《讀衣》這個以延續文化為念，藉文字藝術為東方時尚發聲的五年計畫，由台灣當代藝術家董陽孜於2016年所發起，並於2019年來到第四屆。《讀衣IV》在前三屆解構文字線條與單字字體變化的基礎上，進一步融貫了字之形、字之音、字之義，以「四季」為命題，董陽孜從「滴翠」、「荷淨」、「月華」、「寒松」的筆性墨情裡，開展出一幅生意盎然而又情思沛然的四季筆墨書。本屆也邀請七位台灣時尚界設計好手一起玩轉東方美學，並於11月2日在台北華山文創園區紅磚區西一和西二館登場！

被譽為無言的詩、無形的舞、無圖的畫、無聲的樂，漢字承「黃帝使倉頡作書」的傳說，自天地萬象中脫胎，引動「天雨粟，鬼夜哭」的景象，揭示了文字的感天之力，不僅承傳華夏文明數千年，更屹立於世界藝術之林。隨著時代更迭，漢字產生了篆、隸、草、行、楷的書法字體變化，綿延出流光溢彩、燦爛紛呈的藝術成就。

策展人董陽孜表示，「所謂字為心畫，而畫中有話。書法的點線筆勢、結構章法無一不從自然而來，細細品味，便能從中窺得如畫景致。這次我用四季來命題，藉書法觀物，也觀己，由自然之道，啟發文字線條，為時裝設計提供更廣闊的想像空間。漢字最為可貴之處，在於體現了人與自然相親的宇宙觀，這是我們與西方文化最大的不同，而書法的文字藝術所伴隨著的生命意識與精神品貌，更形塑出與天地同和的東方哲學與美學。」

共同策展人暨創意總監馮亞敏則表示，「四季，是自然的時令、人間的時尚。時尚是時令的產物，取材、用色、設計也經常向自然取經，受自然啟發。董老師的四季是詩意的、優雅的、富含人文情懷的，奇逸多姿的文字結構如何成為服裝設計師的創作靈感，實則挑戰了各人對文字與文意的內化程度。我認為，讀衣帶來的啟發，不僅僅是文化的時尚，更是感知的時尚，當時尚具備了覺察力與感知力，才能從研發、設計、製作、行銷等面向，打造出宜人而宜世的產業生態。」，她也提到本屆參展的設計師各個精銳，揉合國際視野與當代質材演繹絢麗四季。

本屆《讀衣IV》一共邀請七組服裝設計師參與命題的設計轉化。無論是概念、用色、取材，抑或工法，本次參與《讀衣IV》的七位設計師各出奇招詮釋董陽孜筆下的四季美學。

致力於研究未來材質、擅長運用新穎科技質材結合自然元素的汪俐伶，以「織霧蜘霧」回應命題,連結蜘蛛結網與荷葉生長脈絡，取其交織結圓的意象，獨創以台灣廚房常見的鋼絲球刷和其品牌特有的玩霧概念結合，並用光的移動來表現書寫之快意，呼應大自然四季的節律。

五度登上紐約官方時裝周發表，擅長將東西方文化融合的周裕穎，提出「周而復始,歷久彌新」為概念,，響應永績時尚環保趨勢，以二手回收衣進行四套服裝創作，並將文字符號巧妙藏於設計細節，帶來耳目一新的驚喜。

擁有排灣族血統，長於汲取文化精髓並将文化脈絡解構重塑的高勝忠(沙布喇·安德烈），擇春秋冬三季來對應，以構樹皮、小米、紅藜、檳榔葉、月桃葉等植物當作文化載體，用在地素材為時裝勾勒出季節表情，描述台灣山陵線意象。

多次參與《讀衣》計畫的陳劭彥，此次對應四季之命題，將文字的筆觸線條不斷拆解組合成服装的新廓型,並結合3D動畫影片，呈現人與大自然的共生關條。

台灣首位晉身倫敦時裝周官方日程時裝秀的旅英服裝設計師黃薇Jamie Wei Huang，取「運墨而五色具」為創作起點，自墨入彩表現氣韻，以主觀的型態詮釋切入冬春二季，再用客觀的角度使時裝成型。

擅以印花堆疊的創意手法錯置交織出兼容經典和前衛時尚的加拿大籍華裔設計師黃偉豪Daniel Wong，以「揮灑狂野之四季」為設計主調,納西式襯衫的型態為基底,結合具東方韻味的剪裁與版型,繼而將四季文字加印在色彩濃烈的印花之上，中西元素和諧混融,帶來豐富的視覺變幻。

設計風格以細膩優雅的線條雕塑女性自然本質的樣貌而著稱的蔡宜芬，則嘗試以烏干紗為底，加上刺繡手工並縫製版片，將四季美景轉化呈現於四張畫布之上。

除了七位時尚設計師帶來精采跨界創作外，本次也與實踐大學服裝設計系聯合策動「東方文字藝術印花布開發計畫」，選出9位學生將文字線條發展成21款特色意畫布，延續讀衣展的精神。

在《讀衣IV》展場空間設計上，則緊扣四季之題，利用「字即景，景生境」的相互映照作為思考原點，空間佈局擴充「景」的觀看方式，蜿蜒動線加上不時出現的鏡面設計，與Agao曹昌玄以手牒共鳴的空間音樂，打造出沉浸氛圍。而數個連續線性隨空間凹折的微型區裕，則成為觀展中的頓點，走進展中，就有如闖進董陽孜行雲流水的筆墨世界中。

關於《讀衣》

有感於文字是民族文化的根，盼在西化已久的浪潮下喚起社會大眾對中華文字的重視，並在網路時代活化傳統書寫的藝術，台灣當代藝術家董陽孜自2016年發起讀衣計畫，帶來文字藝術與時尚設計的跨界試煉，提供一個展演設計創意與延續文化意義的平台。「讀衣」用「讀」字，既表明了服裝中蘊藏了文字的訊息與意念，亦於過程中引領觀者反思屬於自身文化的時尚。而「讀衣」音同「獨一」，更意味著書法文字結合時尚所創造出的獨一無二。這個定位在為東方時尚發聲的五年計畫，藉由邀請華文圈服裝設計師對其墨寶進行創作演繹，除為時尚設計帶來深度的文化思維運動，也讓觀者從讀衣中，感受文字藝術的非凡魅力，珍惜漢字的美好價值。

《讀衣IV》

展期｜2019/11/2(六)-11/11(一)

時間｜10:00-20:00

地點｜華山1914文創產業園區紅磚區西一和西二館（臨北平東路與杭州北路口）

via 團團文創

追溯這些我們早已習以為常或無限憧憬的單品起源，就是在追溯一段由男男女女、流行文化、浮華與深沉交織而出的時尚史。這麼做也是在這個時尚變得如此輕佻的時代裡，重塑衣著的價值。藉由讚頌時尚單品與美麗外表，我們最終禮讚的是每個獨特的靈魂。

衣物間的必備單品：蝴蝶領結

蝴蝶領結的歷史和領帶息息相關，兩者都源於男士以絲巾裝飾頸部的喜好。17、18世紀，貴族們喜愛以蕾絲領或領帶點綴服飾，有些人認為蝴蝶領結就是19世紀結合這兩者而誕生的。

極致黑領結

領結的流行與19世紀的丹迪（Dandy）風密不可分。工業革命時期的新貴與權貴們都把領結視為優雅和品味的象徵。隨著無尾禮服（菸裝smoking）的流行，領結更成為男士晚宴著裝必備的配件。據說現代的無尾禮服搭配蝴蝶領結的設計是Pierre Lorillard為James Potter參加紐約州的Tuxedo俱樂部舞會特別打造的。James Potter的驚豔亮相開啟了「black tie」的時尚傳奇。

不分晝夜

依舊是在紐約，1924年，領帶製造商Jesse Langsdorf推出一款全新設計的領帶，與當時普遍流行的領結完全不同。當時，領結既是晚宴上優雅的配件，也是辦公室職員的日常裝束，隨處可見。

既幽默又性感

銀幕上的領帶也能展現滑稽感，成為卓別林、勞萊與哈台等喜劇大師的服飾配件。另一方面，女星瑪琳．黛德麗和凱薩琳．赫本也帶上領結，挑戰性別界線。而在男性身上，領結又展現不同的魅力，隨著佛瑞．亞斯坦的舞姿律動，隨鼠黨（Rat Pack）的輕佻傲然，或隨詹姆斯．龐德的從容優雅，演繹出誘惑與高貴等不同氣質的雙重戲碼。

衰退與復興

1960年代，領結變得過於傳統、保守且陽剛，光芒逐漸黯淡。這時的它更多時候出現在喜劇角色和宅宅的怪咖技客（geeks）身上，被世人嘲弄、邊緣化。然而，到了2000年代，設計師Tom Ford將復古的氣概帶回時尚舞台，重拾領結的榮耀。

經典設計：無尾禮服

早在1962年的首個高級定製系列中，Yves Saint Laurent就把原本屬於男性服飾的長褲穿到女性身上。雖然他並不是第一位讓女性穿上長褲的設計師，但他的貢獻在於讓長褲變成女性衣櫥中再平凡不過的選擇。

走出吸菸室

1966年，Yves Saint Laurent選擇將男性的無尾禮服（又稱菸裝，Smoking）帶入女性時尚。他在當年的秋冬系列中為女性提供了前所未見的大膽選項：穿上這件男性衣櫥中最具格調的服裝。無尾禮服原本是在吸菸室中穿的服飾，象徵男性的陽剛與權力結構，同時也是女性的禁區。

權力遊戲

Yves Saint Laurent打破傳統規範，在1960年代這個正在重塑社會規則的時代，他主張女性有權選擇穿上無尾禮服！他認為女性穿著無尾禮服不是一種抗爭，而是自然而然的權利。在他手裡，原本充滿爭議的長褲成為新的誘惑密碼。他反對將無尾禮服視為女性模仿男性的工具，積極賦予它優雅與自信。透過他設計的風格，女性和男性擁有平等的姿態。這不是一場性別的對立，而是時尚與權力的對話。

開啟副本

馮絲華．哈蒂是第一位訂購Yves Saint Laurent無尾禮服的女性，然而，當時的女性尚未準備好自在地接受褲裝，因此其他高級定製時裝的顧客並沒有立即跟進。直到1966年，Yves Saint Laurent推出成衣副牌Saint Laurent Rive Gauche後，無尾禮服才找到它的市場。雖然是同一年發生的事，但因為品牌改變客群，轉向更年輕、更獨立的女性，提供價格相對親民的無尾禮服，時尚潮流就改變了。

新女性時尚

Yves Saint Laurent的女裝無尾禮服經過改良，以更貼合女性體態的修身剪裁展現魅力。它顛覆了傳統時尚的定義，讓女性的中性氣質自然流露卻又不失性感。女性真的需要模仿男性穿著才能感受到力量嗎？答案是否定的，但她們可以把男性的時尚領域變成自己的遊戲場。

風格的誕生：華麗搖滾

雖然華麗搖滾只風靡了短短幾年，1977年後就被龐克風取代，但它的影響力仍不容忽視。這股風潮讓原本隱匿於地下文化的造型與符碼躍上舞台，成為公眾矚目的焦點。跨性別裝扮不再局限於小眾，音樂也成為極致華麗與誇張表現的天地。

重新定義性別

華麗搖滾本質上是一種玩世不恭的音樂風格，與1960年代充滿社會與政治訴求的搖滾不同，它在1970年代前半葉捨棄沉重的議題，轉而全心頌揚明星文化，以閃爍的亮片、華麗的羽毛圍巾和誇張的厚底鞋打造視覺震撼。這股風潮主要由來自英國和美國的男性樂團引領，甚至影響到非洲，在尚比亞衛生出融合放克與搖滾的zamrock（尚式搖滾），搭配誇張的大帽飾增添特色。華麗搖滾用極具戲劇性的方式，重新定義性別表達與舞台魅力。

由Marc Bolan領軍的T. Rex樂團引領了這場風潮，掀起了一場介於丹迪主義與歌舞劇場間的審美革命，宛如華麗炫目的視覺盛宴。男性化了妝，穿上閃耀且貼身的衣物，長髮飄逸。這種風格不在意俗氣與否，只有幽默與浮華的極致展現。華麗搖滾大膽挑戰1970年代英國社會根深蒂固的保守思想，顛覆傳統的男性形象，甚至帶著一絲挑釁意味。例如大衛．鮑伊毫不掩飾地公開自己的雙性戀身份，甚至穿著裙裝亮相。這場美學叛亂席捲而來，嚴苛的道德堡壘只能在它的光芒之中逐漸崩解。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑：78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期｜2025/06/21

作者｜海莉．愛德華－杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖，帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計，一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表，帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點，甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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有些服裝打破了時間的藩籬，也有些成了走上伸展台和高級訂製的不朽神話，都講述著設計師們的奇思妙想，以及對夢想和潮流的追求。

衣物間的必備單品：丹寧夾克（或牛仔外套）

「藍色已成為這個世紀後半葉的經典色調，賦予所有人與事一種獨特的色彩。它的流行無可撼動，未來也將繼續如此。」——克里斯蒂安．拉克魯瓦（Christian Lacroix）

述說丹寧夾克的歷史，就是探索靛藍染料的故事。丹寧布（牛仔布）的起源與藍色密不可分，這種顏色結合堅韌的面料，成為全球勞動階層日常生活的一部分。而到了20世紀，這件藍色的服飾更成為時尚界的經典單品。

Trucker Jacket的誕生

Levi’s在20世紀上半葉推出了多款丹寧夾克，但真正定義今日丹寧夾克風格的，是1967年的Type III款式，也就是大家熟知的Trucker Jacket。這款夾克以修身的設計和兩個高位口袋為特色，成為現代丹寧夾克的代表。從1930年代電影中的牛仔，到1950年代的叛逆青年，甚至是瑪麗蓮．夢露都穿過這款夾克。不過要一直到嬉皮運動興起，它才真正風靡街頭。

MAKE LOVE NOT WAR

嬉皮擁抱丹寧夾克，又賦予它全新的意義。這款夾克成為美國文化的旗幟，既象徵著深植於社會的刻板印象，又述說對體制的反抗，更是傳遞標語與信息的載體。

叛逆到底

丹寧夾克曾是反主流文化的代名詞，穿梭於社會、電影與音樂之間。70年代的龐克、法國的搖滾狂熱、80年代的青春偶像，以及後來的嘻哈、油漬搖滾（grunge）和電音，都賦予它新的意義。革命的、多變的與超越邊界的丹寧夾克不靠邊站，反而選擇將各種文化串聯起來，成為反叛精神的時尚象徵。

經典設計：泡泡裙（舞會皇后）

「我們始終在追尋逝水年華。」——克里斯蒂安．拉克魯瓦（Christian Lacroix）

人們常說，1980年代是巴黎高級訂製時裝的第二個黃金時代。第一個則是在1950年代。1980年代的這十年間，經濟繁榮帶來了財富的積累，富裕階層渴望展現自己的奢華生活方式，時尚風格因此變得浮誇而張揚。

從博物館到時尚

在成為時裝設計師前，Christian Lacroix曾夢想成為博物館館長或戲服設計師。他對戲劇、歷史與藝術的熱愛，深深影響了他的設計風格。他先是為品牌Patou工作，而後在1987年創立了自己的品牌，在那個物質生活豐富、無憂無慮的十年中，他逐漸嶄露頭角。他的風格與1980年代那些出門就像參加華麗舞會的富家女一致。

時光的記憶

Lacroix的設計深受過去華麗風格的影響，他喚回17與18世紀的古典美學，以緊身胸衣搭配蓬鬆、甚至誇張的裙子。他的靈感來源根植於他的故鄉亞爾與普羅旺斯，這片土地與卡馬格的風土賦予他的設計鮮明的色彩、繁複的圖案與靈動的印花。他的模特兒宛如行走的故事敘述者，在伸展台上演繹華麗且如戲劇般的時尚場景，將伸展台變成一場視覺盛宴。

十年風華

Christian Lacroix的設計充滿懷舊風情，但卻從不守舊。他的作品完美詮釋了一個時代的精神，金錢至上，奢華無罪。那是個晚會和雞尾酒會不斷的年代。1970年代遭到摒棄的華麗裝束在這個十年重新綻放。在晚宴禮服與雞尾酒會穿搭之間，Christian Lacroix找到了完美平衡，以短版的小外套搭配蓬蓬裙，那層層疊疊的裙襬令人想到宮廷禮服的招搖。

Lacroix的經典

1980年代是一個極致浮華的年代，誇張的墊肩、纖細的腰身，以及Christian Lacroix經典的泡泡裙都是當時最具代表性的設計。這種裙子優雅又帶點叛逆，正好展現那個時代的輕盈無憂氛圍。它像是社交派對上的焦點，在舞池裡旋轉，魅惑人心又耀眼。Christian Lacroix讓這種沉睡的美重新煥發光彩，燃燒出更為炙熱的生命力。

風格的誕生：反時尚「解構主義」

「我覺得完美是醜陋的。我希望在人類創造的事物中看到傷痕、缺陷、混亂與變形。」——山本耀司（Yohji Yamamoto）

哲學家德希達在1960年提出「解構主義」的概念，用以指涉這個時代對既有規範與傳統的推翻與重塑。然而，要等到1989年，時尚評論家Bill Cunningham在一篇文章中首次將「解構」一詞用於描述服裝設計，並特別指向Martin Margiela的作品時，這個詞才真正用在時尚領域。

東方哲學

時尚的解構美學真正誕生於1970年代末，由三宅一生、山本耀司與川久保玲三位日本設計師共同開創。他們深受自身文化影響，從讚頌歲月痕跡與不完美魅力的「侘寂」（wabi-sabi）中汲取靈感，並借鑒將裂痕轉化為美感的金繼（kintsugi）藝術，挑戰傳統服裝結構，改變了西方自文藝復興以來審美概念。

外在實踐

解構主義的支持者以不對稱的剪裁、深邃的色調為服裝基礎，甚至穿著大膽展露破損、破洞與未收邊的衣物，這些都是曾被西方時尚厭棄的「瑕疵」。這種刻意的不完美，吸引了那些將穿衣視為思想實踐的人，他們選擇拋開1980年代的炫目奢華，以黑色為載體，映照對外在符號的抗拒。解構主義引發的，不僅是一場審美的革命，更是一場關於時尚話語權的顛覆，使「反時尚」成為當代時尚語言的一部分。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《時尚單品全圖鑑：78件經典穿搭設計與百年時尚傳奇》

出版日期｜2025/06/21

作者｜海莉．愛德華－杜雅丹 Hayley Edwards-Dujardin

這是一張時尚界的寶藏地圖，帶你認識那些永遠不會退流行的經典單品。本書精選了 78 件經典服飾和60件改寫時尚史的創意設計，一次帶你看懂潮流是怎麼被創造出來的。收錄超過280張精美圖片與資訊圖表，帶你用最直覺的方式了解每個單品的歷史背景、設計亮點，甚至是它們如何影響了當時的社會文化。

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