你可曾假想過，如果有一天世上所有的語言或文字系統突然通通消失，人們只能以圖像來溝通、紀錄各種物件、事件、心理狀態，累積至今的龐雜「詞彙」該各自被轉譯為什麼樣的「圖像」？而現實生活中我們習慣與文字交錯使用的各類圖示、圖案，又是如何於人類歷史中逐漸建立出一套「約定俗成」的通則？

由高雄衛武營國家藝術文化中心企劃編製的《本事》雜誌，向來以劇場內打磨好戲的頂真（tíng-tsin）精神，把觀察延伸至日常裡的各個範疇，透過每期不同的主題去提供讀者另一種觀看世界的視野。在最新第15號的《本事》裡，從後疫情時代裡的成為人們新日常圖像的「實聯制QR Code」為開端，獻上「讓圖說 IMAGE」的主題，為讀者爬梳出日常生活中無孔不入的「圖像故事」：如手機訊息裡使用Emoji符號、馬路上的小綠人行人號誌、QR Code是如何誕生的；公共空間內的識別圖像系統設計，是否真的能做到讓每個人都看得懂；創作人們是如何從大千世界中捕抓到為他們帶來靈感的「謬思圖像」；以及為每一齣表演藝術節目畫龍點睛的服裝設計師們，又是如何轉化符號圖樣，成為台上舞者或表演者的靈魂之光。

當生活圖像積累成為常民文化

我們從小看到大，市場裡裝運蔬菜水果的紙箱上，那些很有手感、超台的插畫如絲瓜、茄子、橘子與「茂」、「王」、「特選」等字樣圖像，在經年累月的使用之後，已從最初因實用性及標示功能所創造的蔬果圖像，變成常民文化的象徵之一，成為台灣人集體記憶的一部分。來自高雄的走路草農/藝團工作室，從家人傳承的農務經驗中，思考藝術的可能，而其創作計畫之一「思箱計劃」，即是延伸自農家的「運輸」作業：一個印有蔬果圖像的紙箱，除了是容器，更是一件收著時間記憶的載體。他們以版畫、手寫字為家中種植的農產品製作紙箱，讓箱中裝著的甲仙金煌芒果與麻竹筍，通通成為創作的一部分，當繪製圖像的勞動與種植的勞動產生連結，圖像也就有了更多意義。

宮廟文化攝影+神祇服飾上的刺繡工藝 創造出實境中的奇幻視覺藝術

日常風景永遠是滋養創作生命的肥沃養分，2014年以《神遊之境》系列作品榮獲高雄獎的攝影藝術家邱國峻，以攝影結合新媒材，顛覆人們對攝影的既有定義。他以鮮活的廟會活動場景為基底，先捕抓各種陣頭活動中最動人的影像，再請專為神明繡製衣飾的繡莊老師傅，將他繪製的各種奇思怪想的故事草圖實際繡於作品上。在製作《神遊之境 03》時，他拍下一處被拆除的廟宇，幻想福祿壽三神祇遇怪手強拆寺廟，束手無策的意境。攝影紀錄下了他眼中的台灣社會，而華美的刺繡圖紋與老師傅的手藝，如「雲紋」、「蓮花」、「龍」等則象徵著長久以來，宗教文化中代代相傳人們向上蒼祈求吉祥如意，與對神獸、聖域的美好想像。

舞台服裝設計拆解符號圖像 在高雄街頭、凱旋市場裡挖掘「人」的故事

看似日復一日的尋常生活也能是最強大的靈感來源，《本事》在最後一個單元裡，帶回劇場專業，介紹新生代劇場服裝設計師謝宜彣的創作密碼與靈感基地。人生如戲，戲如人生，舞台上短短一兩個小時如何演完一個人的一生？謝宜彣透過劇本設定，去解讀、揣摩角色的前世今生，用服裝設計、剪裁、圖樣配件去勾勒出她對角色的奇想與詮釋，讓演員「以衣入魂」。

謝宜彣是土生土長的高雄人，回溯起自己何時開始對於「人」產生興趣？正是小時候時常跟著爸爸逛當時還在十全路口的跳蚤市場，培養出對「人」的好奇與求知的勇氣，也成為了她往後解讀劇本、揣測角色的重要根基。長大後的她，依然熱愛騎著機車、周旋在高雄各處巷弄看人、看各種稀奇古怪的小東西，在跳蚤市場裡尋寶，也在那裡觀察形形色色的攤販、街友，蒐集不同的人生故事。

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文 | 黃阡卉

美術館、圖書館跨域共構的臺中綠美圖日前揭曉館員全新著裝，清爽簡約且散發異曲同工美感的兩系列工作服，正出自台灣時裝設計師詹朴和其品牌Apujan之手。本文帶你一覽完整設計概念、款式細節，以及當中玩轉館舍元素而成的妙趣。

既不允許天馬行空、又不能流於通俗平庸，制服相比時裝，實則更考驗設計師活化「單一、精準」語彙的功力。2025年12月方才正式對外營運的臺中綠美圖，作為美術館和圖書館共構的新型態文化場域，在建築吸睛、館藏豐富，乃至開館展覽及周邊活動接連受民眾歡迎之際，首亮相的工作人員制服自然也得格外講究。館方因此宣布攜手國際時裝品牌Apujan，以專屬臺中市立美術館、臺中市立圖書館的兩系列工作服，共繪行走的文化風景。

Apujan創意總監詹朴操刀，延續綠美圖灰白建築基調

服飾由Apujan創意總監詹朴操刀，設計上奠基場館本身匯合藝術與閱讀的構想，自綠美圖建築一眼即識的灰白牆體汲取色調，融會跨域、流動精神，形塑出標誌性和整體感並具的數種式樣（圍裙、背心、有領及無領上衣等）；不僅不著痕跡地強化服務識別功能，亦充分呼應穿著人員所在空間特色，進一步嶄露綠美圖品牌靈魂。

引入視覺識別系統，以深淺灰色彰顯兩館差異

館員穿著無形中構成訪客對場館的潛在觀感，設計團隊為打造最貼近其實際工作需求的服裝，創作過程中曾與相關人員進行多次訪談，力求完善顧及服務識別和專業形象，同時彰顯兩館差異。兩系列工作服選用一淺一深的灰底布料，引入綠美圖視覺識別系統，或於胸前、或於口袋邊緣繡製「taichung art museum」和「taichung public library」標準字，並跳躍式點綴從書本及繪畫轉化來的不對稱極簡線條，打破傳統制服與場域間的概念界限，運用細節巧思在在詮釋跨域、流動精神。

▍美術館系列

上半身局部覆蓋不規則墨流色塊，象徵藝術創作的自由流動，甚讓館員和志工行走時彷如一抹流動於空間中的色彩筆觸，向觀眾傳遞與藝術相遇的期待之情。

▍圖書館系列

以袖口、口袋兩處深藍拼色襯飾簡潔沉穩的銀灰主調，兼富設計美感和實用機能；除展現專業與優雅，更與閱讀場域的沉靜氛圍有所映照。總的來說，翻玩館舍元素成為設計符碼，一來使建築空間的乾淨調性得以巧妙延續，二來有效提升品牌辨識度，深化綠美圖在民眾心目中的風格印象。

Apujan創意總監詹朴善用服裝說故事，2013年起每季皆於倫敦時裝週發表新作；合作過雲門舞集、長榮航空、麥當勞等藝術團隊及國際品牌，也曾為不同館舍設計工作服。此次憑藉跨界視角提煉美術館和圖書館的獨特氣質，期待館員和志工穿上專屬制服，在日常工作中自然展現臺中綠美圖精氣神，營造愈趨友善、包容的服務環境。

▼ Apujan 2026春夏系列《The Extraordinary Voyage of Captain Peach（桃的冒險）》於倫敦時裝週發表

從街頭海報到包裝設計，近年來越來越多視覺設計作品，以饒富巧思的圖像和深刻的設計思考，令人耳目一新！近日揭曉的2025臺北設計獎「視覺傳達設計類」得獎作品，更展現設計如何連結文化記憶與生活體驗，以精準的視覺語言，牽動廣泛的共鳴。

不只凝聚地方情感，也顛覆刻板印象

像是由日本設計團隊Lightsdesign奪下2025臺北設計獎「視覺傳達設計類」金獎的作品「Jingisukan Anbe」，便是以設計重塑地方情感的案例。在此作品中，設計師為岩手縣備受喜愛的老字號烤羊肉餐廳進行空間與視覺重塑。其中全新標誌以視覺化的「羊」為主題，象徵家人與朋友相聚的溫暖情境，羊背上騰起的煙霧也呼應日本傳統中以「不祥之物」為符號，藉此驅厄避邪的文化脈絡。而在包裝上，最引人注目的則是瓶身那八幅以家庭聚會為主題的插圖，透過插畫家中山真一的筆觸，延伸出品牌獨有的「家常風景」，在新舊交會間，以簡潔卻飽滿的敘事，凝聚地方餐廳的情感價值。

至於銀獎則是由香港設計團隊Studio Noux操刀的 「Radiant Eateries: Hong Kong Restaurant Neon Sign Drawings」。作品以書籍梳理霓虹招牌的歷史與工藝，書中收錄的218份手稿更以八色印刷，並加入螢光油墨，讓讀者在昏暗環境下，也能透過書中附上的小電筒照射，模擬霓虹燈點亮時的光線跳動。這種充滿互動性與巧思的設計，讓作品不僅是一本設計書，更保留即將消逝的城市光景。

而由波蘭設計師Marcin Markowski操刀的作品「Poets' Poznań festival」則獲得銅獎肯定。在此，設計師以「藍舌頭惡魔」為核心概念，突破大眾對對詩歌節的既定想像，也凸顯詩人作為挑戰規範、啟發思辨的叛逆者角色，讓詩歌節跳脫文學型活動常見的溫和氣質，轉而呈現自由、獨立與不受拘束的精神。

以設計拓展想像，也捕捉城市能量

同樣由波蘭設計師操刀的作品「Stand Art 3D / visual identity」則獲得ICoD 特別獎。在此，波蘭設計師Wojciech Janicki為名為「Stand Art 3D」的展覽活動設計系列海報，多張作品相互補充卻又各自獨立，整體視覺既成功回應展覽主題，更以富有層次的圖像探索藝術邊界。

今年評審團推薦獎則頒給由OUT OF OFFICE｜外也企画社設計師張櫻馨、梁巨璟操刀的 「美味◯［美味圈］：2023台灣設計展在新北 FOOD IN CIRCLE」。作品從新北的街頭飲食文化出發，把廟埕、夜市、辦桌、塑膠椅與彩球等日常風景化為強烈、多層次的視覺語彙，展現城市的親切與多元；色彩計畫更大膽以桃紅色系象徵台式餐桌特有的草莽魅力，完美捕捉新北飲食文化的活力。

回顧2025臺北設計獎視覺傳達設計類得獎作品，不難發現設計師如何以色彩、形象與敘事，在地方記憶與現代美學之間建立橋梁，甚至顛覆人們對既定活動的想像。即便作品風格各異，卻都展現了讓訊息被看見、被感受、被記住的核心力量。

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_{文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}