從大門穿行入內，位於台中指標建案丽格的實品屋Boffi Home，以大面積的客、餐、廚公共領域，瀰漫著溫潤與俐落並濟的大器風範；這個由珥本設計陳建佑總監操刀的作品，以「分享」為主軸，將空間重心定錨於餐廳與廚房；而德國頂級廚電品牌Gaggenau，更在這場豪華宅邸陣容中，展現經典與當代場域的內斂品味，綻放頂級餐廚的美好年代。

像是被自然光譜映照著，走入Boffi Home充滿中性大地色的空間，如地中海的和煦色溫，輕盈地漫射每處角落，內斂地襯出全室充滿溫度的風格美學，也讓講究細節處的紋理與質地，走出空間場域的底蘊。正因為建築量體位於台中城市綠廊的樞紐，24樓高的Boffi Home，也引景入室，將遠眺窗外中央山脈巒線的絕佳位置，留給4.5公尺長的Salinas中島廚房，開闊地讓所有對話、聚合與交流，都通過生活食癒注入情感。

工藝與美學的詩意協奏

承襲義大利國寶建築師Antonio Citterio打造丽格的設計基因，珥本設計陳建佑總監除了透過洗鍊而開放的設計風格，弱化了公共領域疆界，全室從廚具衛浴、家具到石材等產品，皆選用Boffi旗下品牌；而廚房則以德國頂級廚電品牌Gaggenau 200系列的爐具、烤箱、蒸烤箱與400系列酒櫃，訴說出廚具與家電融入生活美學的機能美感，藉由世紀傳承的工藝，從紋理、功能、廓型到質地，為當代廚房開啟不同凡響的型態之美。

雖說Antonio Citterio展現了建築先決的頂尖創作原力，Boffi Home在實品屋的整體佈局上，也細膩地合力呈現建築美學的室內端景，從廚房走出改變場域的催化劑，將廚房的格局，從單純烹飪，延伸到生活的溫度，不管是材質上的溫潤、還是透過工匠賦予不同紋理表情的手感溫度，這些「豐富生活溫度」的細節，也成為醞釀Boffi Home的初衷。尤其，對超過三個世紀的Gaggenau來說，從16世紀起源以來，以手工打造金屬起家的緣起，即便經歷現代家電的生產自動化，堅持透過工匠雙手去完滿產品的這件事，從來沒有改變過；這些一點一滴對工匠精神與工藝美學的致敬與傳承，也精巧地賦予產品溫度，更與Boffi Home想要傳達的精神不謀而合。

因場域制宜，Gaggenau形隨機能的恆久表述

由餐廚空間搭起的主舞台，橫貫著Boffi最有氣勢的中島焦點；這座榮獲Wallpaper設計獎與EDIDA獎"2015最佳廚房"殊榮的廚具，以天然石材、霧面黑色金屬及實木，產生迷人的層次紋理，更與Gaggenau的簡約設計語彙及頂尖工藝，匯合出質感生活的柔性律動。事實上，也因為Gaggenau對於材質的偏執講究，不管是中島區全不鏽鋼內裡選材、低調展示主人珍藏的嵌入式酒櫃，還是自18世紀以來沿用搪瓷廣告招牌材料，都能看出品牌透過材質去表現「溫度」的魅力。另外，Gaggenau更以媲美專業廚房的性能，進駐輕食區與熱炒區。像是在中島配製的感應爐，就提供了安全快速的輕食加熱選擇；內廚房熱炒區，則以併爐提供多元的料理選擇；從單雙口瓦斯爐、感應爐到BBQ燒烤爐，皆能依主人的烹煮習慣隨心組合；而全方位的蒸烤爐與烤箱，亦實踐低調俐落的頂級設計，為品味行家而生。

Gaggenau 品牌行銷梁悅慈在採訪時更說道，「透過使用者實際去觸摸、或旋轉旋鈕，實際感受Gaggenau在按壓開門的回饋力道等細節，你能感受到品牌對於各種質地和工藝的講究，以及它對生活與質感的累積；Gaggenau不管從美學還是生活機能性，都為Boffi Home注入了溫度與靈魂。」

Boffi Home精彩的廚房設計，為頂級奢華宅邸做了完美詮釋，也將熱愛生活的義大利精神直截植入。推開餐廳旁隆重的法式雙開門，場域高明地從公共空間過渡至私領域的起居室，以循序漸強的隱密性，為Boffi Home再添詩意般的空間維度……

文字 | Qbee 

圖片提供 | Gaggenau

從零打造新建物耗費資源，修復、改造正成為重要潮流。兩位曾獲 ADA 建築新銳獎肯定的建築人，分享他們為建築、為城市進行的「微創手術」，令空間更開放、更包容。

「我5分鐘就決定去台東了。」2018 年，陳哲生選擇讓事務所落腳在島嶼之東，或許是受自然環境的開闊以及與原住民族交融的人文氛圍影響，「台東有種自由包容的感覺，對事物的接受度較高，好像可以做任何想做的事。」他始終在思考建築的公共性。同樣地，這份關懷也涵納在工二建築「在地再現」的理念之中。負責人胡靖元說明，「在學術訓練中，一直強調在建築設計之外，很大一部分跟我們要盡的社會責任相關。」約莫在 2019 年，在過去實踐大學老師林聖峰的引介下，他們由新竹開始介入公共領域。

如同許多發展中的建築人，翻新案成為他們經常面對的挑戰。「既有空間思考的尺度源於過去的設計語言，要套入新尺度時就會很不容易。」胡靖元提到這關乎社會成本，現在許多案件提倡依循舊的建物進行反思，就如同近年台灣設計研究院的「學美．美學」、「工業區再設計」計畫等。「我還滿喜歡改變舊東西，讓它好像有了不同時間的堆積，形成新舊對比的張力、創造不同的時間質感。」陳哲生坦言，打造全新建築比較容易，但「以這時代來說，過往台灣房子已經快被蓋完了，翻新的確越來越成為主流。」

陳哲生｜在時間疊層上進行微創手術

「過去的時代氛圍比較拘謹，重視規律與形式，忽略人與自然的連 結。」陳哲生分享「海端鄉初來國小圖書館改建」（2023）中，當時面對由兩間教室合併而成的多功能空間，他觀察到布農族孩童非常活潑，便決定突破原有的局限感。「看到他們被關在像鴿籠般的嚴肅空間，我就想引進地景元素，創造流動性。」他融入山巒造型、運用簡約夾板設計，打造可攀爬結構與閱讀角落，小朋友可以自由延伸肢體，閱讀也成為自然輕鬆的體驗。

隨著網路資訊傳播發達，博物館開始更強調生活與體驗。像是獲ADA新銳建築獎肯定的「國立史前文化博物館建築景觀再造計畫」（2023），這座由美國著名建築師Michael Graves設計、啟用僅 20 多年的建築，展示中庭雖想營造「城市廣場」的理念，卻因動線阻隔、光線不足而未能實現。此外，建築也不符合台東氣候與在地人的需求。陳哲生表示，「南島議題在過往設計中容易被忽略，其中蘊含許多人與人、人與自然關係的哲學，然而原建築是一個封閉、局限在宮廷式紀念性很強的空間。」為解決這些問題，從地面層的山之廣場、售票大廳，他設計寬達12公尺的廊道，連接地下的展示大廳、教育空間，直至後方的景觀花園，巧妙串聯起原本各自獨立的5大主空間。他重新閱讀並強化Michael Graves的設計語彙，展示大廳同時拆除坡道與裝飾性的玉玦造型裝置，採用大面光膜模擬自然光的照拂、適度引入天光，令動線更加簡明流暢，空間也少了些肅穆、多了分明亮的親近感。

在朋友的引薦下，他也投入「建和書屋增改建」（2024）。「孩子的書屋」創辦人陳爸（陳俊朗）驟逝後，團隊決心延續這份使命，著手修建由部落耆老贈與、最初那棟40年的起家厝。陳哲生說明，他在這2層混凝土家屋一旁，以鋼構增建更具穿透感的空間，不僅創造新舊對比的趣味，材質也更符合迎向未來的永續理念。

新書屋整個90度翻轉開口面西，朝向130公尺外的Palakuan（卑南族青年聚會所），建立起書屋與部落成長祭儀的精神連結。老房2樓連通新棟，成為孩童活動的寬敞平面；1 樓規劃為中央廚房，新棟也遮蔭出半開放小廣場，歡迎社區民眾自由活動。「這更符合書屋未來20年的願景，小朋友之外，更要能照顧整個社區、孩子的家長與鄰居。」3樓則重新調整窗戶方向與觀景台，能夠遠眺到綠島。「我們特別在那裡留出一個小小空間，來紀念陳爸。」

工二建築｜「在地再現」為城市建築針灸

意外地，工二是從深具平面設計色彩的「指標系統」開始。這些物件看似尺度小，如建築理論中提到的都市針灸（Urban Acupuncture）概念，重新梳理城市的文化歷史、扮演系統性的角色，更服務新竹內外近百萬人口。他們從城市與動物園指標系統、公車站牌設計到路牌桿，學會在溝通美學與通用性之間尋求平衡。不過，從事公共案在理想與收入之間的拉扯，也迫使他們在2021年迎來重要轉折點。不同設計尺度的廣泛經驗，令他們漸漸歸納出「在地再現」的論述。胡靖元說明，「這即是用關懷的心讀懂在地精神，然後轉化成整體空間的具體表達。」即便是私人委託，他們也貫徹服務周遭環境的思考。

「新竹市體育館雨庇及館前廣場之增生」（2021）改造前，便曾經淪為家具展場。胡靖元說明，過去建築常未細想便興建，使機能很快過時。經過討論激盪，他們逐步拓展改造的邊界，從梯廳延伸增設寬廣雨棚，並將停車場轉為人行廣場，最後增加近1/3可用面積。「原本車行空間還回人本空間後，場館又活絡起來了。」此外，他們移除室內空間冗餘的元素，打開了天花板並輕羅上擴張網，讓民眾的視線可穿透至觀眾席階梯座位下方的構造，彰顯體育空間特質。他指出，公部門場館常用貼壁紙、加層覆材等方式想快速改變空間，但這只改變了表象。關鍵在於閱讀空間原本的身分，就像體育館，「我們不需要再花10億重建，只需花幾千萬就能改善這裡的品質，讓整個新竹公園成為絕佳的城市連接體。」

延續當年的規劃，「富禮國中射箭場館增建工程」與「朝山國小操場工程」（2024）已完工，成為工二目前規模最大的公共領域作品。他說明增建的射箭場採用木構，不僅是環境友善的選擇，其材質特性與輕盈的視覺效果正也呼應射箭運動。圍牆外便是濱海公路與大海，他以成型金屬浪板打造棚頂，如同摺紙般飄逸，回應在地海洋與風的意象。「浪板呈現海浪般的紋理，借用了周遭環境元素，創造出整個區域的延伸感。」這設計手法連結了他過去在「山海城串聯計畫」中的「基隆希望之丘防空洞」（2022），當時入口立面採用紅棕色魚鱗板，靈感便源自港口貨櫃吊車與船殼被海水鏽蝕的視覺印象。他們將信二防空洞比作市街內的燈塔，巧妙連接都市與山林的關係。

開放空間也開放社會

陳哲生注重空間的「打開」與「流動」，但他補充這些都是方法，「核心還是在於建立更開放性的社會，透過一個建築能夠對這個社會有影響、衝擊，然後邁向更好的模樣。」他自2018年開始參與火車站遷移後的「舊站特區」都市設計，包括「台東之眼」（2020）與進行中的鐵道市集、新生廣場「三部曲」，將過往被月台與草皮破碎區隔的空間與不同使用族群串聯起來。「公共性不是屬於特定族群，是屬於每一個人的。」 其中，他正將台東大學舊校區閒置籃球場翻新為「台東原民劇場」，並在特區西南隅從零打造「臺東縣全民運動館」，作為台東公園的門戶。他透露自己對集合住宅的開放潛力很有興趣，「當居住變得有品質且容易取得時，社會才會邁向下一個階段，變得更靈活、更自由。」

談到建築的開放性，工二建築打造的「濱海加油站」（2023）雖為國營事業私人加盟站，卻具有公共性，從建物到軟裝、標語字體等視覺元素都呈現低調簡練的美學，「這裡緊鄰魚塭，旁邊又是海邊，整體的視覺要怎麼融入地景，是我們思考的重點。」胡靖元認為，「在地再現」是這世代建築人共同面對的課題，提出這想法並不特別，但令他們更能清晰思考，無論公共或私人空間，時時與地方真誠對話。

胡靖元

工二建築負責人及軟寓旅宿創辦人。2012年畢業於實踐大學建築設計學系，2014年共同創立工二建築，目前工作室落地於台北、新竹、台南三地，以人為出發點，專注於都市景觀、建築室內及策展，設計理念強調空間與環境協同發展的「在地再現」理念。獲多項獎項，包括2022 ADA新銳建築獎、TID新銳設計師獎、金點設計獎、iF DESIGN AWARD及Good Design Award。

陳哲生

2018於台東創立陳哲生建築事務所，擔任建築師暨負責人。台北人，畢業於成功大學建築系、紐約Cooper Union建築碩士。曾任職紐約、東京與台灣田中央聯合建築師事務所建築師，曾參與雲門之家、羅東文化工場與新竹關埔國民小學等設計案。成立事務所後陸續完成台東之眼（2020）、海端鄉初來國小圖書館改建（2023）、建和書屋增改建（2024）等案，並以國立史前文化博物館建築景觀再造（2023）入圍2024 ADA 新銳建築獎。 

_{文｜吳哲夫　攝影｜丰宇影像、牧童攝影_羅慕昕}

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時尚品牌店鋪通常寬敞而別具風格，稱之為小小藝廊亦不言過。在如今這個實體店比起「商品銷售」、反愈加著眼「形象展現」的年代，將文化元素融入店鋪，對品牌本身、藝術家乃至消費者而言，無非都是拓寬眼光的絕佳途徑。這回由倫敦設計工作室Studio Ashby將5位女性藝術家的多媒材創作帶進COS倫敦本地、巴黎及赫爾辛基門市，成就了作品與空間的3段感性對話。

有喜好，就有潮流。然潮流卻是一種集體揣想、相互仿作，總體而言粗略而曖昧的趨勢，不見得可謂為真正具備底蘊的美學。舉凡穿著打扮、吃喝玩樂、生活風格乃至建築空間的設計都存在潮流，它漲得快退得也快；服飾退了流行事小，家裡的裝潢若三五年也所謂「退流行」了，那得多讓人無所適從。

不受潮流桎梏，實現豐富美學——倫敦室內設計工作室Studio Ashby

倫敦室內設計工作室Studio Ashby所秉承的，即是一種不受潮流桎梏、兼容並蓄的美學。由創辦人兼創意總監Sophie Ashby領銜，以「為每個設計專案注入真實感」為旨，致力打造獨特空間——其理念不僅在家具、燈具和藝術品的選擇上可見一斑，更體現在材質自然色調和紋理的運用上。無論打開Sophie Ashby私人社群抑或Studio Ashby官方社群，皆能感受到這位設計師如何通過古典和當代風格的交織、明豔和柔和色彩的相成，將多元美感帶進不同案場，並融匯自身對古董、攝影、現代主義家具和世界藝術的熱愛，為有限的室內空間做出豐富而不滿溢的鋪排。

鍾情具故事性的物品，創造富凝聚力的空間

顯而易見地，各樣藝術作品（尤其畫作），幾乎出現在了Studio Ashby所承攬的每一個場域，且都具有相當的存在感和點睛之效。2025年，工作室攜手同樣出身倫敦的時尚品牌COS，在位於倫敦攝政街、巴黎Tronchet街，以及芬蘭新開幕的赫爾辛基亞歷山大街的3間門市，推出煥然一新的店鋪設計，呈獻來自世界各地5位女性藝術家的精選作品。

Sophie Ashby表示：「我非常高興能與COS合作，為品牌門市策劃這次藝術展覽。支持女性藝術家一直是我的心之所向，這次能將我鍾愛的藝術家引介進COS的靈感世界，對我來說是一段珍貴的經驗。我也很期待看到作品在每個空間牆面上所呈現的效果。」當然，之於長久以來始終從當代文化中汲取靈感的COS而言，此次展出亦深化了品牌和其源泉之間的連結。同時，空間內家具和家飾，從義大利Paper Factor手工製作的微型紙材與夾板桌，到以剩餘紗線訂製的Kasthall羊毛地毯，每一項選品的點綴都與COS服裝系列相得益彰。

5位女性藝術家 x 3間COS店鋪的感性對話

在倫敦攝政街門市，芬蘭藝術家Milla Vaahtera帶來一件結合大膽玻璃造型與細緻黃銅材質的燈飾裝置，透過當代美學重新詮釋傳統工藝。在巴黎Tronchet街門市，英國藝術家Alice Neave的畫作探索各種材質、色彩與紋理的表現方式，南非藝術家Erin Chaplin則聚焦討論自然與人造的關係。在芬蘭赫爾辛基門市，英國藝術家Anna Ilsley深刻描繪母性複雜情感的油畫、Dalia James表現色彩與幾何動態互動的織品則各居一牆，以截然不同的題材共同為暖調空間添上一道冷色筆觸。以下讓我們逐一欣賞5位的創作。

Milla Vaahtera｜倫敦攝政街店

來自芬蘭波爾沃的藝術家兼設計師Milla Vaahtera，以其《Dialogue》系列動態雕塑及雕塑燈具聞名。她熱衷於復興傳統工藝，將大膽的玻璃和細膩的黃銅進行當代演繹。Milla Vaahtera的藝術根植於對話與即興——這是她在2017年與Nuutajärvi玻璃村的玻璃吹製工匠共同開發的創作方法，而玻璃與黃銅之間的互動關係也賦予了每件作品獨特個性。

Alice Neave｜巴黎Tronchet街店

來自英國倫敦的藝術家Alice Neave，擅運用紡織品、染料與顏料創作柔軟而意象模糊的風景畫。她以棉布、帆布或回收布料作為畫布，讓材質本身成為畫面的一部分，並經由觸感與觀者建立物理上的聯繫。而其作品的多層次構圖通常始於單色印刷，再逐層疊加顏料與染料，創造出豐滿質感。

Alice Neave的虛構世界源自情感和超越日常覺知的感知——藝術家潛意識中滲透的元素，甚或創作過程中從染料裡浮現的元素，如夢境般透過一種難以言喻的內在邏輯展開，充斥朦朧的場面和敘事。

Erin Chaplin｜巴黎Tronchet街店

Erin Chaplin出生於南非德班，現居開普敦。其創作富含反思性，聚焦自然與人工之間的對比，好比描繪鮮果與花朵腐敗的過程時，藉以低飽和色彩與看似矯揉造作的色調激發視覺張力，將觀者引入令人驚喜的構圖之中，並善用厚塗技巧（Impasto）進一步強化這種張力，呈現出人類經驗中的原始與脆弱。

Dalia James｜赫爾辛基店

來自倫敦的藝術家兼設計師Dalia James專注於織品創作，透過對色彩與幾何圖形的細緻探索，展現編織者與布料之間的深層連結。受英國紡織設計師William Morris和畢生致力於色彩研究的美國藝術家Josef Albers著作影響，Dalia James從20世紀初的設計風格與藝術運動中汲取靈感，融歷史元素於當代工藝。

Anna Ilsley｜赫爾辛基店

來自英國薩福克的藝術家Anna Ilsley，創作除發想自各時代、各文化的神話和典故，亦經常從自身經驗的混亂和喜悅中取材，並利用畫布本身的物理限制作為結構，從而描繪出肉體豐腴，既被擁抱又受壓迫、既性感又怪異的人物。作品尤探討身為「母親」對身體與情緒的影響，並對那些塑造「女性與自身身體關係」的文化和政治力量，展現強烈的反抗意念。

這些藝術家創作從選材、用色到型態的取決，皆與門市空間和諧相扣。如Milla Vaahtera的不規則垂墜燈具吊掛在挑高的樓梯間、Anna Ilsley描繪母性的畫作飾於有鏡子倒映的試衣間，巧妙塑出時尚與藝術互為靈感的共融氛圍。5件作品現同步展示於全球3間門市，後續將成為COS店鋪收藏的一部分。