還記得2016年日本動畫電影《你的名字。》嗎？如果你對動畫中表現人物互動的唯美背景留下深刻印象，那麼看到出生波蘭、同時也為電影背景美術的插畫家Mateusz Urbanowicz用其筆畫訴說街景故事的水彩插畫作品，一定也會有種似曾相識的既視感！

目前在江之島定居的Mateusz Urbanowicz有著插畫家和美術場景師的雙重身分，本科原是研讀電機工程的他，曾在新海城所執導的長篇動畫《你的名字。》中擔任背景美術，當初因抱持著繪畫夢想，在2014年申請神戶藝術工科大學獎學金後來到日本求學，躍身投入在鑽研動畫創作。

往後好幾年，Mateusz Urbanowicz熱衷於動畫背景的繪製，他對日本視覺文化所蘊含的豐富藝術性深深著迷，尤其是日本動漫極度風格化的畫風。在東京的動畫工作室擔任全職的背景美術期間，他開始著手計畫，以擅長的水彩描繪出給了他創作靈感的東京城市樣貌。

「過去所有我曾在日本動漫中看過的景色，一口氣在我眼前鋪展開來。我感覺自己彷彿回到熟悉但遺忘已久的地方，而不是全新的陌生之地。這種奇異的懷舊感，就好像我知道轉角處有什麼，但是當真正走到了那裡，一切都比我想像的更有趣。」2016年Mateusz Urbanowicz動筆畫了一系列吸引他停駐目光的東京老鋪，並陸續將「東京老鋪」插畫放上網路連載，受到廣大迴響因而催生《東京老鋪》這本令人愛不釋手的作品集。

《東京老鋪》收錄了其中50家店鋪：日本推理之父江戶川亂步鍾愛的天婦羅老店、潮店雲集的表參道巷弄內的超人氣老舊漢堡店、傳統日式工法建造的洋酒鋪、和洋折衷式外觀的壽司店、仿歐風建築的照相館、秋葉原鐵道橋下的電子零件專賣、知名的佃煮料理專賣店店…這些散步東京老街區常見的人文景象，經由Mateusz Urbanowicz細膩筆觸一筆一畫勾勒出來，呈現出老鋪街道的迷人氛圍與溫度。

在動筆之前，Mateusz Urbanowicz會親赴店家取景，藉由與店家的談話了解店鋪的故事脈絡，累積想法同時也提升了創作的厚度，「對一般東京人而言，這些店鋪僅是日常都會背景的一隅。我猜想，生長並來自不同文化，同時又是藝術家的身分，賦予我截然不同的新鮮觀點，因此較容易注意到這些事物吧。」

這些Mateusz Urbanowicz筆下的東京老店鋪，大部分都闢建於二戰後（1926-1989年的昭和時期），基於對東京店鋪建築和日本職人精神的好奇，推動他展開更大型的繪製計畫，「我在2016年最初畫下的十家店鋪，其中有三家已經不復存在，有的歇業，有的則被拆除。製作這本書的用意之一，就是為了點出這些店鋪（以及其他類似的店家）的可看之處，讓它們被注意到，進而被珍視。我也希望更多這類寶貴的店鋪能夠被保存下來。」

 

 

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Mateusz Urbanowicz（@mateusz_urbanowicz）分享的貼文 於 PST 2018 年 2月 月 15 日 上午 2:35 張貼

 

 

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Mateusz Urbanowicz（@mateusz_urbanowicz）分享的貼文 於 PST 2016 年 3月 月 5 日 下午 10:22 張貼

從2016年執筆至今，Mateusz Urbanowicz仍不懈怠地進行這項藝術計畫。目前他的個人網站和Instagram除了放上《東京老鋪》以及《東京夜行》（以夜晚的東京街巷奇景為主題）等系列作品，也會不定期更新以東京街頭想像為概念的最新創作「New Storefronts」。

花店、麵包店、美術用品店、修車廠…在New Storefronts系列當中，Mateusz Urbanowicz翻轉了東京原本真實卻平淡無奇的城市景象，他將以往的樸拙用色改為糖果色調，為這些「想像中的現代東京店鋪」增添繽紛時髦的吸睛元素。談及這個系列的創作理念，Mateusz Urbanowicz表示，伴隨著時代更迭，傳統日式建築逐漸被翻新，城市氛圍產生了與時俱進的變化，然而在接納東西方新舊文化的熱鬧東京，背後更蘊藏人們對於地方的情感。

「透過在Youtube與大家分享我的創作歷程，也因為和粉絲交流過程，激發了我繪製這些插圖的想法，我的目標是希望有一天，這些店鋪在現實生活中是可以實際存在的。即使這些新創建的場景中沒有人的出現，也不會只是一幅漂亮的圖像。」

身為一名資深東京迷，Mateusz Urbanowicz用繽紛色彩紀錄下東京大街小巷的迷人風采，有別於速食插畫的溫暖質地，畫中充滿精緻的細節，令人有如實地遊走在繁華東京街道的奇幻感，多看幾遍都不會膩！

Mateusz Urbanowicz陸續也將繪製這些插畫作品的心路歷程上傳至Youtube，若你喜歡他充滿真誠且細膩的作品，可以造訪他的個人網站或追蹤Instagram，也順勢敲碗一下，期待下一本新作品問世。

Mateusz Urbanowicz

官網 | IG | Youtube

想看更多Mateusz Urbanowicz精彩細膩的東京老建築作品內容，皆在積木出版《東京老鋪：Mateusz Urbanowicz 手繪作品集》

text / Daisy Yang

via / My Modern Met、Mateusz Urbanowicz

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展