深度旅遊已是趨勢，博物館不僅是最潮的旅遊景點，也是展示當地歷史文化與自然人文的載體。新冠疫情阻擋了大眾探索世界的腳步，使得各大博物館也著手深入線上展示教育，開發數位資產，轉換形式將展覽、典藏品推播給大眾，臺灣現存歷史最悠久的國立臺灣博物館亦是如此。

2020年「臺灣博物館系統」完成建置，以臺博館本館為中心，配合各館舍建築的歷史脈絡，將古蹟建築空間活化再利用，成為地處首都核心區的綜合型博物館。臺博系統包含臺博館本館、古生物館、南門館及鐵道部園區，以臺灣自然史、產業史、現代性為展示核心，推展臺灣的自然生態及人文、產業歷史、鐵道文化等多元面向。

當今民眾參觀博物館的型態，不再僅是單方面提供展示資源，觀眾被動地接收展覽內容的方式，而是立基於展覽的敘事主軸，提供觀展多樣觀展角度並探索體驗，與展覽互動交流。

注入創新思維 展現博物館新象

後疫情時代，臺博館運用數位科技突破疫情困境及強化館藏資源運用，透過與新創企業跨域合作，開發線上環景網站、AR導覽及3D動畫，提高線上觀看展覽的臨場感與互動性，並開發教育推廣活動，擴大公眾參與，以提供永續及創新的服務。如臺博館搭配規劃「Always open～博物館任意門」線上參訪課程，以國小學校班級為對象，邀請學童參觀臺博系統的建築歷史、「博物臺灣」常設展及特展。課程內容包含線上主題導覽、環景體驗，以及現場Live直播或學習單互動，來促進博物館與學校教育更緊密互動，期待帶動遠距教育資源加值運用，讓博物館展示資源能延伸至學校教學現場。此創新服務更榮獲經濟部中小企業處「111年度新創產品及服務採購獎」策略合作組特別獎。

在數位藝術資產掀起熱潮的同時，臺博館邀請人氣插畫家「有隻兔子」合作，發行NFT「Welcome兔臺博！」，運用臺博系統建築、典藏品「藍地黃虎旗」及吉祥物「臺博館守護精靈」等為主題，擇取夜虎、日虎、臺灣雲豹、石虎、恐龍、樟樹、臺博本館及鐵道部廳舍建築為元素設計8款NFT，連結臺博館元素與知名插畫角色進行創作，期望透過多元有趣的方式，讓民眾親近博物館。

臺博館與插畫家合作，以館藏及臺博系統建築為元素設計8款NFT

融入多元媒介 創造嶄新體驗

搭配NFT發行，鐵道部園區於2022年12月17日發行日首次夜間開館，推出「守護精靈的時光旅行」親子音樂劇及「夜迴萬物叢」系列活動，邀請臺北市家扶中心的家庭、臺博館會員與一般民眾夜遊鐵道部園區，參與「時空任務」沉浸式戲劇體驗、「鐵道意象」肢體創作工作坊，藉由園區內「銘刻時間特展」，以及「鐵道文化常設展」的木造車站、莒光號車廂等情境式展區，引導觀眾融入並探索體驗；並特別於戶外園區規劃夜間導覽、小提琴及夜光扯鈴互動表演，讓觀眾從中體驗鐵道部園區曾榮獲臺灣光環境獎的夜間魅力，展現臺博館兼具教育推廣、文化平權及休閒娛樂的博物館能量。

臺博館以經典藏品發展七隻吉祥物家族「守護精靈」，展現百年傳承與再創新象

鐵道部夜間一景

演員引導觀眾於「異論現代－銘刻時間特展」展區尋找線索

觀眾參與沉浸式戲劇體驗，於鐵道部廳舍木造車站展區合影

近年臺博館積極接軌當代趨勢，提供民眾友善服務及創新體驗，今年更獲得多項獎項肯定，包含2022傑出公關獎「政府品牌傳播獎」、「政府政策溝通獎」；《捉迷藏》繪本入選義大利波隆那插畫展、2023金蝶獎－台灣出版設計大獎，及與漫畫《雲之獸》共同入選文策院Books from Taiwan書單。此次與藝術家合作發行NFT，展現博物館創新實踐力。即日起至112年12月17日，只要至臺博館4館辦理臺博館會員卡或購買四館聯票全票2張，即可兌換1款NFT，隨機致贈，數量有限換完為止，兌換方式詳情請至 https://www.jcard.io/life/tw/NTM 查詢。

國立臺灣博物館廣告

文｜Iain    圖片提供｜國立臺灣博物館

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）