劇團「莎士比亞的妹妹們的劇團」導演王嘉明四度改辦首演大受好評的《理查三世》，加入「街頭塗鴉」質地的聽覺元素而匯聚出《混音理查三世》，一位演員詮釋多角色配音，或是多位演員以不同聲調扮演但一角色，製造出不同以往的聲場效果，更是邀請金馬影帝莫子儀擔綱主角理查三世的配音，要讓觀眾「用聲音想像活生生的人」。

演員們同時在現場斜槓當樂手，毫不避諱地向觀眾展示這些角色與聲響被「製造」出來的過程。而舞台上的主角理查三世，由金馬影帝莫子儀擔綱配音，僅有一頂帽子、一件衣服和一個拐杖，但在極具張力的聲音詮釋下，讓除卻外表的理查三世有了靈魂。

金馬影帝莫子儀接棒金馬影后謝盈萱

王嘉明導演和莫子儀2003年第一次合作的舞台劇就是改編自莎士比亞的劇本，至今也已經合作十多次了，這次挑戰《混音理查三世》，坦言做他的演員都不輕鬆，所以也就習慣了，「這次每個演員都很忙，除了同時扮演許多角色之外，也包括操偶、攝影、配音、配樂等等不同工作。我自己是希望可以讓大家感受不同角度與層次的理查三世，和亨利七世。」莫子儀表示。而參與前一個版本的影后謝盈萱也在個人臉書上推薦這次王嘉明導演的改編新作：「實驗性永遠是王嘉明的作品必備要素，既然實驗，就不只會端給觀眾單一想像的菜色，王嘉明擅長借代結構嚴謹的莎翁筆下故事，而後打破框架去玩味角色，加以融入各種新時代的技術。這次聽說這位頑童從2015年版《理查三世》又進化出2021年的《混音理查三世》，這可再次勾起我的興趣。」

相較於2015年的版本，王嘉明導演這次把「身聲分離」的手法發展到極致，拆解角色的聲音和身體，有時是一個角色的聲音由多位演員搭配，有時是一個角色的身體由不同演員組成，攪亂視覺與聽覺的和諧。聲音的高低時而齊響錯落，不同身形並列，舞在台上呈現出以假代真、表裡不一的亂象。此外，這次版本的演員也要肩負樂手之職，除了在性別之外，更展現了不同的功能和表演模式。這次所有演員的「忙」是讓所有人有目共睹，同樣演過上一個版本的演員王靖惇也玩笑表示「上一版演出可以找到空檔下台喝水上廁所，2021版廁所要先上好不容許一點出錯，因為台上很忙沒機會下台否則會迷失自我。」

四度改編《理查三世》 多面向玩轉劇場

導演王嘉明從讀《時間的女兒》開啟了他和理查三世的緣分。在莎翁筆下，理查三世這個角色是個邪惡人物，他用說故事的方式「製造」了一段歷史，「我對這個角色感興趣的不是他如何顛倒歷史，而是他製造謊言的過程，這跟現在的假新聞或是疫苗等等相關社會消息，都很有呼應。」王嘉明表示。對於這個歷史真相的追討，王嘉明的重點並不在於為理查三世平反，而是著重於惡人被「製造」出來的過程。王嘉明試圖在舞台上製造假新聞、建構假歷史，藉由大玩空間、聲音、科技，把權力謀略的政治舞台化為DJ音場。

而演員同時也要兼樂手現場live演出，音樂、聲響、配音等不同聲道相互交融，徹底呼應社群媒體時代，眾聲喧嘩的資訊雜音。在舞台上還有一座6公尺高的巨大手機螢幕，演員手持手機即時錄像、即時播放。從具象到抽象的聲音跨幅取樣，導演王嘉明重新混音莎翁歷史劇，讓歷史情節呼應臺灣政治現象。本次《混音理查三世》劇本也收錄在莎妹劇團出版新書《王記食譜：料理莎士比亞》，王嘉明化身大廚，把戲劇製作的過程比喻為料理的程序工法，呈現他嚴謹的思考流程。

由國家兩廳院主辦、莎士比亞的妹妹們的劇團所製作，2021秋天藝術節《混音理查三世》由13位演員年齡幅度橫跨11歲到60歲，包括Fa、王宏元、王靖惇、周明宇、崔台鎬、陳有銳、彭浩秦、趙逸嵐、莫子儀、李班宇、周安迪、張正元、吳智暉，於10月22日及10月23日在國家戲劇院共演出三場。演出時間時長總共190分鐘，含20分鐘中場休息，演後跨界對談則將在隔週10月26日（二）晚上19:30，於國家戲劇院交誼廳舉辦，由導演王嘉明與臺北市立法委員林昶佐對談「政治人物的形象塑造」，報導者副總編輯劉致昕主持，並同步於clubhouse上放送購票與節目詳情可至OPENTIX兩廳院文化生活查詢。

【更多資訊】

| 節目簡介 |

要在邪惡的權利遊戲中存活下來，你只能變得比它更壞！

英國萊斯特市中心教堂旁的停車場，挖出疑似遺骸，經DNA比對，證實為理查三世。這位莎翁筆下個性陰險的駝背跛子，歷史上聲名狼藉、童謠裡的怪物、邪惡的同義詞。四百年後，卻不斷有學者、作家企圖為之平反。

2015首演口碑瘋傳，重演詢問度最高的《理查三世》，改版再現。重量級導演王嘉明變身DJ，將權力謀略的政治舞台化為音場，從具象到抽象的聲音跨幅取樣，重新混音莎翁歷史劇，讓歷史情節呼應臺灣政治亂象，探問何為歷史？何為真相？

網站連結

| 好評推薦 |

王嘉明不斷實驗著身／聲、人／偶的雙重性與交叉指涉，到了《理查三世》水到渠成，從莎士比亞劇本提供豐富的文本材料及歷史隱喻，玩轉出各種裂解、狎戲、嬉戲。─表演藝術評論台 林乃文

整齣戲展現了「舞台話術」高度魔力，讓人驚呼「神技」。─表演藝術評論台 紀慧玲

莎妹劇團演員功力強，演出融入台式元素既有趣味、令人驚喜，又觸及普世議題。─巴黎秋季藝術節總監 瑪麗寇藍Marie Collin

| 藝術家介紹 |

導演／王嘉明

國立臺灣大學地理系、國立臺北藝術大學戲研所畢業，現為莎士比亞的妹妹們的劇團團長。創作具有複雜曲式與兼具實驗性／大眾化的特點，並透過表演形式的特殊設計，與演員共同挖掘、面對和思考劇場表演的可能性。2018年東京藝術節邀演《珈琲時光》，2019年巴黎秋天藝術節邀演《親愛的人生》，為藝術節48年歷史以來的首次臺灣戲劇作品。2009年受邀擔任高雄世運開幕第三段導演，2014年受邀擔任第51屆金馬獎電影複／決審評審。2014年到2016年擔任傳藝金曲獎策展人與典禮導演。

莎士比亞的妹妹們的劇團

莎士比亞的妹妹們的劇團（Shakespeare’s Wild Sisters Group）成立於1995年夏天，團名源於英國女作家維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf）在《自己的房間》（A Room of One’s Own）一書中所虛擬的角色，意在解除女性才華被男性體制壓抑的魔咒。劇團以原創劇本及前衛劇場美學為發展目標，創作題材、形式、議題不限。劇團始終群策摸索獨創的劇場美學與風格，除了每年劇場探索和實驗的新作發表與國內外藝術文化的交流外，也將持續創作平台的經營、戲劇教育的推廣與文化政策的參與。

| 製作名單 |

原著作者｜威廉．莎士比亞 William Shakespeare

導演｜王嘉明

劇本顧問｜周曼農

製作人｜陳汗青

演員｜Fa、王宏元、王靖惇、周明宇、崔台鎬、陳有銳、彭浩秦、趙逸嵐、莫子儀、李班宇、周安迪、張正元、吳智暉

舞台設計｜高豪杰

燈光設計｜曹安徽

音樂設計｜柯智豪

影像設計｜孫瑞鴻

服裝設計｜靳萍萍

動作設計｜楊乃璇

劇照提供｜臺中國家歌劇院、攝影｜林峻永

文字整理｜Peggy Weng

被法國媒體喻為「一根驕傲高舉的中指，對著世界的崩壞」、「真正屬於21世紀的嶄新舞作」，法國編舞團體 (LA)HORDE 由 Marine Brutti、Jonathan Debrouwer 與 Arthur Harel 組成，2019年起接任馬賽國立芭蕾舞團藝術總監，此次於2025 Camping Asia 帶來《崩世光景》（Room With A View），構築出一個既像白色立方體、又彷彿廢墟與未來之間的空間，邀請觀眾直視世界各種光怪陸離。首度來台的 Jonathan、Arthur，以及隨著舞團返國的台灣舞者嚴龍賜，與我們暢談他們如何在崩解失序的時代中，聚集、呼吸，並共同前行。

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

《崩世光景》誕生於 2020 年，那是一個全球共同經歷斷裂與不安的時間點。這件作品並非描述單一事件，而是試圖捕捉一種集體狀態： 世界正在崩塌， 但人們仍試圖在混亂中找到光的方向。

Jonathan 描述，「你可以看到一群人從各自的位置出發，慢慢走向同一個方向。」Arthur 則表示：「我們並不是要給出一個明確的答案，而是邀請觀眾感受『一起行動』本身的力量。」

對 (LA)HORDE 而言，群體不是壓抑個體的結構，而是讓個體得以被看見的場域，有人衝在最前方，也有人退到邊緣；有人承擔重量，有人短暫失衡⋯⋯，這些不穩定的關係，構成了作品最真實的情感核心。

肢體革命，讓差異並存

熟悉表演藝術的觀眾也許有察覺，當代舞蹈中，身體除了是個體的展示，也可以作為政治、社會與情感的承載容器。《崩世光景》共18位舞者未被整齊編排，
他們來自多個國家，在舞台上奔跑、跌落、支撐彼此，形成既混亂又高度凝聚的運動狀態。

「差異本身就是一種禮物。」Arthur 指出，不同性別與文化背景的舞者，對同個動作、主題，往往有完全不同的理解，「我們不追求動作完全一致，也不要求舞者複製一樣的情緒。」

音樂在《崩世光景》中亦扮演極其關鍵的角色，電子音樂製作人 Rone 以電子節拍雕塑音場地景，他與 (LA)HORDE 反覆調整節奏和密度。Arthur 回憶，一開始的音樂版本過於飽滿、接近夜店或俱樂部的強烈質感，但他們很快意識到，舞者需要空間。Jonathan表示，「音樂塑造了群體的時間感與呼吸的力量，但我們需要讓身體有呼吸的地方，讓光、舞台與陰影也能進入。」於是音樂被削減、拉開、留白，最終成為一種既推動集體、又允許停頓的節奏結構。

舞蹈，集體之凝視

表演開場，「大理石採石場」兀自矗立在舞台上，房間裡躁動的身體隨之失神跳動，觀眾看到青春的挫敗、哀傷與憂鬱，恍惚與痛苦，《崩世光景》同時存在關於和平、性別、慾望、集體、恐懼與希望的線索，觀眾只需要一起經歷。Arthur 笑稱：「我們從來不擔心觀眾是否『看懂』，那不是我們的工作。」作品一旦完成，它便不再屬於創作者，而是屬於觀眾的經驗。

Jonathan 進一步說明，「我們關心的是情感是否被觸動，而非訊息是否被正確解碼。」《崩世光景》不試圖說教，有人在其中看到革命與希望，有人感受到焦慮與失序；有人被集體能量震撼，也有人注意到個體在群體中的孤獨—這些都是作品所允許、甚至歡迎的觀看方式。

打開感知，你我都有舞動的能力

Camping Asia 致力於「讓任何人都能進入舞蹈」，正與 (LA)HORDE 的教育理念高度契合，「技術固然重要，但它不是唯一路徑。」Jonathan 和 Arthur 認為，「一個跳躍、一個滑行，都必須與作品的提問有所關聯。沒有意識的技巧才會成為問題。」

在 YouTube、網路自學盛行的時代，「我們更相信『傳承』（transmission），而不是單一系統的訓練。」Arthur 還提及，「我們與香奈兒共享一種『House』的概念—照顧創作者、重視技藝和集體關係。」無論是高級時裝或舞蹈創作，本質上都仰賴長時間的身體勞動與無限耐心。

嚴龍賜：被允許衝撞，是自我療癒的開始

嚴龍賜最早會接觸舞蹈，不是命中注定的天啟，是因為學校才藝練習可以在午休時間進行。看似輕巧的起點，後來一路延伸成他跨越台北、荷蘭、歐洲自由接案生活，再抵達法國馬賽的路。如今，他成為 (LA)HORDE 所領導的馬賽國立芭蕾舞團新加入的台灣舞者，並在《崩世光景》中登台。

母親是阿美族的嚴龍賜，真正被「身分」這件事觸動，是在參與布拉瑞揚舞團作品《勇者》及《拉歌》的過程。那段經驗給了他很大的力量，不只是讓他確定「我想繼續跳舞」，也讓他開始追問：我是原住民嗎？我的文化是什麼？多年後，他也學會用更鬆的方式回答自己，「身分不是考核，而是慢慢長出來的自我理解。」

某天深夜，他的 Instagram 收到私訊，對方正是 (LA)HORDE 團隊，邀請他參與舞者徵選，當時他十分訝異，「我好像沒有那麼酷可以加入他們？」自2024年加入後，他密集參與多個計畫。這次《崩世光景》中，段落動作強烈直接，如暴力與衝突，排練時，他常被觸動，甚至會不自覺掉眼淚，「那是一種身體把過往經驗翻出來的反應」，他心疼生命裡發生過的事，也心疼那些曾被忽略的感受，並在其中找到被治癒、被釋放的出口。

在外界的想像中，國際舞團常被貼上菁英、高壓、競爭的標籤，但嚴龍賜卻在 (LA)HORDE 這個大家庭裡感受到「愛」，舞者彼此支持、互相包容，也願意給彼此空間。他至今最難忘的，是一位 48 歲的日本資深女舞者在排練《崩世光景》時，一邊強烈拍擊自己一邊望向他，彷彿用身體鼓勵他：「勇敢一點，沒關係！」強大的能量傳遞，把「不要怕」直接撞進他的身體。

嚴龍賜想起亞洲人在表達上往往相較安靜、克制，而當有人用這麼直接的方式提醒你「可以更放開、更為自己對抗」，那一刻，他感受到自己在集體中被看見、被允許。

「台北的高密度建築、自然景觀、城市與山林的交錯，讓我們想到《崩世光景》中介於文明與崩解之間的狀態。」

訪談最後，Jonathan 與 Arthur 不忘強調：「這個世界充滿噪音、資訊超載與集體焦慮，能夠花1個小時，與大家一起靜靜地看向同個方向，本身已是極其珍貴的事。」《崩世光景》不斷叩問：在崩塌的時代，我們是否還願意一起走？而 (LA)HORDE 的答案，始終寫在那些奔跑、跌倒、再次站起來的身體之中。

若珠寶是以光線述說形體之美，舞蹈則讓身體本身成為光的流動。Van Cleef & Arpels 梵克雅寶自20 世紀初便與編舞藝術保持深厚連結，舞蹈早已是世家靈魂的一部分。2025 年秋天，「Dance Reflections by Van Cleef & Arpels」首次來到韓國首爾，攜手首爾國際表演藝術節（SPAF），描繪出一幅當代舞蹈的世界地圖。

「舞蹈是一種視覺藝術，也是我們都擁有的語言，身體本身，就是最普遍的創造媒介。」現任 Van Cleef & Arpels 舞蹈與文化項目經理，Serge Laurent 的藝術旅程始於法國羅浮宮學院，他回憶道：「我學的是藝術史，著迷於藝術家如何在各個文明中創造出屬於時代的形象。」起初，他擔任視覺藝術領域的策展助理，後來轉向表演藝術，意識到藝術不應被形式分隔，音樂、舞蹈、燈光、服裝、影像，皆能構成完整的美學語言。

從這個角度出發，他將舞蹈視為「總體藝術」：它能容納所有藝術形式的能量，並以最直接、最人性的方式展現創造力。正因如此，當他加入 Van Cleef & Arpels 時，「Dance Reflections」也成為他理想中的文化實踐場域：一個連結歷史與當代、傳承與創新的橋梁。

首爾新篇章　

第6屆Dance Reflections by Van Cleef & Arpels舞蹈藝術節，於2025年10月16日∼11月8日於首爾多個場館聯袂呈獻一場國際舞蹈藝術盛宴。Serge Laurent提到，這次合作並非偶然，而是經3年深耕後的成果。「我們與SPAF建立了長期夥伴關係，彼此對藝術方向與策展理念都有高度信任。」他指出，Dance Reflections的節目選擇並非由單一中心主導，而是建立在雙方共同推動創作交流的成果，涵蓋全球17個國家、70多個合作夥伴與舞團，每年支持約30件新創作品。

「我認為策展是一種對話的藝術。當對話建立在信任之上，對的選擇就能自然發生。」他笑著補充，像是在舞台敘述邊緣文化社群故事的藝術家Sung Im Her，其參演便是經由 SPAF 推薦而促成的。

在差異中，身體、聲音與城市共鳴

延續2020年創立以來的理念， 「創作（Creation）、傳承（Transmission）、教育（Education）這3個價值對世家與舞蹈都同樣重要。在每一屆藝術節，我們都希望透過新的創作與經典作品並置，讓觀眾看見舞蹈的歷史深度與現代延續。」因此，今年的舞蹈藝術節不僅呈現像中國編舞家陶冶（Tao Ye） 的極簡作品，也邀來法國編舞團體(LA)HORDE以《Room With A View》探索集體與科技的關係。從靜默到爆發，這兩種身體語言象徵著當代舞蹈的多重樣貌，源於不同文化、卻共通於情感的節奏。

另外，包括波蘭藝術家 Ola Maciejewska 的歷史重演、南非編舞家 Robyn Orlin 的政治劇場，這些多樣的身體語法，皆共構了 Dance Reflections 的核心精神，「陶冶的作品關於靜止與克制；(LA)HORDE 的作品關於群體與能量。他們來自不同的文化背景，但都揭示了身體的力量與脆弱。」

「對我而言，策展的樂趣在於讓觀眾從這些差異之間找到共鳴。」他特別欣賞亞洲觀眾的敏銳與好奇，「在首爾，觀眾對舞蹈的接受度極高，創作者也越來越勇於挑戰既有結構。」

凝視後，身體成為理解的途徑

今年的舞蹈藝術節同時涵蓋書寫當代舞蹈歷史的經典之作，同時也舉辦多個為專業舞者及舞蹈迷而設的工作坊與大師班，致力於推廣舞蹈教育與對話。Serge Laurent與我們分享，這些活動不只是舞者之間的技術交流，更是一種讓公眾「透過身體去理解藝術」的方式。他認為，當觀眾親自參與、感受舞者在現場的節奏與呼吸，舞蹈不再是抽象的觀賞經驗，而是一種共感的藝術實踐，「理解身體，也是在理解自己。」

我們好奇，若他認為當代舞蹈最迷人的地方在於差異，那麼未來的當代舞蹈會是什麼樣貌？會有更多跨界共創嗎？

「科技正逐漸進入舞蹈，而這不會削弱它的純粹，反而開啟新的詩意。舞蹈的力量在於它能獨立存在，也能吸收其他藝術的語言。」無論是陶冶與劇場、服裝設計師的合作，或是(LA)HORDE與影像、數位文化的結合，他都視為當代舞蹈的自然演進。未來的舞蹈將不再被場域或形式局限，而是在人與科技、虛擬與現實之間展開新的編舞語法—一種屬於21世紀的「身體敘事」。

不僅是藝術計畫，更是文化使命

1941年，Van Cleef & Arpels推出首款Dancer胸針，凝鑄成珍貴珠寶的舞伶身穿芭蕾舞裙，姿態靈動而嫵媚，優雅演繹單腳尖平衡、踢腿和交織等經典舞姿。1940年代末，克勞德．雅寶與著名編舞家喬治．巴蘭欽結緣，進一步拓展世家在舞蹈藝術方面的創作天地。1967年，2人對寶石的熱愛造就由巴蘭欽編寫的芭蕾舞劇《珠寶》，這齣3幕芭蕾舞劇在當時堪稱現代鉅作。

讓舞蹈，持續反映世界

「我們希望回饋一種啟發我們的藝術，讓美的力量回到社會，讓藝術在世界各地重新生根。」舞蹈不但是世家永恆的靈感源泉，更生動詮釋了其他藝術形式的牽絆。在談到亞洲時，Serge Laurent 特別提到台灣—他眼中「文化能量極為豐富的地方」。「台灣擁有美麗的劇場、優秀的策展人與藝術家，以及熱情的觀眾。」

他表示，Dance Reflections 每年都持續支持作品在台灣的呈現，並期待未來能與台灣的舞者與機構展開更深入合作。對他而言，Dance Reflections 不僅是巡迴的藝術節，更是一張不斷延展的文化網路，將不同地域、語言與身體連結起來。「當我們在不同城市呈現同樣的作品時，最迷人的地方在於—每個地方都賦予它新的生命。」

讓舞蹈，持續反映世界

陸續在倫敦、洛杉磯、香港、紐約等地舉辦舞蹈藝術節，第6屆 Dance Reflections by Van Cleef & Arpels 舞蹈藝術節，除了闡述梵克雅寶與編舞藝術之間的深厚淵源，也鼓勵普羅大眾更了解這個藝術表達領域。在這個由科技、速度與碎片構成的時代，Serge Laurent 仍選擇以「身體」作為策展的起點。「舞蹈讓我們重新意識到自己與世界的關係。它提醒我們，美的核心，不是形式，而是人性。」

崩解中尋找群體的身體語言——專訪《崩世光景》(LA)HORDE

Q1
作品以「大理石採石場」為舞台，這個場景意象是如何誕生的？《崩世光景》（Room With A View）的創作核心提問是什麼？

(LA)HORDE：
「大理石採石場」的構想，源自我們與合作夥伴 Julien Peissel 的多次討論。我們希望打造一個具有雙重狀態的場景，它既可以是一座仍在運作的採石場，也可能是一處被狂歡派對（rave）佔據的廢墟。

採石場象徵人類對土地的開採與剝削，同時也指向一種矛盾的奢華：大理石這種曾被用於藝術傑作的高貴材料，如今更多被消費於權力與炫耀之中。從這個矛盾出發，我們逐步發展出一個既巨大又脆弱的空間，迫使觀眾直面自身所處的位置。這裡成為一處「對峙的地景」——舞者在其中穿梭於暴力與求生之間，同時也經歷照顧、混亂、愛、感官親密與群體共存。

Q2
《崩世光景》是一場你們的編舞與 Rone 電子音樂之間的對話。聲音與身體之間的關係是如何被建立的？是音樂引導動作，還是動作形塑聲景？

(LA)HORDE：
在《崩世光景》中，聲音與身體之間是一場持續的對話。當 Rone 創作專輯《Room With A View》時，我們也同步在排練室中建構舞作的肢體語彙。聲音與動作並行發展，回應的是同一組情感與政治性的提問。Rone 的音樂提供了一個不斷變動的聲景地貌，讓身體、群眾、混亂與聲音得以進駐其中。在排練過程中，我們不斷試驗節奏如何斷裂、轉向、干擾，或將群體推向疲憊、恍惚與抵抗的狀態。我們想創造一個共享的環境：聲音與身體彼此塑形，最終形成一個共振、完整的世界。

Q3
作品回應「當災難逼近時，人類身體的轉變」。在當代全球脈絡下，這個主題對你們而言具有哪些哲學或政治意義？

(LA)HORDE：
對我們而言，這是一個關於觀察當代社會壓力、父權結構、地緣政治緊張，以及生態崩壞，如何形塑我們的身體狀態與集體行為。2019 年我們進入馬賽國立芭蕾舞團時，便邀請整個團隊一同參與《崩世光景》的創作，讓排練室成為一個共享、討論這些議題的身體空間。我們確實想直面世界的暴力，但同時也必須為光與喜悅保留空間，是喜悅讓身體得以持續投入，並保有集體轉化的可能。

Q4
你們提出「後網路時代舞蹈（Post-Internet Dance）」的概念，回應數位文化如何重塑感知與身體行為。這個概念如何實際轉化為你們的創作方法與舞者的動作語彙？

(LA)HORDE：
「後網路時代舞蹈」是為了描述當代動作如何源自線上流通——舞者透過網路學習、分享、轉化舞蹈形式，早已超越地理疆界。在進入馬賽國立芭蕾舞團之前，我們長期與自學型社群合作，這些社群的舞蹈實踐正是在網路中演化而來，這讓我們意識到舞蹈是一個被數位文化影響的過程，而非固定風格。在《崩世光景》中，我們將這種方法帶入創作，分享來自全球的抗議影像、生態崩壞畫面、集體儀式與網路素材，這些都反映了當代身體所承受的張力。最終，這些素材成為與芭蕾舞團舞者共同建構的動作基礎。對我們而言，「後網路時代舞蹈」是一種吸收數位流動，並將其轉化為全新、共享身體語言的編舞方式。

Q5
你們曾與長者、視障者、青少年等不同社群合作。你們如何看待舞蹈作為一種連結與抵抗的社會語言？這些經驗又如何改變了你們的藝術觀點？

(LA)HORDE：
當舞蹈揭示出一個社群內在真正被觸動的事物時，它就成為一種社會語言，可能是抵抗、歸屬的渴望、保護、生存，或純粹的慶祝。

自早期創作以來，與不同群體的合作讓我們深刻理解，每個社群都擁有自身獨特的情感邏輯與動作邏輯。在取得他們同意的前提下，我們嘗試將這些私密的動態轉譯為能夠指向更廣泛人類經驗的編舞，這些相遇深刻改變了我們的創作視角。我們學到，動作從來不是中性的——它始終受到情境、歷史與生命經驗的形塑。在馬賽國立芭蕾舞團中亦然，來自不同文化背景的舞者，將各自的感知帶入創作，提醒我們：像是「崩塌」或「韌性」這樣的概念，從來不是普遍一致的，它取決於誰在說話，以及從哪裡出發。這樣的多樣性，還在不斷重塑我們的藝術方法。