯托演員又塑造氣氛...，你可知一場戲裡，儘管多數觀眾的眼球跟著演員走，一旁讓戲劇表演順利進行的所有工作人員更是上緊發條，一刻不得鬆懈！

宜蘭做為臺灣本土戲劇「歌仔戲」的發源地，以中興文化創意園區為基地的2018年「藝術自造祭」便以「戲人.入戲」為主題，由長年深耕推廣臺灣文化於全世界的宜東文化策劃，以一場平易近人的展覽，解構戲劇，並透過趨勢下的自造者運動（Maker’s Movement），不僅由參展設計師親手規劃製作展品，也讓展覽的與會者能夠透過雙手參與的過程，成為「戲劇自造」的一份子，進而產生共鳴。如此，也是呼應了宜蘭文化局長所言「以前的戲劇是體驗的戲劇，未來的戲劇則是感動的戲劇。」

策展人宜東文化的執行長羅健毓坦言，以900坪開放場域詮釋戲劇絕非易事，本次展場空間創作，由畢業於美國紐約大學劇場及電影設計研究所的劇場舞臺設計陳慧與其夥伴王君維組成雙設計團隊，透過戲劇思維與設計手法，打造出每個人皆可親身涉入戲劇環節的空間。恰巧出身宜蘭的王君維表示，戲劇對宜蘭人來說相當有親切感，尤其是經常可見路邊野臺正上演著歌仔戲，因此希望能藉由展場設計，讓戲劇與觀者之間毫無心理距離，也同時以「觀演關係」的反轉與實踐，加強與會者的參與趣味。

「戲人.入戲」以「參與式劇場」為概念，拆解出戲劇重要元素，規劃出七個展區，包含：空間、自造、表導演、劇本、服裝、配樂、燈光。以天空藍為主色調的空間區，打造出一處舞臺情境，觀展者同時也身兼演員，可以自由移動舞臺上的木箱Cube及戲劇道具進行排練模擬，推演出心目中的場景故事。配樂區以「鑼鼓經」打擊互動遊戲合奏歌仔戲「南光調」詮釋，配合特製的插畫遊戲畫面與程式設計，展覽與會者能夠動手按鈕創造節奏，體驗如同臺灣本土版的「太鼓達人」，趣味轉化傳統戲曲！世界劇場設計（WSD 2017）燈光設計金獎得主鄧振威也出任操刀本次互動體驗燈光展區，引導觀眾走進暗房，體驗舞臺燈光、明暗切換所展現的各種情緒。

而位於展場中央的服裝區則更是令人驚豔，帶有現代化設計元素及鮮明色彩的古典戲劇人物服裝，讓人彷彿感受到一股細緻的清流。本展區特別邀請到以《劉三妹》獲金鐘獎最佳美術設計、《狂起》獲得國際曼谷藝術節最佳藝術指導的服裝設計李育昇，展示其經典的創意傳統戲服作品，從中可看出許多非布料的創作，如造紙原料中的竹、麻、藤、樹皮等有機纖維，巧妙與中興文化創意園區紙廠的前身切題。試圖讓劇服成為高級訂製服的李育昇說道，創作每一件劇服都是以「去除妖魔化」為前提，劇服並非得浮誇、金光閃耀才能凸顯角色性格，服裝材質對光的感知、汗水隔離及質地輕盈都是在舞臺上很重要的實用元素。

除了為期三週的主題展覽之外，延續「自造」的精神，本次藝術自造祭也舉辦了40場系列活動，讓與會者能夠親身動手實踐，包含戲劇表演供觀賞、戲劇妝髮講座、創作音樂劇本教學等等，分為「表演」、「自造推廣」及「戲劇工作坊」三大系列活動。為呈現宜蘭在地傳承傳統戲曲，9月22 日起至10月14日止，「蘭陽戲劇團」也於戲棚下演出共計 22 場的《玄狐傳說》故事，內容奇幻熱鬧，以互動式環境劇場方式，拉近與觀眾的距離，邀請大家一同探索戲劇的內涵！

Info | 2018藝術自造祭－戲人‧入戲

時間：9/22（六）-10/14（日）10:00-18:00（每週三休園）

地點：宜蘭中興文化創意園區有料倉庫（宜蘭縣五結鄉中正路二段6-8號）

網站：http://www.2018artmakerfestival.com.tw

粉絲專頁：https://www.facebook.com/ARTMAKERFESTIVAL/

Text / Diane Tang

圖片提供 / 宜東文化

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？