一處老宅，安靜地在一座城裡等待。

一座城市，之所以被人們感受而顯得偉大。

通常不會因為那些高聳入天的摩天大廈與重大交通及公共建設，而是那一棟棟記錄著文化歷史的建築與生活記憶，被留了下來。這些老屋連結了過去與現在，不會只是表面上的懷舊，更深刻的部分是因為潛在的內涵而影響著長遠的未來。在時間的滾滾巨流裡我們嘗試著退後一步觀看，看見人們因族群安全需求形成聚落，聚落建築守護群體形成文化，不同的背景成就不同國家不同城市裡的居住空間特色，歲月流逝讓建築從曾經的當代一直走向前，終於到了被認為是過去文化的現代。

我們居住的表象進步社會裡，總是不斷地在老建築保存與拆除改建中拉扯，當老房子無法創造價值與生活脫節時，那麼其他商業的需求大過於這些有著無形與有形意義的建築時，那些過去的美好因為無法被群體認同，便無法留下而消失殆盡。因此，老屋新生的運動不只要創造商業價值的增長，也該同時推動居住在老屋美好生活的價值存在。「如果住宿只要是有張乾淨的床就行了，那家呢？透過一個老房子，我們可以談家庭、談生活、談歷史、談過去與現在、然後想像共同擁有的未來。或許，我們大家能從老房子中看到些什麼、想到些什麼，突然間記起來自己遺失了什麼？」這段話是2008年的訪談紀錄，關於那年創立老房子事務所與完成謝宅改造的想法。 

我們認為在一個對過往歷史和常民生活的尊重和感動的社會裡，才能產出好的創意和設計，擁有打動人心的價值。當文化的保存隨處都是，創意設計就能百花齊放。一間老屋不該只是修舊如舊，更該思考與時俱進的加入新的生命。有些值得珍惜的部分不見得會以實體而傳承出現，而是精神層面的代代相傳。讓人們喜歡認同文化價值，且喜愛那些充滿歷史的味道，知道善用空間，懂得修繕維護。老建築再利用這條路上沒有絕對的正確解答，如何引發人們反思發想並參與討論，能越來越好便是一趟前進的旅程。

以此次得獎的作品為例，最感動人心的通常不是引入使用了多麼新穎高級的材料，而是懂得尊重周邊環境，願意透過空間去溝通與連結地方。無論是外面車水馬龍的道路，卻依舊使用小陽台創造歇息呼吸的一方天地。又或者日式的木造房舍也能被創意改造，讓裡裡外外能連成一氣，讓他人眼中的廢墟燙手山芋搖身一變，成為了人人夢想的住家場景。廢棄閒置的社區住宅內，卻藏身著以視覺攝影為主的圖書館，俐落簡單的設計善用有限資源下的材料，也能多功能的辦理著一場又一場的活動，就連鄰居孩子都能輕鬆靠近共處共榮。

► 2019台北老屋新生大獎作品開箱！生活實驗所、潮小屋、Lightbox攝影圖書室找回老屋建築溫度

「我總是在自己的歷史中拿東西，幾個資源不斷地開發，像是泉州的資源：如帆船、中藥、風水和燈籠。故鄉是我的倉庫。那時候我尋找自己的價值認同，想知道什麼是我的原生態，在藝術上我又如何讓自己的線條繪法、空間使用優於西方的長處……我覺得我要回過頭來在自己的文化裡頭找到答案。」在全球藝術圈具有知名度與影響力的華人藝術家蔡國強，談到自己創作時如是說。能夠創作出感動人心並有強大力道作品的人，莫不從自己腳下那塊土地的文化出發。無論是藝術家蔡國強、導演李安、林懷民老師與雲門舞集、優人神鼓，或者攝影師沈昭良、服裝設計師詹朴、建築師黃聲遠等，都是因為有自身文化理解轉換為強有力的支撐，也才能在國際上被認同看見發光，可見文化與創意間的依存關係和重要性。

歷史的記憶，在短短的近四百年裡，台灣更替了許多不同的政權與人種統治這塊土地。困苦的環境讓這塊島嶼上的居民學習到如何生存的能力，也在世界上創造了所謂的經濟奇蹟。但是追求快速獲利，著重眼前收益的優點也變成了缺點。短淺的思維眼光，將傳統文化的傳承與保護總是放到了最後才去重視存留的課題。倘若觀念正確，願意用同樣的付出與精神來投入努力。台灣這座位於在全世界最大的海洋與陸塊交界之處的美麗島嶼，絕對充滿了機會能夠成為全球最自由民主與友善生活的國度。

現今的台灣，從對於文化的重視度來看，進入到已開發國家的階段。可以善待土地，永續經營的文化創意產業與觀光休閒產業，將是這個小島居民可以耕耘與環境共生的工作形態。而我們都需要更有耐心一些，需要思考的比想到的範圍再多一點，因為這些當下的決定將是影響我們未來五十年，一百年後的下一個世代。從日本北海道的小樽為例，當我們看到美麗的運河與倉庫群串連讓旅行者無不喜愛。卻不知道背後的社區營造運動，已經推著將近四十年的歲月，經過數百上千場公聽會與溝通才留下這些最有價值的一塊。正所謂羅馬不是一天造成的，文化也不是虛無飄渺的東西，它就在我們身邊的建築物、日用品、語言習慣，一切眼見所及的當下，與我們的日常生活息息相關。

一座城裡的老屋新生，或許就能點燃這群人的熱情，往文化裡延燒燎原而去。

 游智維

現任風尚旅行社及蚯蚓文化整合總經理，台灣觀光策略發展協會理事長，我們創造事務所共同創辦人 ，老房子事務所創辦人，同時也是跨商業、社會與文化領域的產業顧問。長年聚焦於台灣的深度旅行，帶旅人認識美濃客家、甲仙小鎮、台南古城、石梯坪部落等。「離題旅行」把別人的人生變成自己的旅程，在麵包店體驗揉麵、在部落走入叢林狩獵、在茶園彎腰採茶。「習作假期」則試圖讓旅人找回兒時參加校外教學的好奇心及樂趣。和芳療大師同遊希臘找千年橄欖樹；騎腳踏車發現真實的峇里島生活；與百年老舖一起呼吸京都；看離島如何在藝術的魔杖下被喚回昔日光彩， 在所有改變與挑戰新型態旅行的背後，始終不變的是希望在旅行中傳達對土地的尊敬，對生活的熱愛，樂為一名永遠的旅行傳教士。

文字：游智維

照片來源： 2019台北老屋新生大獎

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}