解析香奈兒CHANEL N°5!空明朝體設計師許瀚文微觀字體的設計

香奈兒CHANEL N°5香水100週年,大家也對N°5的樣貌略有印象,但可曾認真思考過,「5」這個字型,從文化到設計上細緻而微的意義?這裡邀請年初才在嘖嘖集資平台上,達成2千萬全部解鎖目標的空明朝體設計師許瀚文,從他對字體研究的專業角度,剖析「5」的字型演繹與應用、字型工藝,以及香奈兒將「5」作為永恆女性的象徵等,看他如何梳理字體的脈絡,以及潛藏在字體中的奧妙。

很喜歡「5」呢。「5」的造型,像受過現代主義薰陶的藝術品,先是一筆到尾寫好頂部,然後筆勢垂直轉下,以手腕的圓弧運筆完成字形。有趣的是,既沒有像「2」的底座,也沒有像「7」的單腳,「5」下方的圓形撐起方正的底部,和我們物理常識相反,像是Garamond 字型永恆的「5」(圖1);書法大師Herman Zapf 的 Zapfino「5」(圖2)就好像在告訴我們,它是誕生於人類美感思考時空中的抽象物。

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(圖1)Garamond 字型的「5」。

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(圖2)由書法大師Herman Zapf 所創 Zapfino字型的「5」。

文化演繹的字型應用

印象最深的「5」,算是家附近長年站著的路牌。香港在1960年代就全面換成英國製的「Transport」道路字型路牌(圖3)。據稱是高辨析度的字型設計,當時英國政府透過構思一套理想字型減短駕駛者看路牌的時間,達成降低開車風險的意圖。不過,最讓字型愛好者津津樂道的,是「Transport」的字母和數字,看起來就跟設計師Margaret Calvert一樣親和力滿載。作為平面設計師,她對「5」字的線條繪畫和粗細控制或許不算專業,不過除了那大大的肚子外,略短的收尾今天看起來也充滿喜感。除了應用多年來相安無事,「Transport」還還散發著獨特的魅力,難怪近年也被採納成為英國政府的官方字型。

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(圖3)英國製的「Transport」道路字型路牌。

同一件事上,歐洲另一方的瑞士有截然不同的做法。說來不意外,一如德語地區普遍認真的做事態度,字型大師Adrian Frutiger的路標字型「Frutiger」(圖4),擁有最為精煉的「5」字比例,絕妙的佈白平衡,融入像手寫的運筆線條,搭配清晰俐落的造型輪廓,自然為觀者消除找尋資訊的壓力,可以放鬆在機場喝個咖啡─它的「5」很眼熟嗎?對的,「Frutiger」字型就是在1960年代為機場指標系統而設計,到今天仍然高高掛在巴黎戴高樂機場、倫敦希斯路機場5號航廈。無奈地我們已快忘記多久沒去過機場,不過稍後台北捷運將會用上Frutiger先生和小林章先生合製的「Neue Frutiger」字型,撐起我們日常的通勤生活。

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(圖4)字型大師Adrian Frutiger的路標字型「Frutiger」。

字型的工藝

平日看到個子高高的「5」字,在排版中稱為大寫數字(lining figures),因為跟大草字母高度一樣而得名。大寫數字的應用,有利於強調篇章裡的數字資料,像金融財經、科學文教書籍就很管用。不過有時候,我們並不需要數字看起來「聲音很大」,所以也有小寫數字的存在(oldstyle figures),根據數字的形體畫成像字母的上下起伏,像「5」就是沉到底線(baseline)下,這樣排版起來數字就不會突兀。小寫數字優美,像「Scala Sans」的小寫數字今天也常見於頁數排版,書本的目錄頁也變得活潑雅緻(圖5)。

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(圖5)「Scala Sans」的小寫數字。

「5」也會想起「五」字嗎?中文的「五」上下兩劃的原始意義是「頂天立地」,「五」也曾是古人的象限數(像是五行),那麼天地必須舒張,感覺豁然開朗,字才會好看。同在歷史長河中,「5」傳承自西阿拉伯語,在一千多年時日的雕琢,遂漸演化成今天優美的造型(圖6)。當我設計「空明朝體」的「五」字時,凝視橫劃跟大肚子,的確讓我想起了它和「5」之間共通。只是「五」並不需要依靠肚子去站,所以「空明朝體」的「五」字可以收起肚子,感覺比較秀氣一點呢。值得一提是無論「5」還是「五」,左邊斜劃也是斜的,這樣才騙得過眼睛,看起來字才穩固,這正是工藝產生作用的所在。

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(圖6)中文的「五」與數字「5」左邊斜劃均是斜的,具有穩定視覺感受的作用,也正是工藝的精妙之處。

永恆女性的「5」

從平面視覺探索回到現實,字型讓人印象深刻,往往是因為幸運地與銘品配合。CHANEL在100年前發表了「N°5」香水,它一如香奈兒女士的獅子座性格,活潑、性感、迷人,100年不變的專情,刻劃出其中一種的女性最美。細心搜索,發現「N°5」瓶子的標記跨越時空,至今沒有大改動,仍然是那一套無襯線體。(圖7)能想像1921年的時空,一戰後西方封建社會分崩離析、民主社會還沒跟得上的大時代,當世人還沉浸於襯線體的保守舒適圈中,「N°5」的標記就是新時代、新女性宣言。香奈兒女士的視野要比誰都開闊,不過直至它面世的7、8年後,才有經典的「Futura」、「Gill Sans」無襯線體出現。經過100年的醞釀,「N°5」和它的「5」早已成為銘品,香水和字型既保留了當天的氣質,也調適至今天的美學需求,保持獨特的態度繼續成為女性香水的典範。

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CHANEL於100年前發表了「N°5」香水,瓶子的標記至今沒有大改動,仍然是那經典的無襯線體。

文、圖片提供|許瀚文

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詳解《可憐的東西》超現實美學!在布達佩斯造4座微型城市,90%以搭景、微縮模型拍攝的大製作

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計

2024農曆年間,台灣社群被年菜和電影《可憐的東西》(Poor Things)洗版。戲中艾瑪・史東(Emma Stome)披著過腰的黑色長髮、身著維多利亞時代服裝穿梭各地,雕塑感澎袖、蕾絲荷葉邊、打褶裙擺⋯⋯與她身後的奇異城市景觀相映成趣。

這個遊走於虛實之間、充滿拼貼美感的世界,由導演Yorgos Lanthimos與電影美術指導James Price、Shona Heath構思而成,當中藏有許多呼應角色性格的設計思考,以及從名畫、名建築汲取的創作靈光,且讓我們一一拆解。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
艾瑪・史東(Emma Stone)飾演貝拉(Bella Bexter)© Searchlight Pictures
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© Searchlight Pictures

亮點整理

 ❍ 200頁的設計檔案,充滿名畫家給的靈感

❍ 導演說「盡量別用CGI」

❍ 在布達佩斯造4座歐、非城市

倫敦|從角色的個性出發,在倫敦索恩博物館找點子

里斯本|援引建築師Ricardo Bofill風格,拒絕「一致性」

船|用細節構築海上巨籠

亞歷山大|用微縮模型呈現一座人間煉獄

巴黎妓院|充滿惡趣味的「復古夜總會」

❍ 創造新美學的野心——「用當今技術製作一部1930年代風格電影」

 

  以下內容含大量劇透,請慎滑!  

 

一場19世紀末的怪誕冒險

《可憐的東西》背景設定在19世紀的歐洲,外科醫生葛德溫(Godwin Baxter)偶然在河濱找到一名瀕死的漂亮女人,並對她進行移植手術,展開一場醫學實驗。從此女人有了新的身份——貝拉(Bella Baxter),外表看似是成熟女子,心智卻是懵懂的嬰孩;平時只在貝克斯特大宅內生活,凡事都聽醫生的,對門外的世界一無所知。然而,一切在醫學院學生麥克斯(Max)和風流男子鄧肯(Duncan)的出現後有了變化,貝拉踏上一場探索世界的旅程,用孩子般純淨、無畏、充滿好奇的眼與心觀察、感受世界,建立屬於自己的生活。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures
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威廉・達佛(Willem Dafoe)飾演葛德溫(Godwin Bexter)© Searchlight Pictures

以家鄉倫敦為起點,貝拉走過里斯本、亞歷山大、巴黎,途中還被騙上一艘大船困在海上,最後輾轉回到倫敦。在設計場景時,James Price與Shona Heath貼合劇本超現實、怪誕的調性,並從貝拉的人物設定出發,試想一個「孩子」眼中的世界會是什麼模樣?

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures
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© Searchlight Pictures

200頁的設計檔案,充滿名畫家給的靈感

兩人第一步先與導演對焦,取得幾位畫家的創作風格當線索,包含16世紀荷蘭名家Hieronymus Bosch,他以複雜的構圖著稱,常透過惡魔、半人半獸、機械等形象,描繪人類世界的罪惡與道德沈淪;以及20世紀初期的愛爾蘭畫家Francis Bacon,他的畫中常見扭曲的人類輪廓,如惡夢中所見的暴力、幽暗景象,帶有極為黑暗的視覺張力。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
Hieronymus Bosch〈人間樂園 The Garden of Earthly Delights〉。(圖片來源:Wikipedia Commons)
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Francis Bacon〈Study after Velázquez's Portrait of Pope Innocent X〉

佈景中也洋溢荷蘭版畫藝術家艾雪(Maurits Cornelis Escher)的構圖風格,被譽為一代錯覺藝術大師的他,將幾何元素、變形結構玩得淋漓盡致,擅長在平面中創造多重空間的錯覺,像是一名對觀眾的視覺施以詭計的魔術師。最終,這些腦力激盪的成果匯集成一曡約200頁的設計檔案,成為《可憐的東西》世界的基礎。

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Maurits Cornelis Escher〈上下階梯 Ascending and Descending〉

導演說「盡量別用CGI」

這些超現實想像,聽來很適合用電腦繪圖(CGI)技術表現,但導演希望盡可能少用電腦特效,用貼近真實的形式呈現。於是佈景團隊在拍攝地布達佩斯,搭建一系列臨時建物,搭配眾多手繪背景、微縮模型、LED螢幕等,配合強迫透視攝影手法,在畫面中構築一個充滿立體感、層次感、沈浸感的奇幻世界。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Serchlight Pictures
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手術室佈景 © Searchlight Pictures

舉例來說,電影開頭貝拉跳河的那座塔橋,還有亞歷山大城的人間煉獄場景,實際上是微縮模型,後者大約有15公尺那麼長(聽來不「微」,但相較於真實的城市尺度的確非常小,可以想像成在「小人國」裡見到的景觀)。另外,貝拉在大船甲板上看到的風景,其實是一面彎折LED幕牆上的投影;她所見的天空,不是你我頭上的這片,而是佈景團隊為她特製的。

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塔橋模型 © Searchlight Pictures
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© Searchlight Pictures

更燒腦的是,為了滿足不同鏡位、角度的拍攝需求,設計團隊必須研究約4種不同尺度的製作物,比如拍亞歷山大城的全景時,得用微縮模型,才能一次讓觀眾看見全貌、感受整體氛圍;拍特寫又得換成符合真件大小的物件,才能把細節拍得清晰;不僅如此,還必須考量到所有製作物擺在一起的視覺效果能否達到平衡。

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© Searchlight Pictures

在布達佩斯造4座歐、非城市

看到這裡,你或許已經猜到貝拉不只擁有特製的天空,還有人們為她特製的城市——電影中的倫敦、里斯本、亞歷山大、巴黎,還有貝克斯特大宅、行駛於海面的大船,其實都在布達佩斯。這工程到底有多浩大?James Price向《The Wrap》透露,「我們一度預估匈牙利四分之三的施工人員都在參與這部電影的製作。」

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圖中的天空是一片彎折的LED幕牆 © Searchlight Pictures

接下來,我們就以倫敦的貝克斯特大宅為起點,仔細閱讀每個場景。

倫敦|從角色的個性出發,在倫敦索恩博物館找點子

這座宅邸不只是貝拉的生活空間,也是她的「再生父親」God的家。這位外表如科學怪人、醫術精湛、以理性科學家自居的外科醫生,會住在什麼樣的房子裡?James Price與Shona Heath試想,執著於醫學實驗的God,會不會把動外科手術時切割、拼接身體器官的那一套,挪用到自己的家中?於是「拼接」成為大宅、甚至是全片的視覺主軸,設計團隊將蒐集到的建築、藝術、材質等素材,盡可能地切割、重組,最後形成一個衝擊視覺的空間。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures
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© Searchlight Pictures

坐落於倫敦霍本(Holborn)的索恩博物館(Sir John Soane's Museum)成為主要的靈感來源,這裡在曾是英國建築師約翰・索恩爵士(Sir John Soane)的住宅與工作室,現則展示上萬件他所收藏的19世紀繪畫、古董、藝術品等。設計團隊從博物館內蒐集了呼應《可憐的東西》時代背景的元素,結合「拼接」概念,並考量主角的性格,著手打造貝克斯特大宅——飯廳典雅的英式餐盤牆,旁邊卻掛著冰冷的巨大金屬吊燈;紋理豐富、濃厚的牆面,與一旁極其平整、光滑的階梯形成對比;屋裡散落許多器官外型的裝飾;家裡佈置許多軟墊,避免「嬰兒」貝拉在家中受傷。

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黑白畫面重紋理,彩色畫面有寓意

電影開頭在倫敦的場景,導演Yorgos Lanthimos選擇用黑白影像呈現,起初設計團隊並不知道這個想法,但在製作佈景的過程中,常常接收到要將製作物的「質地」與「紋理」做得更強烈、濃重、鮮明的要求。事後回想,他們才領悟這是配合黑白畫面的必要修正,畢竟少了色彩的指引,物件的紋理就必須跳出來,讓畫面的立體度、對比感更加鮮明。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

畫面在貝拉踏上探索之旅後轉為彩色,設計團隊力求佈景斑斕、繽紛,與倫敦時期的黑白形成強烈對比,凸顯主角「解放」前後的經歷與心境轉折。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

里斯本|援引建築師Ricardo Bofill風格,拒絕「一致性」

里斯本是貝拉冒險的第一站,在這裡懸吊電車行駛於城市上空,經過如遺跡般的石柱和拱門、葡式花磚和雕花鐵建裝飾的復古家屋;黃磚路和有機的大理石牆突然出現一座奇幻的水族箱,襯著粉紫色的浪漫天空,大大拓展了貝拉對世界的想像。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

上面提到的一切,都被收束在長達51公尺、高18公尺的巨型佈景中,由匈牙利在地雕塑家團隊與劇組一同打造。James Price形容電影中的里斯本像座「主題公園」,其樣貌參考了大量的建築樣式,包含西班牙建築師Ricardo Bofill之作,這位以打造夢幻粉紅堡壘「La Muralla Roja」而廣為人知的大師,擅長拼貼幾何元素,總是把真實世界的建築蓋得如夢幻電影場景、AI生成的超現實畫面,彷彿將烏托邦帶到現實。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

Ricardo Bofill式的活潑、繽紛、出奇不意,為《可憐的東西》版本的里斯本帶來許多驚喜,「人造佈景容易做得制式,因為這樣更方便作業,但我們盡量避免讓畫面中有一致的元素,」James Price與Shona Heath想藉此刻畫出一座城市的真實感,多元而複雜。

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里斯本佈景 © Searchlight Pictures

船|用細節構築海上巨籠

在里斯本被騙上船的貝拉,瞬間從多彩、鮮豔的世界墜入幽暗。為了呼應劇情,這艘開往雅典的船得像是一個海上的「大籠子」,而貝拉就是被困在裡頭的小動物。大廳裡尺寸大得離譜的吊燈,還有大理石地板上那幅老虎正在殺死山羊的畫面,都讓人感受到強烈的壓迫感,幽閉又恐怖。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures
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亞歷山大|用微縮模型呈現一座人間煉獄

急著脫離束縛的貝拉,跟著新朋友離船來到了亞歷山大。在這座城市雖只短暫停留,卻對她造成深刻的影響,因為她目睹了熾熱的人間煉獄。

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© Searchlight Pictures

真實世界中的亞歷山大,是座位於埃及的港口城市,城內坐擁世界奇景之一的亞歷山大燈塔,自帶暖調濾鏡的歷史古蹟與湛藍海景相襯,形成獨特景觀。不過在《可憐的東西》中,亞歷山大被轉變為一座孤島,以長達15公尺的微縮模型呈現。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

貝拉眼中的亞歷山大,就像是一座與世隔絕的象牙塔,上是氛圍愜意的高級餐廳,下卻是一片貧瘠的血紅色砂岩景觀,遍佈靈感汲取自Hieronymous Bosch畫作《人間樂園》的奇異建築,以及飢餓難耐、在存亡之間掙扎的小人物,他們在崎嶇地景上苟活,令人不忍直視。

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為了將模型做得精緻,設計團隊特別翻閱了《珍寶櫃》(Cabinet of Curiosities),書中收錄了各式古董雕刻,有做工極其細緻的礦物、鱷魚、珊瑚工藝品等。這些瑰麗而富含工藝價值的收藏,多來自過去在歐洲擁有強大勢力、在文藝復興時期扮演關鍵角色的義大利麥地奇(Medici)家族,以及位於德國德勒斯登、收藏大量巴洛克及古典主義時期珍寶的綠穹珍寶館(Grünes Gewölbe),極盡華美。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
亞歷山大城模型 © Searchlight Pictures

巴黎妓院|充滿惡趣味的「復古夜總會」

視線來到影響貝拉最為深刻的城市——巴黎,作為關鍵場景的妓院充滿了惡趣味。印象中,歐洲妓院總是紅通通的,在James Price眼中像是女人的子宮,片中刻意打破印象,讓空間略帶點藍、紫色調,「像是1990年代的夜總會。」

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妓院挑高的大門與玻璃窗是巨大的陰莖形狀,電燈開關則是陰蒂的形象,這些對常人來說充滿性暗示、讓人輕易聯想到色情場所的物件,卻沒有阻止貝拉大大方方、毫不羞赧地推門進入,為什麼?因為妓院對貝拉來說是完全陌生的,只是又一個尚未挖掘的酷地方。設計團隊在這施展了一點幽默感,再一次讓佈景呼應貝拉的性格。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

到底有哪些「真」的取景地?

Shona Heath推測,整部戲大約有90%的畫面都是以人造佈景、微縮模型呈現,少數的實景出現在God訓練新實驗對象費莉希蒂(Felicity)的那片樹林。不過劇組還是頑皮了一下,刻意在林中安插了一棵傾斜45度的巨大樹木,讓看似開闊、真實的自然場景中,仍透露著一點不協調與怪誕感。

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© Searchlight Pictures

創造新美學的野心——「用當今技術製作一部1930年代風格電影」

看完《可憐的東西》,你會如何形容片中美學?兩位美術指導在接受英國版《VOGUE》專訪時提到,人們或許會最快聯想到「蒸氣龐克」(steampunk),這是一種流行於1980至1990年代的科幻題材,常以維多利亞時代時代為背景,極度放大「蒸汽科技」對人類所造成的影響,創建出一個依賴機械的架空世界。不過,他們拒絕(reject)這樣的描述,期待人們看見的是「Bella眼中所見奇幻、冒險、超現實的混雜(magpie)世界。」

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
巴黎佈景 © Searchlight Pictures

不想被既有的名詞定義,或許源自Yorgos Lanthimos、James Price與Shona Heath三人的野心。最初定調電影美學時,他們的設想是「用現在的技術做出一部1930年代電影」,立意並不是要讓《可憐的東西》看起來像是1930年代的產物,而是要讓電影具備那年代的美感,同時看得出是用2020年代的技術製作;因此劇組並沒有按照當時流行的風格、材料打造佈景,而是以「拼接」手法創建,「如此一來就能創造出一種嶄新的美學,」James Price在接受《Dezeen》專訪時說道。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

最後,必須謝謝攝影師

導演和設計師的想法,有沒有打動觀眾?我想答案是肯定的,應不少人是因為在社群上滑到劇照,先被視覺吸引,而決定買票進戲院;畢竟看大製作,大螢幕才夠過癮。我們能夠看見那麼多關於美術的細節,或許就如James Price向英版《VOGUE》說的,要感謝導演和攝影Robbie Ryan選擇用大量的超廣角鏡頭拍攝,讓成品得以呈現大部分的佈景,「很多時候工作人員(在最終畫面)看不見自己90%的創作,這次卻有將近80%的作品都會被看到,這真的很酷!」

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
妓院佈景 © Searchlight Pictures

《真寵》和《單身動物園》之後,Yorgos Lanthimos的最佳代表作

在眾人意料之中,《可憐的東西》風光入圍第96屆奧斯卡金像獎共11個獎項,當中毫無懸念有「最佳導演」、「最佳攝影」與「最佳藝術指導」,末者將與2023年夏天上映的現象級電影《芭比》與《奧本海默》等片角逐獎項。無論得獎與否,《可憐的東西》想必會在觀眾心中留下難以抹滅的印象,甚至讓人們日後看見類似的美學呈現時,將脫口而出形容「這很《可憐的東西》」或「這很Yorgos Lanthimos」。

詳解《可憐的東西》美術與佈景設計
© Searchlight Pictures

參考資料來源|DezeenVOGUE BritishThe WrapIndie WireArchitectural Digest

聶永真設計「南美館」五週年主視覺!吳念真大師講座、「臺南400」亮點展覽同步公開

「臺南市美術館」五週年主視覺

由日本建築大坂茂操刀的「臺南市美術館二館」,以不同尺度的白色格子堆起獨特外觀,讓南美館成為城市必訪之地。後來靠著一張「殭屍照」引發熱潮的《亞洲的地獄與幽魂》特展、頂層的通透空間「南美春室The POOL」,更成為許多人首次踏入南美館的契機。

近年表現精彩的「臺南市美術館」,2024迎來開館五週年,特別邀請聶永真團隊「永真急制」設計主視覺,以城市和場館為靈感構築「5」的意象;更請來名導吳念真開講,暢談將生活體驗融入藝術創作的心法。

聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
「臺南市美術館」五週年主視覺由聶永真團隊「永真急制」設計。(圖片來源:永真急制)

主視覺|永真急制設計,巷弄、展館、彩帶揉為一體

這是繼2023年春季展覽《拋爾控固力:島嶼現代性之夢》後,南美館二度與聶永真合作。五週年主視覺以有機線條、繽紛撞色為主體,看似簡單卻藏滿趣味。

線條的輪廓概念來自南美館1、2館展廳路徑的串聯,呼應著台南城區無處不在的巷弄,再結合具歡慶意象的彩帶,最終化簡為兩道有機線條。

聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
(圖片來源:永真急制)

設計團隊巧妙將線條拼組成數字「5」,甚至是數字0到9、26個英文字母和各式符號,為視覺延伸出極大的彈性,不僅極富趣味,也為南美館未來應用時儲備更多元、靈活的可能性。

聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
(圖片來源:永真急制)
聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
(圖片來源:永真急制)

大師講座|跨界藝術大師吳念真談創作心法

南美館慶生首波重磅活動,正是將於2月3日(六)登場的吳念真講座,這位集滿「台灣四金」金鼎、金鐘、金曲、金馬殊榮的跨界藝術大師,將以長年遊走於影視、音樂、文學領域的經驗出發,分享如何將生活體驗融入到藝術創作當中。

聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
(圖片來源:臺南市美術館)

無論是電影、劇場的劇本創作,吳念真總能貼近生活日常而引發共鳴,舞台劇《人間條件》系列尤其感動人心。南美館期待透過這場講座,啟發更多人找到感受生活的方向,並從中尋得創意靈感。

透過藝文展覽,呈現城市由裡到外的多重面貌

隨著五週年主視覺發布,南美館也公開今年的展覽計畫,其中最大亮點莫過於響應全城盛事「臺南400」的一系列展覽。即將於3月陸續登場的4檔特展,以藝術、設計為載體,呈現台南從過去以熱蘭遮城、府城為名,建城至今400年的不同面向,並想像下一個百年的城市樣貌。

聶永真設計「臺南市美術館」五週年主視覺
臺南市美術館2館。(圖片來源:臺南市美術館)

《沃克、海怪、炮火與他們:熱蘭遮堡400年》

思考殖民政權侵略所帶來的影響,也打開心胸發掘、瞭解與想像當時文化、物種與資源的交流。同時透過回望歷史來檢視當代,藉由藝術作品的表達,反思現今台灣後殖民的社會樣貌、日趨緊張的地緣政治、地區戰爭之危機、資源分配等議題。

《河神聯境.世界交陪:臺南400流域文化共筆圖》(展名暫定)

以「水體」為主題,藉由實地考察結合藝術創作,探討臺南城市發展的過程中,那些連結臺南區域的各條水脈、埤塘所發展出的流域文化。

《2024臺南400年博覽會—臺南城市展》(展名暫定)

從熱蘭遮城開始談起,探究不同時空下,臺南區域內的各種空間更迭及地貌變化,是如何對於形構臺南產生影響,同時梳理出城市接軌世界的發展。

《2024臺灣設計展》

每年設計盛事「臺灣設計展」今年來到臺南,將凝聚臺南的常民精神與生活,串聯跨世代、跨產業、跨領域、跨文化的力量,將臺南生活文化及產業,透過設計及青創能量呈現。

《2024臺灣設計展》在台南
《2024臺灣設計展》展區將分佈於臺南市美術館2館、市定古蹟西市場。(圖片來源:台灣設計研究院)

資料提供|臺南市美術館

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