台北國際藝術村《按了兩次的空白鍵》展覽作品亮點!手寫詩句屠宰場布簾、運動學機械直視「自我」

許雁婷X 莎莉理查森《照映》

2019 TAV藝術採集計畫延續台北國際藝術村(Taipei Artist Village,簡稱TAV)作為「台北藝術進駐」(Artist-in-Residence Taipei)的基地,藉由藝術家短期駐村的過程,穿透、轉化、暫離。今年2019藝術採集計畫《按了兩次的空白鍵》展覽,從「我自己」為核心出發,藝術家透過內在踏查,採集專屬日常。

 

本次展覽延續過往精神,跳脫象限限制,採集創作者自我經驗,透過藝術語言間接書寫、創作。經驗是體驗、是觀察,在不長不短的人生中所獲得的心得加以應用於後續作業上,而這些以前、這些曾經,不論屬性,對於未知的自我來說,掌握著重要的關鍵。而藝術之於日常,並非首要卻也需要,當現實出現神秘難解的習題時,我們試圖使用當代藝術的語言去梳理、去靠近。

 

全球化帶來的各種政治、經濟、文化、平權議題,藝術能否從中引領人類走向美麗新世界?從FB、IG、YouTube等社群平台中,無限循環,害怕錯過任何事,可能是社會的新聞、朋友的消息,在真實與虛擬之間游移,「網路成癮」的我們,眼中看不見的其實是自己。「你想太多了」、「堅強一點」、「加油好嗎」各種安慰聽起來都像是自尋煩惱,資訊爆炸、步調飛快的社會氛圍中,每個人努力用自己的方式生活著,當被壓力、憂鬱、負面情緒籠罩時,卻只會獲得「脆弱」、「爛草莓」的標籤,「精神疾病」的污名化迫使自己隱藏著創傷前進,其實只想知道何時才能放棄。「家,是永遠的避風港。」,但如果我們一直停泊在此,又該如何去探索這個世界呢?「家庭關係」是親密的羈絆,也像一面鏡子反映著自己,如何與家人相伴同行,彼此擁抱,其實是個沒有標準答案的親密課題。其餘各種經驗是當自己面臨普遍性問題時所投射出來的反應,在不同的時空背景下會有不同解讀,包括「女權議題」、「身體記憶」、「意識型態」等面向都是你我值得關注的。

 

個體終需獨立,與原生家庭分隔、拆離出某些自己,然後追尋,矛盾難解自我的認同過程打從受精的那一刻起,關於「我」的誕生、關於「我」是誰,彷彿所有事物必然在未來的特定時間點中以偶然的形式發生。嬰兒階段是人人必經的成長歷程,成長與母體之間透過臍帶的相連,構成了《我是一座屠宰場》的視覺核心,手寫視覺工作者林熙堯延續詩人潘柏霖的長詩創作,將詩中字句以包覆的視覺圖像出發,回歸詩中字句的個人解讀。作品以紅、粉紅色彩表現,不僅說明嬰孩的生成,也與屠宰場的場景意象緊密相連。

 

 

位於頂樓的《運動學》是由王連晟在TAV頂樓花園上所製造出一件虛擬的屋頂加蓋作品,運用各種球體在空間交會,碰撞到的物質也會產生類似施工的聲響,同時藉由重複性的機械動作呼應自己的學生時代,日復一日的練習,卻有種特異的身體感與目標脫節。

 

 

李亦凡呈現的《牆.obj》是延續他過往對於影像結合雕塑的敘事方式,探究網路科技對於人們感知、速度感、知識、慾望與恐懼的型塑,思考在這網路破解感官的世代,網路與敘事的關係。

 

 

由街頭塗鴉發跡的藝術家Candy Bird,作品主題面向都市社會及邊緣性,透過作品《齒輪味炒飯》嘗試理解1942至1945年間,時值二次世界大戰前往日本應徵製造軍用飛機的一群台籍青年,這群少年工的經歷是東亞錯綜複雜命運的一部份,同時也是一段不被允許的台灣歷史,成為意識形態下的受害者,藝術家利用創作爬梳這段過去的同時,亦從中找尋連結自身的感性,並詮釋歷史循環與人類的關係。

 

 

黃至正擅長運用複合媒材,其創作不斷解構現實與自我記憶,又重組為截然不同的他者,《擱淺》聚焦於生命議題與時間感知,並以直觀的方式表述,重塑對於記憶、想像與萬物的界線。

 

 

曖曖。內含光實驗室作品《天然。人造》由蠟燭的嗅覺與視覺兩面切入,嗅覺是人類由母體發展的第一種感官,最初的生命經驗便是以此探索世界的愛與恐懼;而視覺是人類的大腦,帶領我們由黑暗進入光明,經驗世間萬物的本質,曖曖。內含光實驗室利用蠟燭勾起我們原始的感知,在這個人造的時代帶領我們回歸自然與人的本性。

 

 

另外,本次計畫時逢台北國際藝術村與澳洲亞洲聯網合作交流10週年之際,特別邀請4位曾參與台澳交流的駐村藝術家合作創作,分別為許雁婷 X 莎莉理查森(Sally Richardson);林怡慧 X 克萊爾布什比( Claire Bushby)。許雁婷和莎莉理查森自2015年透過澳洲亞洲聯網開啟合作緣分,四年來兩人持續合作,並計畫於今年首次合作發表。本次展出的作品《照映》,如同交流計畫的寫照,使用創作語言相互輝映、對望。

 

 

林怡慧和克萊爾布什比,則於今年透過台北國際藝術村的媒合,分別透過陶藝和編織,溫柔地訴說共有關於《茶的敘事》,誠摯邀請觀眾一同進入百里廳聆聽、對談,共享一杯茶的時光。

 

 

按了兩次的空白鍵

地點:台北國際藝術村 

展期:2019.9.28-11.03


via 台北國際藝術村

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這部電影要你「走來走去」看,拼湊一段破碎婚姻故事!張碩尹 X 爆炸理論SXSW藝術節得獎作品回台展出

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影

這部電影不要你黏在椅子上看,而要你起身走進一棟台灣老公寓,穿梭廚房、客廳、臥室等空間,慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐,將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論(Blast Theory)共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》,於年初拿下2025美國西南偏南藝術節(SXSW)混合實境競賽單元評審團特別獎後,回到台北於7/47/20限定兩週展出。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)
張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

「走進」老公寓,拼湊一段破碎婚姻故事

Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導,夏騰宏與柯念萱主演,背景設定在一間台灣老公寓,文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影,更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是,觀眾不需要穿戴任何裝置,而是透過「AI視覺感測系統(AI Computer Vision System)」體驗。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)
張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上,地面標示著4個空間:廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間,AI系統便會偵測觀眾的移動,切換到該房間的故事。透過在空間中移動,觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)
張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人,因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後,決定該切換到哪個視角,因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力,干擾和合作,都成為了觀看作品的趣味。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

這部「互動式電影」打破線性敘事,給予觀眾更多摸索的空間,建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行,甚至可以說是「沒有觀眾,作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明,轉而注重傳達作品的情感氛圍,交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動,努力了解故事的樣子,甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房,試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動,發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

為何以「家」為題?一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩,但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋,卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中,「家」成為觀眾走入作品敘事的核心,當觀眾穿越不同房間,也彷彿在夢境般的空間,探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制,也讓觀眾的「觀看」,從被動變成主動的心理參與。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

另一方面,家作為最小單位的社會結構,不只受到內部情緒影響,也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看,台灣長年受地緣政治影響,有著身份認同的討論;英國社會則長期面對移民問題,及近年的脫歐危機和通膨困境。因此,這次跨文化的台灣與英國團隊,從彼此對「家」的理解出發,重構一個想像的個人空間,並藉此探討所謂「家」的樣貌。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

SXSW評審團在授予獎項時表示:「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著,但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論(Blast Theory)常透過互動藝術探索社會和政治議題,他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等,將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中,邀人們透過親身參與日常難遇的景況,開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中,觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年,當時他在爆炸理論位於英國布萊頓(Brighton)的工作室駐村一個月。他回憶:「當初觀看到的,是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外,能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性,連結各形各色的人事物,進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發,張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案,開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作,作品於2025年國西南偏南藝術節(SXSW)全球首映,如今回到台北放映。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣,雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」,將作品開放給觀眾參與,在這樣的情況下,觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動,都為作品創造嶄新的意義和火花。

張碩尹工作室、爆炸理論SXSW藝術節得獎作品台北展出!一部不要你坐著看的互動式電影
(圖片提供:張碩尹工作室)

Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期|2025.07.0407.20,期間不公休

地點|台北市士林區福華路180

開放時間| 11:0021:00

在全球最繁忙的藝術交易現場,創作一幅「無法被擁有」的畫!解析Art Basel大型公共藝術《CHOIR》

Art Basel大型公共藝術《CHOIR》!德國藝術家Katharina Grosse創作「無法被擁有」的畫

今年,瑞士巴塞爾藝術展(Art Basel)發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場,從地面蔓延至牆面、時鐘、水池,甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議,而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩,藝術家企圖在受制的環境中,試驗藝術發生的各種可能;也在這人們爭相購入藝術品的場域,創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術,必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會,版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港,匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量,每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域,Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週,展會結束便消失,不標價、不販賣,沒有任何人能夠擁有它。

Art Basel大型公共藝術《CHOIR》!德國藝術家Katharina Grosse創作「無法被擁有」的畫
(圖片提供:Katharina Grosse)

繪畫只能被裱框欣賞?這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場,都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面,在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念,也透過不按牌理出牌的作畫背景,對畫作的「歸屬」提出質疑。

Art Basel大型公共藝術《CHOIR》!德國藝術家Katharina Grosse創作「無法被擁有」的畫
(圖片提供:Katharina Grosse)

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》,是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術,像街頭原生的塗鴉,也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎?又該任人踩踏嗎?印象中,明明該被放在美術館裡裱框欣賞?Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問,她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間,歡迎所有人參與其中,共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏,但換個角度想,它亦屬於「參與表演」的所有人。

Art Basel大型公共藝術《CHOIR》!德國藝術家Katharina Grosse創作「無法被擁有」的畫
(圖片提供:Katharina Grosse)

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

CHOIR》僅存在7天的生命週期,背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說,長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗,時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為,繪畫不一定非要永垂不朽才是強大,對她來說,畫作從不存在到存在、再走向不存在,更能具體體現時間的流逝,這何嘗不是另一種珍貴?

Art Basel大型公共藝術《CHOIR》!德國藝術家Katharina Grosse創作「無法被擁有」的畫
(圖片提供:Katharina Grosse)

再向內探究,Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著,以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中,試驗藝術發生的各種可能,在這樣的創作概念下,廣場任何地方都是她的畫布——既然如此,Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢?

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(圖片提供:Katharina Grosse)

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