你害怕消失嗎？還是說你害怕某個事物隨之消逝。有人說比死亡更可怕的是當你被所有人遺忘，不斷往前邁進的時間永遠是記憶最大的敵人，曾經一碗令你感動流涕的牛肉麵、一首陪伴你度過低潮的歌曲，亦或一段當時稱之為刻骨銘心的愛戀，這些在某個時刻被鑿入腦中的大小事，卻隨著日子一天天過，彷彿在腦海裡蒙上一層灰，不再去觸發想念。

遺憾的藝術

消逝的事物，需要由我們自己好好守護，由三金設計師方序中所策劃、亮相台北當代藝術館的《查無此人－小花計畫展｜Where Have All the Flowers Gone》，正是探討記憶與時間，衝擊感官心靈的跨界藝術展。小花計畫最初是方序中於2015年有感屏東老家眷村面臨拆遷命運，生活記憶逐漸消失，於是發起以「回家」為概念的計畫，喚醒大家對在地文化的保存意識，今年邁入第五年的小花計畫延續發起的初衷，首度結合樂壇創作者與當代藝術家的共同創作，融合聽覺與視覺的感官體驗展開新篇章，找回自身與土地間的歸屬感。

為了此次展覽，方序中邀來五月天瑪莎擔任音樂總監，並集結林強、魏如萱、五月天阿信、茄子蛋、李英宏、家家、HUSH、告五人等音樂人創作歌曲，用動人旋律挖掘生命中的失去。而有了音樂當作銜接記憶的元素，團隊還邀來豪華朗機工、明和電機、李霽、王宗欣、吳仲倫等不同領域藝術家創作，打造獨一無二的看展經驗，凝聚當代重量級設計、音樂、藝術創作的力量，讓走進每個展間的人，都能感受到懷念與希望保護珍貴事物的心情，而隨著精心的觀展節奏，觀眾們走完展場也仿佛欣賞完一張別出心裁的專輯。

之所以將展覽用《查無此人》，是為表現一種來不及的感覺，有如遺忘的藝術。好像寄了一封信卻被退件，想聯繫的那個人已經聯絡不上了。這個展覽像填充題，可以填入自己的答案：如果還有機會的話，想要再為那些記憶做些什麼？

出任音樂總監，瑪莎感性提到，「去年方序中提出小花想加入更多音樂人的想法，真的用做音樂的方式、帶來不一樣的碰撞的時候，心裡其實會覺得⋯⋯很累！因為是很大的案子。但又覺得很有意義，所以還是義不容辭。」他一邊笑說可能是當時酒精催化，但現在看到開展，非常感動，已經不只是土地、家鄉，所有不想失去的回憶，都用許多不一樣的音樂類型、不一樣的展品包含在這個寬廣的故事裡。

11件多媒體影音裝置作品 演繹最不想遺忘的「記憶」
 
志樂制樂 (林強+許志遠) X 黃邦銓 + 蔡孟閶《台灣是好所在》

記憶與鄉愁的序曲節奏，擔任序曲開端的是音樂人林強、許志遠與藝術家黃邦銓、蔡孟閶共同創作的裝置影像作品《台灣是好所在》，多格動態播映的泛黃影像及街景建物的靜態畫作，如逐格動畫般喚起似曾相似的原鄉風景，搭配獨到的台語電音節奏，讓人重返台灣舊時光的旋律中。

為了闡述時間是記憶最大的敵人，團隊別具巧思的再展間廊道上以若隱若現的投影畫面，呈現出「時間」的流動性，導引觀眾穿梭探尋，猶如在時光流逝下追尋腦中逐漸消逝的記憶。

阿信 X 明和電機《隱形的紀念》

來自日本的明和電機以全新製作發表的7款木製迷你樂器書《文庫楽器》，首度跨出海外為五月天阿信真摯悠揚的歌聲伴奏，直指人心歌詞中揭示愛與守護是有幸福期限，翻唱自歌手蔡淳佳《隱形紀念》，最終將無聲無息埋藏在每個人的內心深處，而在心底掀起的漣漪波瀾，則有如展場中那絲絲入扣的水波紋投影。

魏如萱 + 鳳小岳 + 陳建騏 X 豪華朗機工 《很難很難》

在一所全黑的空間裡，僅有一盞像是努力發著光的小燈，就好比在我們大腦中找尋記憶的探照燈。時間不僅會帶走人們的回憶，也會帶走消逝的生命，為了詮釋一生一滅的生命循環，魏如萱、鳳小岳(合作作曲)、單曲音樂總監陳建騏以及藝術家豪華朗機工，共同創作《很難很難》動力裝置作品，象徵生命盛衰的光球裝置，隨著音樂語境在懷舊的建築模型上移動，一明一暗的燈光，除了試圖重溫過往日常時光，也傳達出新生的力量。

魏如萱分享，「我面臨到父親、好友、第一隻貓咪過世，雖然看起來好好的，但內心像cheese一樣一個洞一個洞的。」她在作品中坦承難以面對死亡、失去、遺憾，也從而打造出此次展覽最催淚的展間。與娃娃合作，先前曾協同設計世大運聖火裝置、台中花博「聆聽花開的聲音」的豪華朗機工，這段時間也同樣得面對巨大的失去——前任團長張耿豪辭世，因而更能將傷痛與快樂、新生與逝去的複雜心緒透過作品展現出來。他們分享創作想法，幾乎全黑的展間僅有一束微光：「聽起來很悲傷，但我們想講的是，那道光也是希望，我們可以往前去想念。」。

家家 X 曲倩雯 《回家》

1997年順子的《回家》唱出遊子們對家的鄉愁，這次由家家重新翻唱、瑪莎擔任製作，並與香港藝術家曲倩雯共同完成的錄像裝置作品《回家》，將家家的靈魂嗓音和曲倩雯特地到基隆、花蓮等地取景的影像交互結合，透過耳機的聆聽，刻畫出對家鄉的思念情感與想像。

為工作離開台東多年的家家，直言最不想失去的就是「歸屬感」，瑪莎為此請工作人員特別搭乘火車，錄製台北到台東的「回家之聲」。先前並不知情的家家，在錄音時聽到月台廣播聲「前往台東的列車」就忍不住流下淚水。家家分享當初錄音時的心路歷程：「瑪莎跟我說，家就在那裡，只是等你回去。瑪莎就說你去想像，家在對你唱歌。所以我是轉換立場唱，我就是那個家，像是我在呼喚自己回家。」。

劉若英《小事》

在展間走廊盡頭，赫然出現一台老舊錄音機，然而裡頭卻伴著人生緩緩道出有些遺憾的故事。刻意以劉若英的聲音作品《小事》作為展覽空間中的緩和停頓，透過她感性聲線娓娓述說自身與家的緊密連結後，引領觀眾踏入時空的想像漩渦。

方序中 X 蘇益良

踏入高挑的展場空間內，矗立於中央的是一座吸睛的巨大螢幕量體，為方序中與影像工作者蘇益良將時間具像化的呈現，如一個巨人的形象盤踞於展場中央，螢幕畫面主角是方序中的外公，由外公的細微表情與佈滿歲月的皺紋臉龐，來詮釋時間的流逝與變化，作品上端沿著天花板延伸出無數像觸角的耳機線，引導著觀眾逐一前往至相連的作品聆聽。

李英宏 X 新興糊紙文化 + 齊振涵 + 李嘉泉《有前無後》

以傳統民俗的紙紮「靈厝」為主題的作品是新生代創作音樂人李英宏、新興糊紙文化組織以及服裝設計師齊振涵、李嘉泉共同創作的《有前無後》，將傳統紙紮文化與複合曲風旋律搭配，展現焚化紙紮的儀式與現代資訊上傳雲端的溝通模式似乎不謀而合。

李英宏表示，傳統上燒金條、銀子、勞力士給上天，其實跟現在把音樂上傳到雲端的概念很像。這個在當代看似忌諱的習俗，在以前卻有祝福的意思，喜事、喬遷等等皆可作為慶祝。他以此為題創作《有前無後》，而傳統紙紮屋背後，則出現Disco燈、舞廳牆面等等，融合新舊傳統文化，重新闡釋屬於天上人間的chill。

茄子蛋 X 王宗欣 《我夢見了小叮噹》

《我夢見了小叮噹》作品由金曲樂團茄子蛋與藝術家王宗欣發揮彼此童年的共同回憶，將早期被稱為小叮噹的哆啦A夢道具中的任意門，然而這扇無法打開穿越的任意門，化身為窺視人群流動的攝影機，畫面裡扭曲變形的人型畫面流竄，彷彿腦海裡日漸模糊的記憶。

告五人 X 吳仲倫 《鹿》

來自宜蘭的音樂團體告五人與導演吳仲倫以「潮濕」作為對家鄉的共同印象，並以此為創作靈感製作《鹿》動力裝置作品，作品中的流瀉的細砂與滾輪的運轉變化下，連結告五人對成長、家鄉回望的歌曲，共奏出將彼此離家出外打拼的共鳴。

宇宙人 X 紀昀  《禁止觸摸》

宇宙人與新媒體藝術家紀昀共同創作互動裝置作品《禁止觸摸》，當觀眾觸碰牆面上的壓克力方塊，不管是麻將、硬幣、紅白塑膠袋，都將發出熟悉的聲響，卻不熟悉的觸感。影像與耳機裡宇宙人的演唱歌曲即刻隨之連動改變，藝術家試圖提醒我們日漸習慣觸摸的冰冷螢幕，逐步剝奪許多物品真實觸感的機會。

HUSH X 李霽《大樹小花》

以一個大冰箱裝存著一顆大樹的裝置作品《大樹小花》，是HUSH與擅長植物創作的李霽共同對兒時記憶的紀念，再現老家門口不復存在的一棵老芒果樹，象徵過往的美好事物僅能暫存冰封，延緩遺忘。而被冷凍冰箱冰封著的綠意盎然，有如心臟般保持新鮮狀態，然而脫離了科技化上的樹幹卻早已枯萎，反差讓人省思。

另外，方序中也特別將先前小花展覽所用共1000多幅作品紙材留存，延請「鳳嬌催化室」碾成紙漿並製成新紙，取名為「小花紙」。過程中鳳嬌催化室經多次精算調和三種不同紙料的比例，為呈現自然手感，兩方團隊甚至親手撕紙材、平鋪文字碎片，才實驗出獨一無二的紙材。「小花紙」使用在此次《查無此人-音樂概念專輯》專輯袖套，象徵與舊的、美好的事物並存，透過新與舊的拼貼與並置，期許每個人都可以在未來與那些經歷過的回憶共好。

文字整理：Ian Liu

via 台北當代藝術館、BIOS

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目為例。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」