2019 TAV藝術採集計畫延續台北國際藝術村（Taipei Artist Village，簡稱TAV）作為「台北藝術進駐」（Artist-in-Residence Taipei）的基地，藉由藝術家短期駐村的過程，穿透、轉化、暫離。今年2019藝術採集計畫《按了兩次的空白鍵》展覽，從「我自己」為核心出發，藝術家透過內在踏查，採集專屬日常。

本次展覽延續過往精神，跳脫象限限制，採集創作者自我經驗，透過藝術語言間接書寫、創作。經驗是體驗、是觀察，在不長不短的人生中所獲得的心得加以應用於後續作業上，而這些以前、這些曾經，不論屬性，對於未知的自我來說，掌握著重要的關鍵。而藝術之於日常，並非首要卻也需要，當現實出現神秘難解的習題時，我們試圖使用當代藝術的語言去梳理、去靠近。

全球化帶來的各種政治、經濟、文化、平權議題，藝術能否從中引領人類走向美麗新世界？從FB、IG、YouTube等社群平台中，無限循環，害怕錯過任何事，可能是社會的新聞、朋友的消息，在真實與虛擬之間游移，「網路成癮」的我們，眼中看不見的其實是自己。「你想太多了」、「堅強一點」、「加油好嗎」各種安慰聽起來都像是自尋煩惱，資訊爆炸、步調飛快的社會氛圍中，每個人努力用自己的方式生活著，當被壓力、憂鬱、負面情緒籠罩時，卻只會獲得「脆弱」、「爛草莓」的標籤，「精神疾病」的污名化迫使自己隱藏著創傷前進，其實只想知道何時才能放棄。「家，是永遠的避風港。」，但如果我們一直停泊在此，又該如何去探索這個世界呢？「家庭關係」是親密的羈絆，也像一面鏡子反映著自己，如何與家人相伴同行，彼此擁抱，其實是個沒有標準答案的親密課題。其餘各種經驗是當自己面臨普遍性問題時所投射出來的反應，在不同的時空背景下會有不同解讀，包括「女權議題」、「身體記憶」、「意識型態」等面向都是你我值得關注的。

個體終需獨立，與原生家庭分隔、拆離出某些自己，然後追尋，矛盾難解自我的認同過程打從受精的那一刻起，關於「我」的誕生、關於「我」是誰，彷彿所有事物必然在未來的特定時間點中以偶然的形式發生。嬰兒階段是人人必經的成長歷程，成長與母體之間透過臍帶的相連，構成了《我是一座屠宰場》的視覺核心，手寫視覺工作者林熙堯延續詩人潘柏霖的長詩創作，將詩中字句以包覆的視覺圖像出發，回歸詩中字句的個人解讀。作品以紅、粉紅色彩表現，不僅說明嬰孩的生成，也與屠宰場的場景意象緊密相連。

位於頂樓的《運動學》是由王連晟在TAV頂樓花園上所製造出一件虛擬的屋頂加蓋作品，運用各種球體在空間交會，碰撞到的物質也會產生類似施工的聲響，同時藉由重複性的機械動作呼應自己的學生時代，日復一日的練習，卻有種特異的身體感與目標脫節。

李亦凡呈現的《牆.obj》是延續他過往對於影像結合雕塑的敘事方式，探究網路科技對於人們感知、速度感、知識、慾望與恐懼的型塑，思考在這網路破解感官的世代，網路與敘事的關係。

由街頭塗鴉發跡的藝術家Candy Bird，作品主題面向都市社會及邊緣性，透過作品《齒輪味炒飯》嘗試理解1942至1945年間，時值二次世界大戰前往日本應徵製造軍用飛機的一群台籍青年，這群少年工的經歷是東亞錯綜複雜命運的一部份，同時也是一段不被允許的台灣歷史，成為意識形態下的受害者，藝術家利用創作爬梳這段過去的同時，亦從中找尋連結自身的感性，並詮釋歷史循環與人類的關係。

黃至正擅長運用複合媒材，其創作不斷解構現實與自我記憶，又重組為截然不同的他者，《擱淺》聚焦於生命議題與時間感知，並以直觀的方式表述，重塑對於記憶、想像與萬物的界線。

曖曖。內含光實驗室作品《天然。人造》由蠟燭的嗅覺與視覺兩面切入，嗅覺是人類由母體發展的第一種感官，最初的生命經驗便是以此探索世界的愛與恐懼；而視覺是人類的大腦，帶領我們由黑暗進入光明，經驗世間萬物的本質，曖曖。內含光實驗室利用蠟燭勾起我們原始的感知，在這個人造的時代帶領我們回歸自然與人的本性。

另外，本次計畫時逢台北國際藝術村與澳洲亞洲聯網合作交流10週年之際，特別邀請4位曾參與台澳交流的駐村藝術家合作創作，分別為許雁婷 X 莎莉理查森（Sally Richardson）；林怡慧 X 克萊爾布什比（ Claire Bushby）。許雁婷和莎莉理查森自2015年透過澳洲亞洲聯網開啟合作緣分，四年來兩人持續合作，並計畫於今年首次合作發表。本次展出的作品《照映》，如同交流計畫的寫照，使用創作語言相互輝映、對望。

林怡慧和克萊爾布什比，則於今年透過台北國際藝術村的媒合，分別透過陶藝和編織，溫柔地訴說共有關於《茶的敘事》，誠摯邀請觀眾一同進入百里廳聆聽、對談，共享一杯茶的時光。

按了兩次的空白鍵

地點：台北國際藝術村 

展期：2019.9.28-11.03

via 台北國際藝術村

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展