「在夾縫中行走」展覽自2022年9月8日至2023年1月8日於臺北市立美術館（北美館）2樓展出，由館內資深策展人張芳薇策劃，邀集1960年代以降，28組橫跨數個世代的臺灣與國際藝術家，也與國立臺灣美術館、國立歷史博物館、奇美博物館、韓國國立現代美術館、私人機構與藏家合作借件，展出媒材形式多元，包含平面繪畫、實驗水墨、動力裝置、行為表演、雕塑、錄像及相關文物等作品，打開與觀眾多重層次的對話，同時邀請文化研究學者李立鈞以圖像理論、文化史與哲學視角，發展一系列圖文來回應展題，繼而延展研究思路與作品之間對話，本展更試圖將觀看與閱讀的路徑融合成「行走中的展覽」體驗。

展覽以「行走」作為起式，以「夾縫」隱喻當代舉步維艱的生存狀態，並希冀以「在夾縫中行走」探索可能的解決之道。「行」除了步行，更有行事、行動的意義，人們藉此交織出城市與歷史文化的複雜紋理。我們常說「走入／走出歷史」、「走入／走出夢中」，行走涉及真實、虛幻與夢境；我們也常說「找路」或「尋道」，將日常的行走比喻為生活或人生目標的追尋。萬物的縫隙裡，存在著許多可能性，展題中「夾縫」具有雙重意涵，指涉的不只是步行的空間經驗，亦具有壓迫性、難以前行卻不得不行之意，同時也提示人們總是行走於事物「之間」，在此所產生的隱形「距離」，能使人前行或溝通、連結或互動，繼而暗示面對困境創新突破的思維與可能性。

人類的生活起於行走，並發展語言溝通彼此，經由語言文字的演變，城市與文化的發展因而擁有了豐富的意象。法國文化學者德．塞杜（Michel de Certeau）於探討城市步行時曾提到：「步行行為之於城市系統就像言語行為之於語言或說出的陳述。」步行之於城市紋理的編造，就如言說行為之於所言。行走（的行為與意象）產生了路徑，或是「捷徑」、或是「繞道」。各式各樣行走的路徑所形成的「線」，彼此平行、交集，或是編織成面，進而形成「網絡」，這些「線」條概念以對話與連結的方式於各個展間召喚觀者想像與辯證。

本展精選北美館重要館藏品展出，以盧奇歐．封塔納（Lucio Fontana）60年代的作品《空間概念》來破題，劃開畫布的兩道線將二度空間的平面繪畫具體化為三度空間，開啟觀者對於「之間」的想像；石晉華超過20年的生命歷程所完成鉛筆畫線的行為表演紀錄館藏品《走鉛筆的人》(1996-2015)，經過無數次重疊的時間與線條所組成的畫面，成為生命與藝術之間雙重的「疊影」。白雙全《台北手記：2011.11.19-2011.11.28》中，以日記形式書寫的生機活潑的短句，並將段落性文字分散及隱藏於展場角落，邀請觀者漫步的同時，尋找文字之間賦予心靈的力量。

同時邀請國際重要卻鮮少來臺展出之作品，如奧馬．菲斯特（Omer Fast）於2012年第13屆卡塞爾文件展之作品《連續性》，以超現實、虛構的敘述，闡述戰爭記憶所帶來的噩夢及痛苦，同時回應現下面對戰爭之間的心境。珍妮．安東尼（Janine Antoni）2002年的錄像作品《觸碰》，隨著藝術家在鋼索上走動，不時觸碰遠方地平線的行為，想像著行走在目光所及且難以到達之處；莫娜．哈同（Mona Hatoum）80年代著名的行為藝術紀錄影片《行路》，身體的前行與靴子的跟隨，暗喻南倫敦布里斯頓街頭因種族問題而長年壟罩沉重陰影；高松次郎(Jiro Takamatsu) 是亞洲60-70年代行為藝術先驅，他以影子繪畫受到高度關注。有光即有影，而影子畫上不在場的投影對象與觀者形成有趣的關係，引起觀者對生命本質、圖像與空間的多重探問；而著名藝術家威廉．肯特里奇（William Kentridge）在90年代《影子列隊》中，以列隊行走的人群剪影輔以嘹亮的古典音樂，展現歷史上南非種族衝突與階級問題的百態，作品將帶領觀者經歷由「地平線」到「山脊線」的垂直旅程，展開對展覽相對宏觀的敘事。

臺灣跨世代的作品亦於本次展出，旅居日本數十載的何德來在《五十五首歌》一作中，將自身歷程寫成五十餘首短歌（和歌），再以特殊的構圖引歌入畫，繪寫為一幅探討文字與繪畫關係的敘事畫；「東方畫會」成員之一的陳昭宏則展出極具開創性的系列繪畫，數件用色鮮明的作品貫穿整個展覽，融合當代寫實的筆法與東方餘白似的構圖，描繪行走、對話與互動等主題所隱含「之間」的概念。年輕世代的劉瀚之運用低科技機械零件、手繪文件裝置製成充滿哲思的作品，展開對生命與時間本質純粹的思考。

「在夾縫中行走」所形成的「線」與「網絡」，也將是本展覽連結藝術與日常生活、作者與觀者、作品與空間的方式，讓展覽的觀看與閱讀聯通成一個週而復始的循環，寓意宇宙與事物生滅消長的輪迴。本展最後一個展區，試圖加入歷史文物同臺展出，如元朝龍泉窯系之作品《冰裂紋青瓷小盤》，釉面開片形成縱橫交織的紋路；清朝的《勾勒填粉彩花卉鋦瓷圓盤》，展示盤面具有璺裂後修補之痕跡、非洲及智利的鐵鎳合金隕石、義大利約1800年的低音管樂器《蛇形號》與陶藝等文物展出，與英國團體「耳石小組」（The Otolith Group）探討科技與人類關係的錄像影片《詛咒》並置，及洪東祿以易經卦象內涵為題的《地火明夷》，輾轉釋出黑暗時期仍須為內心明亮的意圖。此區概念與宇宙的生成、發展及消亡等生滅循環、生生不息的宇宙生命本質有關，並以隱約的方式探問人類進步的概念，線性裂紋在展覽中指涉不可預知的變化，鋦瓷修復線則試圖向觀眾提問「修復」的真正本質。

展期間將舉辦多場藝術漫遊活動，並特別延伸白雙全的創作計畫，舉辦5場臺灣限定的《谷之旅》系列臺北實驗工作坊，邀請觀眾以另類的觀看方式，走入書本兩頁之間的夾縫中旅行，將實驗性的路線於展期間蔓延發展，進行身體與心靈的「步行」。同時亦將規劃互動式的演出，如劉玗最新作品《Field》，借助體感引導者來帶領觀眾在場域中進行感受性的療程，把身體幻化為自然；亦可觀賞倪灝實驗性作品《結構研究Ｉ》，以複雜的裝置與音樂表演呈現科技體制與生活的矛盾，詩性的雕塑潛藏無形的暴力。相關展覽訊息及活動報名請參見北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤北美館臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）關注。

資料提供｜北美館

2025年末，富邦美術館將推出兩檔重磅大展——《步入永恆》及《富邦典藏展》，從雕塑到繪畫，匯集東西方藝術大師真跡，以飽滿藝術能量迎接2026年到來。

雕塑大展《步入永恆》與法國瑪格基金會（Fondation Maeght）聯手呈獻，聚焦現代雕塑史3位關鍵人物：賈科梅蒂、米羅、考爾德，他們皆為雕塑開創了新穎風格及形態，展品又以曾刷新雕塑史上最高拍賣價的賈科梅蒂之作《行走的人I》最受矚目；線上預售票現已開賣。另一檔《富邦典藏展》則精選畫家常玉極少公開亮相的「粉紅時期」作品，領觀眾徜徉於其融合東方詩意與西方繪畫語彙的藝術世界。

賈科梅蒂、米羅、考爾德大師雕塑來台展出

《步入永恆》以雕塑為主題，匯聚近50件法國瑪格基金會的重要典藏，展出賈科梅蒂（Alberto Giacometti）、米羅（Joan Miró）、考爾德（Alexander Calder）於戰後時期的創作，帶觀眾看見他們如何以抽象與現代主義為基礎，開拓嶄新且獨樹一幟的雕塑造型風格。除雕塑之外，展覽也精選版畫、掛毯等不同類型的創作，多方勾勒三位大師的藝術風格。

三人之中，有「瑞士國寶」美譽的賈科梅蒂，以身形細長、瘦骨嶙峋、帶風蝕般肌理的雕塑作品著稱，藉強烈的視覺語言，具象化戰時人們內心的恐懼與孤獨，出自他手的雕塑看似單薄無力，實則乘載著現實重擔、凝視著身在亂世的孤寂。此次他的代表作《行走的人I》及《站立的女人II》等，都將從南法跨海來台展出。

再看向出身西班牙的米羅，他崇尚直覺與童心，創作橫跨繪畫、雕塑等形式，風格童趣充滿奇想，擅長以躍動線條、鮮明色塊搭配象徵性符號，如女性隱喻宇宙、鳥象徵大地，描繪夢境、潛意識和大自然等主題。他也將揮灑於畫布上的靈感，轉化為立體雕塑，並熱衷嘗試各項媒材如銅、木材、陶瓷等，並結合採集自日常生活的現成物，構築一個又一個天馬行空的「立體夢境」。此次《步入永恆》則將展出米羅珍稀的巨幅掛毯及版畫作品，其中掛毯是首度在台亮相。

接著是美國藝術家、動態雕塑先驅考爾德，作為20世紀最具影響力的雕塑家之一，他將雕塑從靜止狀態中解放，轉化為結合理性工程思維及感性敘事的藝術創作。「輕盈」及「平衡」是考爾德的作品給人最直接、鮮明的印象——紅、藍、黃等亮麗色彩交織，鐵絲、金屬片、機械零件築岀能隨環境有機變動的結構，邀觀眾親近大自然及宇宙秩序等宏觀主題。

即便是靜態雕塑，考爾德也將鋼鐵等沈甸甸的素材，塑成彎曲、流動、具視覺穿透感的形體，為作品灌注動態感和生命力。

《步入永恆》預售票販售資訊

單人票｜$400／線上已開售，現場11/20起售

賈柯梅蒂雙人套票禮品組｜陶瓷杯墊組 $850／托特包組 $999

常玉「粉紅時期」珍貴作品亮相

另一檔年末大展《富邦典藏展》則已開放參觀，率先開放全展亮點之一的「星光展廳」，展出常玉創作生涯中極具代表性的「粉紅時期」作品，集結逾10件創作於1930年代、鮮少露面的油畫，包含《白蓮》及《一帆風順》等代表作。粉紅時期意指常玉旅居巴黎後、繪畫風格轉向的重要階段，此時他大量使用粉紅、乳白、暖灰等柔和色調，描繪裸女、花卉靜物、動物等主題，畫作氣質溫潤而寧謐，背景帶絲絨般介於霧面和光澤間的柔霧感，巧妙揉合東方美學的內斂及西方繪畫對光影的描繪。

《富邦典藏展》採線上預約制、現場購票雙線進行，並同步推出以《嬉戲的雙馬》為靈感設計的紀念收藏全票，單人全票500元。只要在12/24前先行到「星光展廳」欣賞常玉作品，日後就能憑票根於正式展期再度入場，屆時將會有更多展廳開放參觀。

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。