從地理大發現時代起，由於拍照技術還未盛行，探險家為了記錄植物樣貌而發展出科學繪圖技術，至今已成為珍貴的紀實與藝術，在此邀集胖胖樹、插畫家賴嘉綾、野鳥畫家李政霖等，推薦不同取向的植物學繪本，讓大家一窺植物從藝術角度詮釋的絕美面貌！

1. 胖胖樹推薦｜《世紀蘭花獵奇》Catherine Vadon

2014年由法國出版社La Martinière出版，2018年推出中譯版，介紹關於自古以來蘭花獵人的冒險故事，作者Catherine Vadon，是法國巴黎國立自然歷史博物館演化館的科學顧問，她從18世紀英國和法國尋找異國植物的政治性策略開始說起，描述歐洲人追尋蘭花像掏金熱一般的過往歷史，與至今仍讓植物學家和收藏家著迷不已的蘭花魅力，並輔以大量歷史資料照片和蘭花繪圖，其中不乏18世紀以來稀有蘭花的照片與科學繪圖。

植物學作家王瑞閔特別推薦書中珍貴的蘭花繪圖，不過他也提醒，內文有些描述錯誤的部分，如果想更了解蘭花歷史，應該再尋找其他書籍一起參考才會更完整。

2. 插畫家賴嘉綾推薦｜《植物博物館》Kathy Willis & Katie Scott

由英國Big Picture Press 於2016年出版的植物圖鑑，作者Kathy Willis從地球誕生的8億年後最早的藻類出現說起，再延伸到木本、草本、蘭科等植物發展脈絡，並由風格強烈的年輕插畫家Katie Scott執筆，如果喜歡這個風格，別錯過2014年Katie Scott的成名作《動物博物館》，這兩本書現在都有容易取得的中譯本，繪本職人賴嘉綾說：「它是屬於圖鑑式的繪本，非常有名。另外，我自己也推薦以小故事為主軸的繪本書，像是《小兔彼得的故事》《小恩的秘密花園》書中的植物畫都很值得研究。」

《植物博物館》圖片提供◎大家出版

《植物博物館》圖片提供◎大家出版

3. 野鳥畫家李政霖推薦｜《Treasure of Botanical Art》Shirley Sherwood & Martyn Rix

這本植物畫冊是英國邱園（Royal Botanic Gardens, Kew）出版，從15世紀藥用和食用植物說起，書中收藏200多幅令人驚嘆的植物畫，還有Redouté、Ehret等知名藝術家創作，並以上頭120位藝術家傳記作結尾，揭示其作品背後的國際與歷史觀。野鳥畫家李政霖說：「可以推薦的植物畫冊很多，特別選這本是因為它收錄早期和現代各種風格植物畫，又有詳細的相關創作技法和創作概念描述。」

4. 胖胖樹推薦｜《蘇利南昆蟲之變態》Maria Sibylla Merian

作者瑪麗亞．西碧拉．梅里安於17世紀出生德國、移居荷蘭，並前往南美洲研究熱帶美洲動植物，身兼探險家、博物學家與畫家多重身份，1705年出版《蘇利南昆蟲之變態》圖譜紀錄她當年的研究成果，植物學作家王瑞閔認為：「書中每一篇都有精美的畫，畫中包含植物與昆蟲，或是其他動物，藉由植物來介紹取食該植物的昆蟲及生態。」

17世紀就出現這樣的書籍真的很了不起，台灣近期甫推出這本書的中譯版。而台北植物園組長董景生，則特別推薦梅里安這本書由德國出版社Insel Verlag 2015年出版的德文版本《Das Insektenbuch》，對於書中「展示植物和昆蟲的時空關係」這點非常肯定。

5. 其他推薦｜《Illustrations of the Natural Orders of Plants》Elizabeth Twining

圖鑑用了Augustin-Pyrame de Candolle分類方式 ，即是以植物特徵歸類，來完成這本植物圖集。而美國設計師Nicholas Rougeux則藉由數位修復技術，將圖鑑內一幀幀已經褪色泛黃的影像優化，並製作成網頁版圖鑑，運用現代科技提供便利研究方案。其在製作數位圖集時，特別利用箭頭虛線，串連相同特徵植物間的關連性，不僅保留了原先圖鑑分類的珍貴資料，同時也讓使用者能輕易深入了解植物特徵。(網站點此進 https://www.c82.net/twining/plants/ ）

6. 其他推薦｜《江戶時代的動植物圖譜》狩野博幸  

以障壁畫、屏風畫聞名的日本最大畫派──狩野派，對於動植物的寫生圖貢獻良多。狩野派的代表人物如狩野探幽、狩野永德等皆將實物寫生、臨摹視為重要的日常功課，留下大量珍貴作品。《江戶時代的動植物園圖鑑》則收錄出自42幅圖譜中共500張珍貴工筆彩圖，不但具有藝術價值，在照相技術尚未發展普及的年代，如此精細的圖畫紀錄無疑是認識當時生物樣貌的重要參考資料。 

書中分為植物、鳥類、野獸、昆蟲和魚貝等類別，舉凡原生、外來、培育的物種均涵蓋於內；以用途而言包括藥材、食用蔬果、觀賞動植物等多類物種。在表現上，融合繪浮世繪及西洋畫的技法，藉助木刻版畫及臨摹描繪方式，對每種動植物的形象精準描繪，藥材各部分細節的描繪更為詳盡。(更多詳細介紹點此進)

文｜詹筱苹、Ian Liu

圖片提供｜各單位

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展