你害怕消失嗎？還是說你害怕某個事物隨之消逝。有人說比死亡更可怕的是當你被所有人遺忘，不斷往前邁進的時間永遠是記憶最大的敵人，曾經一碗令你感動流涕的牛肉麵、一首陪伴你度過低潮的歌曲，亦或一段當時稱之為刻骨銘心的愛戀，這些在某個時刻被鑿入腦中的大小事，卻隨著日子一天天過，彷彿在腦海裡蒙上一層灰，不再去觸發想念。

遺憾的藝術

消逝的事物，需要由我們自己好好守護，由三金設計師方序中所策劃、亮相台北當代藝術館的《查無此人－小花計畫展｜Where Have All the Flowers Gone》，正是探討記憶與時間，衝擊感官心靈的跨界藝術展。小花計畫最初是方序中於2015年有感屏東老家眷村面臨拆遷命運，生活記憶逐漸消失，於是發起以「回家」為概念的計畫，喚醒大家對在地文化的保存意識，今年邁入第五年的小花計畫延續發起的初衷，首度結合樂壇創作者與當代藝術家的共同創作，融合聽覺與視覺的感官體驗展開新篇章，找回自身與土地間的歸屬感。

為了此次展覽，方序中邀來五月天瑪莎擔任音樂總監，並集結林強、魏如萱、五月天阿信、茄子蛋、李英宏、家家、HUSH、告五人等音樂人創作歌曲，用動人旋律挖掘生命中的失去。而有了音樂當作銜接記憶的元素，團隊還邀來豪華朗機工、明和電機、李霽、王宗欣、吳仲倫等不同領域藝術家創作，打造獨一無二的看展經驗，凝聚當代重量級設計、音樂、藝術創作的力量，讓走進每個展間的人，都能感受到懷念與希望保護珍貴事物的心情，而隨著精心的觀展節奏，觀眾們走完展場也仿佛欣賞完一張別出心裁的專輯。

之所以將展覽用《查無此人》，是為表現一種來不及的感覺，有如遺忘的藝術。好像寄了一封信卻被退件，想聯繫的那個人已經聯絡不上了。這個展覽像填充題，可以填入自己的答案：如果還有機會的話，想要再為那些記憶做些什麼？

出任音樂總監，瑪莎感性提到，「去年方序中提出小花想加入更多音樂人的想法，真的用做音樂的方式、帶來不一樣的碰撞的時候，心裡其實會覺得⋯⋯很累！因為是很大的案子。但又覺得很有意義，所以還是義不容辭。」他一邊笑說可能是當時酒精催化，但現在看到開展，非常感動，已經不只是土地、家鄉，所有不想失去的回憶，都用許多不一樣的音樂類型、不一樣的展品包含在這個寬廣的故事裡。

11件多媒體影音裝置作品 演繹最不想遺忘的「記憶」
 
志樂制樂 (林強+許志遠) X 黃邦銓 + 蔡孟閶《台灣是好所在》

記憶與鄉愁的序曲節奏，擔任序曲開端的是音樂人林強、許志遠與藝術家黃邦銓、蔡孟閶共同創作的裝置影像作品《台灣是好所在》，多格動態播映的泛黃影像及街景建物的靜態畫作，如逐格動畫般喚起似曾相似的原鄉風景，搭配獨到的台語電音節奏，讓人重返台灣舊時光的旋律中。

為了闡述時間是記憶最大的敵人，團隊別具巧思的再展間廊道上以若隱若現的投影畫面，呈現出「時間」的流動性，導引觀眾穿梭探尋，猶如在時光流逝下追尋腦中逐漸消逝的記憶。

阿信 X 明和電機《隱形的紀念》

來自日本的明和電機以全新製作發表的7款木製迷你樂器書《文庫楽器》，首度跨出海外為五月天阿信真摯悠揚的歌聲伴奏，直指人心歌詞中揭示愛與守護是有幸福期限，翻唱自歌手蔡淳佳《隱形紀念》，最終將無聲無息埋藏在每個人的內心深處，而在心底掀起的漣漪波瀾，則有如展場中那絲絲入扣的水波紋投影。

魏如萱 + 鳳小岳 + 陳建騏 X 豪華朗機工 《很難很難》

在一所全黑的空間裡，僅有一盞像是努力發著光的小燈，就好比在我們大腦中找尋記憶的探照燈。時間不僅會帶走人們的回憶，也會帶走消逝的生命，為了詮釋一生一滅的生命循環，魏如萱、鳳小岳(合作作曲)、單曲音樂總監陳建騏以及藝術家豪華朗機工，共同創作《很難很難》動力裝置作品，象徵生命盛衰的光球裝置，隨著音樂語境在懷舊的建築模型上移動，一明一暗的燈光，除了試圖重溫過往日常時光，也傳達出新生的力量。

魏如萱分享，「我面臨到父親、好友、第一隻貓咪過世，雖然看起來好好的，但內心像cheese一樣一個洞一個洞的。」她在作品中坦承難以面對死亡、失去、遺憾，也從而打造出此次展覽最催淚的展間。與娃娃合作，先前曾協同設計世大運聖火裝置、台中花博「聆聽花開的聲音」的豪華朗機工，這段時間也同樣得面對巨大的失去——前任團長張耿豪辭世，因而更能將傷痛與快樂、新生與逝去的複雜心緒透過作品展現出來。他們分享創作想法，幾乎全黑的展間僅有一束微光：「聽起來很悲傷，但我們想講的是，那道光也是希望，我們可以往前去想念。」。

家家 X 曲倩雯 《回家》

1997年順子的《回家》唱出遊子們對家的鄉愁，這次由家家重新翻唱、瑪莎擔任製作，並與香港藝術家曲倩雯共同完成的錄像裝置作品《回家》，將家家的靈魂嗓音和曲倩雯特地到基隆、花蓮等地取景的影像交互結合，透過耳機的聆聽，刻畫出對家鄉的思念情感與想像。

為工作離開台東多年的家家，直言最不想失去的就是「歸屬感」，瑪莎為此請工作人員特別搭乘火車，錄製台北到台東的「回家之聲」。先前並不知情的家家，在錄音時聽到月台廣播聲「前往台東的列車」就忍不住流下淚水。家家分享當初錄音時的心路歷程：「瑪莎跟我說，家就在那裡，只是等你回去。瑪莎就說你去想像，家在對你唱歌。所以我是轉換立場唱，我就是那個家，像是我在呼喚自己回家。」。

劉若英《小事》

在展間走廊盡頭，赫然出現一台老舊錄音機，然而裡頭卻伴著人生緩緩道出有些遺憾的故事。刻意以劉若英的聲音作品《小事》作為展覽空間中的緩和停頓，透過她感性聲線娓娓述說自身與家的緊密連結後，引領觀眾踏入時空的想像漩渦。

方序中 X 蘇益良

踏入高挑的展場空間內，矗立於中央的是一座吸睛的巨大螢幕量體，為方序中與影像工作者蘇益良將時間具像化的呈現，如一個巨人的形象盤踞於展場中央，螢幕畫面主角是方序中的外公，由外公的細微表情與佈滿歲月的皺紋臉龐，來詮釋時間的流逝與變化，作品上端沿著天花板延伸出無數像觸角的耳機線，引導著觀眾逐一前往至相連的作品聆聽。

李英宏 X 新興糊紙文化 + 齊振涵 + 李嘉泉《有前無後》

以傳統民俗的紙紮「靈厝」為主題的作品是新生代創作音樂人李英宏、新興糊紙文化組織以及服裝設計師齊振涵、李嘉泉共同創作的《有前無後》，將傳統紙紮文化與複合曲風旋律搭配，展現焚化紙紮的儀式與現代資訊上傳雲端的溝通模式似乎不謀而合。

李英宏表示，傳統上燒金條、銀子、勞力士給上天，其實跟現在把音樂上傳到雲端的概念很像。這個在當代看似忌諱的習俗，在以前卻有祝福的意思，喜事、喬遷等等皆可作為慶祝。他以此為題創作《有前無後》，而傳統紙紮屋背後，則出現Disco燈、舞廳牆面等等，融合新舊傳統文化，重新闡釋屬於天上人間的chill。

茄子蛋 X 王宗欣 《我夢見了小叮噹》

《我夢見了小叮噹》作品由金曲樂團茄子蛋與藝術家王宗欣發揮彼此童年的共同回憶，將早期被稱為小叮噹的哆啦A夢道具中的任意門，然而這扇無法打開穿越的任意門，化身為窺視人群流動的攝影機，畫面裡扭曲變形的人型畫面流竄，彷彿腦海裡日漸模糊的記憶。

告五人 X 吳仲倫 《鹿》

來自宜蘭的音樂團體告五人與導演吳仲倫以「潮濕」作為對家鄉的共同印象，並以此為創作靈感製作《鹿》動力裝置作品，作品中的流瀉的細砂與滾輪的運轉變化下，連結告五人對成長、家鄉回望的歌曲，共奏出將彼此離家出外打拼的共鳴。

宇宙人 X 紀昀  《禁止觸摸》

宇宙人與新媒體藝術家紀昀共同創作互動裝置作品《禁止觸摸》，當觀眾觸碰牆面上的壓克力方塊，不管是麻將、硬幣、紅白塑膠袋，都將發出熟悉的聲響，卻不熟悉的觸感。影像與耳機裡宇宙人的演唱歌曲即刻隨之連動改變，藝術家試圖提醒我們日漸習慣觸摸的冰冷螢幕，逐步剝奪許多物品真實觸感的機會。

HUSH X 李霽《大樹小花》

以一個大冰箱裝存著一顆大樹的裝置作品《大樹小花》，是HUSH與擅長植物創作的李霽共同對兒時記憶的紀念，再現老家門口不復存在的一棵老芒果樹，象徵過往的美好事物僅能暫存冰封，延緩遺忘。而被冷凍冰箱冰封著的綠意盎然，有如心臟般保持新鮮狀態，然而脫離了科技化上的樹幹卻早已枯萎，反差讓人省思。

另外，方序中也特別將先前小花展覽所用共1000多幅作品紙材留存，延請「鳳嬌催化室」碾成紙漿並製成新紙，取名為「小花紙」。過程中鳳嬌催化室經多次精算調和三種不同紙料的比例，為呈現自然手感，兩方團隊甚至親手撕紙材、平鋪文字碎片，才實驗出獨一無二的紙材。「小花紙」使用在此次《查無此人-音樂概念專輯》專輯袖套，象徵與舊的、美好的事物並存，透過新與舊的拼貼與並置，期許每個人都可以在未來與那些經歷過的回憶共好。

文字整理：Ian Liu

via 台北當代藝術館、BIOS

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？