慢靈魂雙關主理人李佳晉的興趣，將音樂夢轉譯成一杯杯咖啡，在自強號一天只會停兩班的民雄鄉鎮，透過黑膠、音響和老件匯聚知音，節奏之間不僅創造在地人的咖啡風景；也成為發燒友期待探訪的榜上名單。

淺談喫茶

這種吸引相同品味前往的咖啡廳文化，在日本稱為喫茶店。我初識「喫茶」一詞，是從日本小說家村上春樹的來歷得知，在他寫小說之前便是擁有豐碩黑膠收藏的喫茶店主理人，將爵士樂的癡迷大量應用在接連出版的內容中。

但「喫茶」的本意是鎌倉時代從中國傳入日本的茶文化，隨著1868年的明治維新，日本中產階級爭相追趕西方的文明浪潮，越來越多西式餐飲進到日本的大眾生活，喫茶店逐漸成為咖啡館的輪廓，可以在裡頭喝紅茶、啜咖啡和享用輕食。據臺之後，日本也將這股文化帶了進來，據文可璽的著作《臺灣咖啡誌》一書描述，曾任《臺灣新民報》副刊主編的黃得時回憶，他最常光顧的喫茶店是森永與明治製菓兩家（當時日本菓子企業看中臺灣砂糖資源，在臺開張不少結合茶食與飲料的喫茶店），直言喫茶店的狀況便是志同道合的朋友，一同坐坐，談文學，欣賞名畫，聆聽名曲。

這樣的休閒光景，到了現代的慢靈魂咖啡，核心依然沒有變：昭和懷舊的老靈魂、經濟實惠卻不失水準的咖啡、慵懶消磨時光的座位和音樂凌駕店內規矩之上的精神。慢靈魂剛開張時，曾流傳著一段主理人與客人間的經典對談：有個客人想要讀書，請佳晉把店內音樂轉小聲點，沒想到卻得到斬釘截鐵的回答：「不行，現在就是聽音樂的時間。」佳晉笑稱，果然再也沒有見過那位客人了，但也因為維持音樂優先的原則，慢靈魂的個性才如此立體。

從一臺1968年的黑膠唱盤撥放器開始

一踏進慢靈魂，迎面而來的是顯眼的流線木製吧臺，再來就是架上的黑膠收藏；近期佳晉從網路專門寫音樂故事的「瓦力唱片行」購得老JBL 4311A，使得這對喇叭也備受矚目。

佳晉對老物特別著迷，總在思考很多人常把以前的東西可以用很久掛在嘴邊，但到底是一個時代的懷念，還是用料真的不如以往呢？過了半世紀，技術應該都更精進才是呀！一想再想，始終沒有絕對的答案，反而理出了些輪廓，或許就是新舊之間各有擁護者，更添增分享藏品時的趣味。

與黑膠結下的不解之緣，來自一臺1968年出產的VICTOR SRP-B40。若要從黑膠開始，佳晉坦言當時根本下不了手，直到遇到某個古董愛好者，問他要不要平價收購一臺黑膠唱盤撥放器，說主人已經過世，但家人整理遺物時希望找到下一個使用者。看到的當下，佳晉二話不說決定收藏：「它看起來不像倉庫裡多出來的東西，而是能感覺不久之前都還是持續在播放音樂的狀態。」接收唱盤後，佳晉開始每週到誠品黑膠唱片，對他來說，黑膠版面很大，包裝特別精緻，每翻一張，都是前往不同時空的鑰匙。

「這個領域的收藏水太深了，要多昂貴都有可能。以黑膠唱盤為例，從唱盤本身、唱臂到唱頭都可以材質客製化，然後到唱臂是用什麼方式發出聲音，如何減少震動的次數，都有藏家們執著的細節；有些人甚至連室內溫度都列入聲音是否穩定的考究。」當對音質的追求放大到聽音樂的空間意識，佳晉表示很容易一去不復返，器材只會越聽越上去，打趣的說好險自己的財力限制了投入音響的深度。但也是後來某個前輩分享，有些聽音樂的高手在聽百萬音響時，忘了如何享受音樂，反而在聽音響的缺點，覺得有點可惜，也是這點讓佳晉恍然大悟，與其追求細微末節，每個人潛在自己最舒適的位置，沈溺音樂的美妙或許才是最重要的小事。

只要是經典，就不會被淘汰

「黑膠好比記憶卡，當唱頭滑過黑膠唱片的軌道，震動會將刻在上頭的聲音波紋轉化成聲音電磁訊號，唱頭放大器再遞給前級擴大機將聲音訊號放大到音樂能被推送出來的程度。一面可以播二十分鐘，只要仔細一看，一張黑膠唱片，壓縮海量的訊息在裡頭。」佳晉邊說邊拿起架上1975年爵士樂吉他大師Jim Hall發行的〈Concierto〉，這張B面演奏西班牙吉他名曲〈阿蘭輝茲吉他協奏曲〉，佳晉發現裡頭的低音提琴中間好像一度走音，後來又慢慢調整回去，不知道是否為刻意安排，還是現場條件的錄製狀況，但這個突兀點卻是這張收藏最有趣的部分。

有時慢靈魂的黑膠，是從佳晉的卡帶收藏開始。佳晉有一卷張國榮的《愛火》，後來看到網路出現一張原版黑膠，雖然要價兩千多，佳晉還是買下了：「跟藏家之間不適合殺價，每個人都有點像是割愛，討價還價的過程反而會讓賣家想起這張的種種經典，有時對方就不賣了！」到貨當天，慢靈魂臨時公告當晚是國榮之夜，沒想到有個白天已經在店內喝兩杯美式咖啡的客人，為了張國榮的聲音再報到一次。

若說起與慢靈魂客人的互動，大家都很喜歡看佳晉花錢，像是五月天的鼓手冠佑早期曾組過一個Why Not 樂團，曾於1995年發行《無法度按捺》專輯，以放克與爵士融合曲風詮釋臺語歌曲至今聽來依舊經典，佳晉偶然聽過後一直期待有人在市場釋出。直到某天看到有人以三千元拋售，現場客人就起鬨說如果佳晉收藏的話，當下就在慢靈魂儲值三千元的咖啡金，最後真的君子之交一言成定局，讓佳晉戲稱大家都想看他成為披著咖啡外衣的敗家子。

因為收藏，佳晉找到慢靈魂更多的可能性。每到週五和週六的夜晚，慢靈魂會延長營業時間，賣些與白天不太一樣的飲品，有時拿出吉他與過往駐唱歌手的嗓音自彈自彈，最重要的是透過各角落的音響用音樂把空間打滿，一起度過有點任性的夜晚。

慢靈魂Slow Soul Coffee

店家地址｜嘉義縣民雄鄉復興路93號

營業時間｜10:00–19:00，週二公休，

週五、週六不定時延長營業到22:00（請依照慢靈魂最終公佈為準）

圖｜下港女子

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}