董陽孜《讀衣IV》以四季為題 ！攜手台灣七位時尚設計師跨界玩轉東方書法美學

《讀衣》這個以延續文化為念，藉文字藝術為東方時尚發聲的五年計畫，由台灣當代藝術家董陽孜於2016年所發起，並於2019年來到第四屆。《讀衣IV》在前三屆解構文字線條與單字字體變化的基礎上，進一步融貫了字之形、字之音、字之義，以「四季」為命題，董陽孜從「滴翠」、「荷淨」、「月華」、「寒松」的筆性墨情裡，開展出一幅生意盎然而又情思沛然的四季筆墨書。本屆也邀請七位台灣時尚界設計好手一起玩轉東方美學，並於11月2日在台北華山文創園區紅磚區西一和西二館登場！

被譽為無言的詩、無形的舞、無圖的畫、無聲的樂，漢字承「黃帝使倉頡作書」的傳說，自天地萬象中脫胎，引動「天雨粟，鬼夜哭」的景象，揭示了文字的感天之力，不僅承傳華夏文明數千年，更屹立於世界藝術之林。隨著時代更迭，漢字產生了篆、隸、草、行、楷的書法字體變化，綿延出流光溢彩、燦爛紛呈的藝術成就。

策展人董陽孜表示，「所謂字為心畫，而畫中有話。書法的點線筆勢、結構章法無一不從自然而來，細細品味，便能從中窺得如畫景致。這次我用四季來命題，藉書法觀物，也觀己，由自然之道，啟發文字線條，為時裝設計提供更廣闊的想像空間。漢字最為可貴之處，在於體現了人與自然相親的宇宙觀，這是我們與西方文化最大的不同，而書法的文字藝術所伴隨著的生命意識與精神品貌，更形塑出與天地同和的東方哲學與美學。」

共同策展人暨創意總監馮亞敏則表示，「四季，是自然的時令、人間的時尚。時尚是時令的產物，取材、用色、設計也經常向自然取經，受自然啟發。董老師的四季是詩意的、優雅的、富含人文情懷的，奇逸多姿的文字結構如何成為服裝設計師的創作靈感，實則挑戰了各人對文字與文意的內化程度。我認為，讀衣帶來的啟發，不僅僅是文化的時尚，更是感知的時尚，當時尚具備了覺察力與感知力，才能從研發、設計、製作、行銷等面向，打造出宜人而宜世的產業生態。」，她也提到本屆參展的設計師各個精銳，揉合國際視野與當代質材演繹絢麗四季。

本屆《讀衣IV》一共邀請七組服裝設計師參與命題的設計轉化。無論是概念、用色、取材，抑或工法，本次參與《讀衣IV》的七位設計師各出奇招詮釋董陽孜筆下的四季美學。

致力於研究未來材質、擅長運用新穎科技質材結合自然元素的汪俐伶，以「織霧蜘霧」回應命題,連結蜘蛛結網與荷葉生長脈絡，取其交織結圓的意象，獨創以台灣廚房常見的鋼絲球刷和其品牌特有的玩霧概念結合，並用光的移動來表現書寫之快意，呼應大自然四季的節律。

五度登上紐約官方時裝周發表，擅長將東西方文化融合的周裕穎，提出「周而復始,歷久彌新」為概念,，響應永績時尚環保趨勢，以二手回收衣進行四套服裝創作，並將文字符號巧妙藏於設計細節，帶來耳目一新的驚喜。

擁有排灣族血統，長於汲取文化精髓並将文化脈絡解構重塑的高勝忠(沙布喇·安德烈），擇春秋冬三季來對應，以構樹皮、小米、紅藜、檳榔葉、月桃葉等植物當作文化載體，用在地素材為時裝勾勒出季節表情，描述台灣山陵線意象。

多次參與《讀衣》計畫的陳劭彥，此次對應四季之命題，將文字的筆觸線條不斷拆解組合成服装的新廓型,並結合3D動畫影片，呈現人與大自然的共生關條。

台灣首位晉身倫敦時裝周官方日程時裝秀的旅英服裝設計師黃薇Jamie Wei Huang，取「運墨而五色具」為創作起點，自墨入彩表現氣韻，以主觀的型態詮釋切入冬春二季，再用客觀的角度使時裝成型。

擅以印花堆疊的創意手法錯置交織出兼容經典和前衛時尚的加拿大籍華裔設計師黃偉豪Daniel Wong，以「揮灑狂野之四季」為設計主調,納西式襯衫的型態為基底,結合具東方韻味的剪裁與版型,繼而將四季文字加印在色彩濃烈的印花之上，中西元素和諧混融,帶來豐富的視覺變幻。

設計風格以細膩優雅的線條雕塑女性自然本質的樣貌而著稱的蔡宜芬，則嘗試以烏干紗為底，加上刺繡手工並縫製版片，將四季美景轉化呈現於四張畫布之上。

除了七位時尚設計師帶來精采跨界創作外，本次也與實踐大學服裝設計系聯合策動「東方文字藝術印花布開發計畫」，選出9位學生將文字線條發展成21款特色意畫布，延續讀衣展的精神。

在《讀衣IV》展場空間設計上，則緊扣四季之題，利用「字即景，景生境」的相互映照作為思考原點，空間佈局擴充「景」的觀看方式，蜿蜒動線加上不時出現的鏡面設計，與Agao曹昌玄以手牒共鳴的空間音樂，打造出沉浸氛圍。而數個連續線性隨空間凹折的微型區裕，則成為觀展中的頓點，走進展中，就有如闖進董陽孜行雲流水的筆墨世界中。

關於《讀衣》

有感於文字是民族文化的根，盼在西化已久的浪潮下喚起社會大眾對中華文字的重視，並在網路時代活化傳統書寫的藝術，台灣當代藝術家董陽孜自2016年發起讀衣計畫，帶來文字藝術與時尚設計的跨界試煉，提供一個展演設計創意與延續文化意義的平台。「讀衣」用「讀」字，既表明了服裝中蘊藏了文字的訊息與意念，亦於過程中引領觀者反思屬於自身文化的時尚。而「讀衣」音同「獨一」，更意味著書法文字結合時尚所創造出的獨一無二。這個定位在為東方時尚發聲的五年計畫，藉由邀請華文圈服裝設計師對其墨寶進行創作演繹，除為時尚設計帶來深度的文化思維運動，也讓觀者從讀衣中，感受文字藝術的非凡魅力，珍惜漢字的美好價值。

《讀衣IV》

展期｜2019/11/2(六)-11/11(一)

時間｜10:00-20:00

地點｜華山1914文創產業園區紅磚區西一和西二館（臨北平東路與杭州北路口）

via 團團文創

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。