台北國際藝術村《按了兩次的空白鍵》展覽作品亮點！手寫詩句屠宰場布簾、運動學機械直視「自我」

2019 TAV藝術採集計畫延續台北國際藝術村（Taipei Artist Village，簡稱TAV）作為「台北藝術進駐」（Artist-in-Residence Taipei）的基地，藉由藝術家短期駐村的過程，穿透、轉化、暫離。今年2019藝術採集計畫《按了兩次的空白鍵》展覽，從「我自己」為核心出發，藝術家透過內在踏查，採集專屬日常。

本次展覽延續過往精神，跳脫象限限制，採集創作者自我經驗，透過藝術語言間接書寫、創作。經驗是體驗、是觀察，在不長不短的人生中所獲得的心得加以應用於後續作業上，而這些以前、這些曾經，不論屬性，對於未知的自我來說，掌握著重要的關鍵。而藝術之於日常，並非首要卻也需要，當現實出現神秘難解的習題時，我們試圖使用當代藝術的語言去梳理、去靠近。

全球化帶來的各種政治、經濟、文化、平權議題，藝術能否從中引領人類走向美麗新世界？從FB、IG、YouTube等社群平台中，無限循環，害怕錯過任何事，可能是社會的新聞、朋友的消息，在真實與虛擬之間游移，「網路成癮」的我們，眼中看不見的其實是自己。「你想太多了」、「堅強一點」、「加油好嗎」各種安慰聽起來都像是自尋煩惱，資訊爆炸、步調飛快的社會氛圍中，每個人努力用自己的方式生活著，當被壓力、憂鬱、負面情緒籠罩時，卻只會獲得「脆弱」、「爛草莓」的標籤，「精神疾病」的污名化迫使自己隱藏著創傷前進，其實只想知道何時才能放棄。「家，是永遠的避風港。」，但如果我們一直停泊在此，又該如何去探索這個世界呢？「家庭關係」是親密的羈絆，也像一面鏡子反映著自己，如何與家人相伴同行，彼此擁抱，其實是個沒有標準答案的親密課題。其餘各種經驗是當自己面臨普遍性問題時所投射出來的反應，在不同的時空背景下會有不同解讀，包括「女權議題」、「身體記憶」、「意識型態」等面向都是你我值得關注的。

個體終需獨立，與原生家庭分隔、拆離出某些自己，然後追尋，矛盾難解自我的認同過程打從受精的那一刻起，關於「我」的誕生、關於「我」是誰，彷彿所有事物必然在未來的特定時間點中以偶然的形式發生。嬰兒階段是人人必經的成長歷程，成長與母體之間透過臍帶的相連，構成了《我是一座屠宰場》的視覺核心，手寫視覺工作者林熙堯延續詩人潘柏霖的長詩創作，將詩中字句以包覆的視覺圖像出發，回歸詩中字句的個人解讀。作品以紅、粉紅色彩表現，不僅說明嬰孩的生成，也與屠宰場的場景意象緊密相連。

位於頂樓的《運動學》是由王連晟在TAV頂樓花園上所製造出一件虛擬的屋頂加蓋作品，運用各種球體在空間交會，碰撞到的物質也會產生類似施工的聲響，同時藉由重複性的機械動作呼應自己的學生時代，日復一日的練習，卻有種特異的身體感與目標脫節。

李亦凡呈現的《牆.obj》是延續他過往對於影像結合雕塑的敘事方式，探究網路科技對於人們感知、速度感、知識、慾望與恐懼的型塑，思考在這網路破解感官的世代，網路與敘事的關係。

由街頭塗鴉發跡的藝術家Candy Bird，作品主題面向都市社會及邊緣性，透過作品《齒輪味炒飯》嘗試理解1942至1945年間，時值二次世界大戰前往日本應徵製造軍用飛機的一群台籍青年，這群少年工的經歷是東亞錯綜複雜命運的一部份，同時也是一段不被允許的台灣歷史，成為意識形態下的受害者，藝術家利用創作爬梳這段過去的同時，亦從中找尋連結自身的感性，並詮釋歷史循環與人類的關係。

黃至正擅長運用複合媒材，其創作不斷解構現實與自我記憶，又重組為截然不同的他者，《擱淺》聚焦於生命議題與時間感知，並以直觀的方式表述，重塑對於記憶、想像與萬物的界線。

曖曖。內含光實驗室作品《天然。人造》由蠟燭的嗅覺與視覺兩面切入，嗅覺是人類由母體發展的第一種感官，最初的生命經驗便是以此探索世界的愛與恐懼；而視覺是人類的大腦，帶領我們由黑暗進入光明，經驗世間萬物的本質，曖曖。內含光實驗室利用蠟燭勾起我們原始的感知，在這個人造的時代帶領我們回歸自然與人的本性。

另外，本次計畫時逢台北國際藝術村與澳洲亞洲聯網合作交流10週年之際，特別邀請4位曾參與台澳交流的駐村藝術家合作創作，分別為許雁婷 X 莎莉理查森（Sally Richardson）；林怡慧 X 克萊爾布什比（ Claire Bushby）。許雁婷和莎莉理查森自2015年透過澳洲亞洲聯網開啟合作緣分，四年來兩人持續合作，並計畫於今年首次合作發表。本次展出的作品《照映》，如同交流計畫的寫照，使用創作語言相互輝映、對望。

林怡慧和克萊爾布什比，則於今年透過台北國際藝術村的媒合，分別透過陶藝和編織，溫柔地訴說共有關於《茶的敘事》，誠摯邀請觀眾一同進入百里廳聆聽、對談，共享一杯茶的時光。

按了兩次的空白鍵

地點：台北國際藝術村 

展期：2019.9.28-11.03

via 台北國際藝術村

由土耳其裔新媒體藝術家Refik Anadol與文化研究者Efsun Erkılıç共同創立的DATALAND，2026年6月於洛杉磯The Grand LA正式開幕。該美術館不僅展示AI創作，更希望打造一座持續生成並與觀眾互動的文化場域，重新思考人類、科技與藝術之間的關係。

一座結合資料、藝術與科學的智慧文化平台

不同於傳統美術館以展示歷史和典藏作品為核心，DATALAND將「資料（Data）」視為新的藝術媒材。館方提出「活的美術館（Living Museum）」概念，試圖重新定義數位時代的藝術表達方式。

以創作資料藝術的新媒體藝術家Refik Anadol成長於伊斯坦堡，受《銀翼殺手》啟發，長期探索科技、記憶與空間的關係。創立跨領域工作室後，他在2016年獲選為Google的AI駐村藝術家，並透過作品《Archive Dreaming》運用AI將龐大資料轉化為沉浸式藝術，持續探索機器學習、記憶與現實的邊界。今年開幕的DATALAND是工作室成立十年的里程碑，希望打造一充滿動感與變幻的互動空間。

延伸閱讀：專訪土耳其藝術家Refik Anadol：MoMA典藏作品到全球首座AI博物館，如何以數據美學掀起當代文藝復興？

而DATALAND除了舉辦展覽，其願景不止於藝術館本身。未來將建立一涵蓋各類AI藝術作品的綜合館藏，鼓勵藝術家駐村，並提供教育計畫與研究平台，串聯藝術家、科學家、研究機構及科技產業等各界人士，期望成為探索AI藝術與文化的重要據點。

值得一提的是，館方特別強調所有AI模型皆建立於合法授權與公開合作的資料來源，並將透明的資料治理與環境保護視為重要發展方向，希望回應生成式AI在版權、資料使用、創作倫理與二氧化碳排放上的討論。

首檔展覽《Machine Dreams: Rainforest》帶你走進沉浸式熱帶雨林

開館首展《機器夢想：雨林（Machine Dreams: Rainforest）》橫跨五個展區，透過人工智慧、即時運算和可穿戴裝置，結合光影、聲音、氣味與互動感測，打造沈浸式的多感官體驗。每一次演算都可能因時間、環境和觀眾互動而產生不同畫面，植物、光影、色彩與森林景觀皆隨著AI運作不斷變化，讓觀眾不只是觀看作品，更是走進一座由資料生成的12億像素數位雨林實境，添加展覽的趣味和多樣性。

光影、聲音、氣味交織，打造多重感官體驗

DATALAND強調身體與空間的互動。挑高展廳以360度投影，搭配雨林環境錄製的自然聲景、低頻音場與森林氣味，營造出宛如置身熱帶雨林的沉浸式體驗。

展覽亦設置「Data Tunnel」，以可視化資料與互動展示，揭示AI如何從龐大的資料中學習和分析，再生成眼前的影像。觀眾除了欣賞作品，也能理解資料如何一步步轉化為藝術，進而思考科技與自然之間的全新關係。

此主題延續Refik Anadol近年持續關注的自然議題。團隊以自行開發的AI模型 「Large Nature Model（LNM）」為基礎，運用Smithsonian、Cornell Lab of Ornithology、iNaturalist與倫敦自然史博物館等機構授權的自然資料，以及實地走訪全球熱帶雨林後蒐集的環境資訊，讓AI學習森林的紋理、聲音、生態與氣候，生成介於真實與想像之間的自然景觀。

重新定義未來美術館

近年來，Refik Anadol持續關注人工智慧是否能成為新的創作語言。在 DATALAND，觀眾得以進入作品之中，影響畫面的呈現，也能彷彿身臨其中地感受作品營造的環境，同時享受視覺、嗅覺、聽覺與觸覺結合的盛會。藝術的邊界正持續被改寫，或許在今日的數位時代，我們都將參與這場人類、自然與科技共同創作和碰撞的感官饗宴。

《Machine Dreams: Rainforest》

時間：即日起至2027年1月31日

地點：DATALAND（The Grand LA）

地址：100 S Grand Ave, Los Angeles, CA 90012, USA

網站資訊請點此

資料來源｜DATALAND、Related Companies

美國當代藝術家James Turrell的常設作品《As Seen Below – The Dome》，於2026年6月19日在丹麥ARoS美術館正式登場。這件高16公尺、直徑40公尺的《As Seen Below》，更是James Turrell第100件的「Skyspace」系列作品，別具意義。

探索光、空間與人類感知

1943年出生於洛杉磯的James Turrell，在年輕時取得飛行員的執照，長時間的飛行經驗，讓他深受天空、光線與感知變化吸引。他曾將飛行形容為一種近似冥想的經驗：置身於天空的遼闊之中，感受光線與色彩隨著高度、時間與天氣不斷流動。而這些經驗深刻形塑了他對「空間」與「光」的理解，同時成為他創作的靈感來源，也得以打造出挑戰人類現實感知的作品。

“Flying taught me to value the horizon as an important boundary between earth and sky. It’s this line I try to work with in many of my pieces.”（飛行教會我重視地平線，因為它是大地與天空之間一條重要的分界線。在我的許多作品中，正是圍繞著這條線進行創作。）

觀看這個行為本身就是藝術品

而James Turrell最具代表性的「Skyspace」系列裝置作品，是在空間頂部設置大型圓形開口，以框住開放的天空。這些經過精密設計的建築空間，營造出靜謐的氛圍，邀請觀者感受自然光線不斷變化的色彩與質地。如今，他的Skyspace系列作品遍布世界各地，持續引領人們放慢腳步、以全新的方式感知世界。他說，「建築將天空拉近，於是你意識到，『觀看』這個行為本身就是藝術品。」（The architecture brings the sky close, so you realise that the very act of seeing is the artwork itself.）

最大規模Skyspace作品登場

這件位於丹麥ARoS美術館的《As Seen Below – The Dome》，高16公尺、直徑40 公尺，也由於其規模、完成度與獨特表現形式，James Turrell將其形容為他至今最具企圖心的Skyspace作品。觀者可先經由地下通道進入作品，接著步入壯觀的室內穹頂空間；James Turrell標誌性的光線設計將覆蓋整個空間，同時透過上方的巨大開口，將天空收納進視野之中。

如何體驗《As Seen Below》？

而《As Seen Below》主要有3種觀看模式：在「Open Sky」模式下，巨大的穹頂空間顯得無邊無際，展現出開闊的天空視野；上方的圓形開口將把天空轉化為一幅不斷變化的生動畫布。「Colour Shift」將封閉天空的開口，使觀看的重點從天空轉向光與色彩本身；在這裡，光不只是照明工具，而是既塑造空間，也滲透於空間之中的具體存在。

在晝夜交替時分登場的「Twilight」模式中，穹頂開口將敞向天空，空間內的光線則隨著日出與日落緩緩轉換色彩，與自然光的變化相呼應。James Turrell透過空間中流動的色調來重塑人們的觀看情境，使天空的顏色彷彿也隨之流轉、時刻變幻。也正如他所說：「我可以把天空變成任何你想要的顏色。」

資料來源｜ARoS