2019 TAV藝術採集計畫延續台北國際藝術村（Taipei Artist Village，簡稱TAV）作為「台北藝術進駐」（Artist-in-Residence Taipei）的基地，藉由藝術家短期駐村的過程，穿透、轉化、暫離。今年2019藝術採集計畫《按了兩次的空白鍵》展覽，從「我自己」為核心出發，藝術家透過內在踏查，採集專屬日常。

本次展覽延續過往精神，跳脫象限限制，採集創作者自我經驗，透過藝術語言間接書寫、創作。經驗是體驗、是觀察，在不長不短的人生中所獲得的心得加以應用於後續作業上，而這些以前、這些曾經，不論屬性，對於未知的自我來說，掌握著重要的關鍵。而藝術之於日常，並非首要卻也需要，當現實出現神秘難解的習題時，我們試圖使用當代藝術的語言去梳理、去靠近。

全球化帶來的各種政治、經濟、文化、平權議題，藝術能否從中引領人類走向美麗新世界？從FB、IG、YouTube等社群平台中，無限循環，害怕錯過任何事，可能是社會的新聞、朋友的消息，在真實與虛擬之間游移，「網路成癮」的我們，眼中看不見的其實是自己。「你想太多了」、「堅強一點」、「加油好嗎」各種安慰聽起來都像是自尋煩惱，資訊爆炸、步調飛快的社會氛圍中，每個人努力用自己的方式生活著，當被壓力、憂鬱、負面情緒籠罩時，卻只會獲得「脆弱」、「爛草莓」的標籤，「精神疾病」的污名化迫使自己隱藏著創傷前進，其實只想知道何時才能放棄。「家，是永遠的避風港。」，但如果我們一直停泊在此，又該如何去探索這個世界呢？「家庭關係」是親密的羈絆，也像一面鏡子反映著自己，如何與家人相伴同行，彼此擁抱，其實是個沒有標準答案的親密課題。其餘各種經驗是當自己面臨普遍性問題時所投射出來的反應，在不同的時空背景下會有不同解讀，包括「女權議題」、「身體記憶」、「意識型態」等面向都是你我值得關注的。

個體終需獨立，與原生家庭分隔、拆離出某些自己，然後追尋，矛盾難解自我的認同過程打從受精的那一刻起，關於「我」的誕生、關於「我」是誰，彷彿所有事物必然在未來的特定時間點中以偶然的形式發生。嬰兒階段是人人必經的成長歷程，成長與母體之間透過臍帶的相連，構成了《我是一座屠宰場》的視覺核心，手寫視覺工作者林熙堯延續詩人潘柏霖的長詩創作，將詩中字句以包覆的視覺圖像出發，回歸詩中字句的個人解讀。作品以紅、粉紅色彩表現，不僅說明嬰孩的生成，也與屠宰場的場景意象緊密相連。

位於頂樓的《運動學》是由王連晟在TAV頂樓花園上所製造出一件虛擬的屋頂加蓋作品，運用各種球體在空間交會，碰撞到的物質也會產生類似施工的聲響，同時藉由重複性的機械動作呼應自己的學生時代，日復一日的練習，卻有種特異的身體感與目標脫節。

李亦凡呈現的《牆.obj》是延續他過往對於影像結合雕塑的敘事方式，探究網路科技對於人們感知、速度感、知識、慾望與恐懼的型塑，思考在這網路破解感官的世代，網路與敘事的關係。

由街頭塗鴉發跡的藝術家Candy Bird，作品主題面向都市社會及邊緣性，透過作品《齒輪味炒飯》嘗試理解1942至1945年間，時值二次世界大戰前往日本應徵製造軍用飛機的一群台籍青年，這群少年工的經歷是東亞錯綜複雜命運的一部份，同時也是一段不被允許的台灣歷史，成為意識形態下的受害者，藝術家利用創作爬梳這段過去的同時，亦從中找尋連結自身的感性，並詮釋歷史循環與人類的關係。

黃至正擅長運用複合媒材，其創作不斷解構現實與自我記憶，又重組為截然不同的他者，《擱淺》聚焦於生命議題與時間感知，並以直觀的方式表述，重塑對於記憶、想像與萬物的界線。

曖曖。內含光實驗室作品《天然。人造》由蠟燭的嗅覺與視覺兩面切入，嗅覺是人類由母體發展的第一種感官，最初的生命經驗便是以此探索世界的愛與恐懼；而視覺是人類的大腦，帶領我們由黑暗進入光明，經驗世間萬物的本質，曖曖。內含光實驗室利用蠟燭勾起我們原始的感知，在這個人造的時代帶領我們回歸自然與人的本性。

另外，本次計畫時逢台北國際藝術村與澳洲亞洲聯網合作交流10週年之際，特別邀請4位曾參與台澳交流的駐村藝術家合作創作，分別為許雁婷 X 莎莉理查森（Sally Richardson）；林怡慧 X 克萊爾布什比（ Claire Bushby）。許雁婷和莎莉理查森自2015年透過澳洲亞洲聯網開啟合作緣分，四年來兩人持續合作，並計畫於今年首次合作發表。本次展出的作品《照映》，如同交流計畫的寫照，使用創作語言相互輝映、對望。

林怡慧和克萊爾布什比，則於今年透過台北國際藝術村的媒合，分別透過陶藝和編織，溫柔地訴說共有關於《茶的敘事》，誠摯邀請觀眾一同進入百里廳聆聽、對談，共享一杯茶的時光。

按了兩次的空白鍵

地點：台北國際藝術村 

展期：2019.9.28-11.03

via 台北國際藝術村

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？