強烈潔淨的光感、繽紛卻又異常冷靜內斂的色彩，初看斯洛伐克攝影師瑪麗亞拉斯波娃（Maria Svarbova）作品的人，鐵定都對她鏡頭下所散發的超現實畫面一眼難忘，本該是歡愉的泳池，在洋溢舊社會主義的秩序包裝下，鮮豔服裝色彩與冷調冰藍色系，反差對比形塑了一種既抽離，又頗具戲劇性的故事張力。攝影生涯不過短短七年的Maria Svarbova，如今早成為當代最負盛名的新銳攝影師，然而她為何如此迷戀湛藍泳池與面無表情的模特兒？為此，首次來舉台辦《Maria Svarbova Asia Premiere 瑪麗亞•斯拉波娃亞洲首展》個展的她，則親解其作品背後所想傳遞的精神！

▶Maria Svarbova亞洲首展亮相台北花博流行館 展覽亮點介紹

刻意置中、筆直的構圖加上詭異的平靜氣息，以及那彷彿被抹去情感的模特兒，這些在「Swimming Pool」系列所體現的人物氛圍，不光只是單純追求畫面漂亮吸睛而已，對Maria來說，以鏡頭探索「人和空間之間」是她用攝影講故事的主軸，即便大眾所見著的是滲透孤獨的情境，然而柔情的泳池水面，卻像是一面明鏡般照映著人們的靈魂，但究竟哪個是真、哪個是假，端看觀賞者怎麼解讀。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PDT 2017 年 7月 月 26 日 上午 3:38 張貼

她直言自己十分熱愛這些整齊劃一的泳池建築風格，更著迷於水面與陽光所產生的寧靜之感，因此「Swimming Pool」系列裡，她走訪了斯洛伐克13個城市，挑選13座各具風格的泳池作為拍攝背景；照片中，瓷磚平滑表面和規律排列象徵著舊時代的秩序，然而本該是享受自由與快樂的場域，卻也因牆面上貼著的鮮紅禁令和指示，變成了綁手綁腳的空間。而身著傳統運動服裝的選手，其被「控制」的僵硬動作，則與空間交互作用下，完全彰顯受到諸多限制的生活，以及那股不帶情感的古怪存在。

「泳池系列不僅表現出早期受社會共產主義壟罩的斯洛伐克建築景觀，更像是在虛擬與真實世界中找尋一個待解的答案，而每組照片也能貫穿至整個系列。」Maria解釋說道。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PDT 2017 年 9月 月 23 日 上午 4:05 張貼

但泳池在其攝影鏡頭下如此令人陶醉，不免讓人好奇是否斯洛伐克的游泳池都這般有個性，為此Maria表示當然不是，我們所見的大多是她所創造的色彩虛幻世界，不過她也解釋，這並不意味著她的作品都是用Photoshop後製而來，對她與團隊而言，事前勘景、拍攝準備是最繁複的工作事項，由於她十分注重畫面比例與水平對稱性，因此有時候要找出完美角度就得花上不少時間，後製反而只有簡單調色而已。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PST 2018 年 1月 月 18 日 上午 8:48 張貼

除了廣為人知的「Swimming Pool0」系列外，此次隨台展出的還包括「Plastic World」以及「Human Space」兩個系列，前者為Maria以童年回憶及社會主義時期人們所經歷過的事件為命題，通過各種功能性建築的場景為主體，導向空間本質即是「場所」的概念，需在「物與物」和「物與人」的關係中開啟與建構，人才能適得其所在其中生活。

藉由擷取日常生活中瑣碎、不斷重複的行為，人物身處其中卻面無表情、肢體僵硬，宛如塑膠娃娃，揭示在人在群體之中的無限壓抑和自我失衡。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 4 日 上午 9:28 張貼

而「Human Space」闡述了人創造了空間，並在當中生活，著重空間因人的活動而產生意義，是在容納、保護，在物與人的關係中構成，當人類與空間成為一體，人因此而存在。Maria藉由光影的變換在每一次的快門中提供了不同的視角，使得畫面熟悉又陌生，創造出「Futuro-Retro」平行世界觀，重新疊合過去、現在與未來，打破時間軸的觀念，也再次回歸到她所說的：「人永遠是最迷人的，空間中若是少了人，一切都沒有意義。」。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PDT 2017 年 10月 月 18 日 上午 8:27 張貼

不平常的「日常」

至於讓Maria真正在台灣打響知名度的，則屬她與田馥甄Hebe所合作的《日常》專輯主視覺，雙方當時花了三個月時間來回溝通，由於Maria充滿超現實的極簡風格，加上她在真實與虛假間所構築的奇幻世界，恰巧與專輯想要呈現的感覺不謀而合。當時Maria為了呈現非一般的日常，除了以最貼近自然的光影來表現專輯攝影手法外，更特別從國家美術館外借了國家級藏品當做拍攝道具，加上對環璄、服裝、道具的配色堅持，才得以拍攝出生活中不經意又與眾不同的美學品味。
 
 

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mária Švarbová（@maria.svarbova）分享的貼文 於 PDT 2017 年 11月 月 4 日 上午 1:34 張貼

躍上時尚衣裳

除了，在攝影領域有所斬獲外，Maria Svarbova的獨特視角美學，也深受時尚界喜愛，像是西班牙時裝品牌Delpozo在2018春夏即以「泳池」系列為靈感，經設計師Josep Font巧手下，攝影作品成了一件件擁有鮮明色彩及活潑氣息的服裝，如夢似幻的設計調，倒也添加了不少浪漫情懷。

 

 

 

 

在 Instagram 查看這則貼文

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Delpozo（@delpozo）分享的貼文 於 PDT 2018 年 5月 月 23 日 上午 9:10 張貼

Maria Svarbova

1988年出生斯洛伐克的Maria Svarbova，原本主修考古學，自2010年開始攝影，作品擁有鮮明個性與實驗精神，在空間、色彩及氛圍的層次表現尤其出色，大量運用黃金比例與水平對稱的構圖，畫面俐落而深刻。作品曾獲2018哈蘇攝影獎、IPA等知名國際獎項的肯定；個人獲選2017斯洛伐克富比士雜誌Forbes 30 under 30，成為該年三十歲以下最具有影響力的三十人之一。

文字：Ian Liu

圖片來源：異角藝術、Maria Svarbova

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）