以身體為對話、雕塑為轉譯，臺北市立美術館（北美館）「未來身體：超自然雕塑」展覽，由德國圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）與德國圖賓根文化交流協會麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）共同策畫；集結23位國際藝術家，從不同面向，開放向後人類時代提問。

直截以視覺挑戰觀者思辨，「未來身體：超自然雕塑」用生而為人的肉體，拼接環境、科技等複雜訊息，在圍繞強烈氛圍的作品場域，推進未來生存樣貌的可能性。如果說ChatGPT的議題已成為顛覆科技與人類發展史的炙熱引信？那麼，北美館的未來身體展覽，更將讓你深入反思全球80億人類的生猛未來式！

以「人」為關係，思考未來

歷經翻騰世界的疫情，這幾年，關注未來風向的各式議題的確騷動著。3年後，登入後疫情時代的我們，除了明顯感受到自然環境劇烈震盪，也意識到人類生活框架的不堪一擊及身體的脆弱；於此同時，由元宇宙到AI科技介入日常生活的普及性，更在在持續顛覆人類世界。甫於北美館登場的「未來身體：超自然雕塑」，試圖歸納梳理出「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」、「科技 人類 變體」四個主題，以新創肉體的形式，陳述身體的解構與重構、人與環境及機器之間的關係、與當中隱含的欲望與倫理議題。這些主題，不是個別上的分類或架構，而是總結過去60年的超寫實及寫實雕塑作品，窺探生態與人類的處境、使人體成為一種運用科技介面的未來總觀。

共同策展人之一的麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）在專訪中，更如此說道：「我們並不是企圖透過展覽來回應任何問題，而是希望透過這些作品，讓觀眾產生反思、並對未來提問。就連規劃觀展路線時，我們也考慮著每件作品之間的訊息與互動，期望觀者從場域中，就能直覺生成一種對作品的感知。雖然說展場分為四個主題，但其實大部分的作品都已經帶著強烈訊息，甚至比四個主題還要強大。」

寫實或荒誕？端看你怎麼解讀！

直觀縫合其他物種、談論人類棲地變化、基因演化、重塑生態系等議題現象，「混種人」展區，以探究混種生命體的奇異概念，揭開意味悠遠的推論波濤；像是澳洲雕塑藝術家山姆・詹克斯（Sam Jinks）在作品《犬頭》中，就以一副蘊含精微肌理細節的狐狸頭與男子混合身軀，闡述人類不只是人類、也是動物的寓意，進而帶出人類脆弱、老化的生存處境與自然本能。進入「後自然」主題展區，作品不僅著眼大自然如何在基因轉殖與人工科技中被交互挪用，亦傳達人類對環境的破壞性變化及物種的極限。策展人麥斯米蘭．雷澤推薦的伊山・貝哈達（Hicham Macuga）作品《預兆 2019年5月9日10時15分》，也以化學物質之間的相互作用，產生微生態宇宙，藉此探討所謂的能動性（Agency），「他刻意把『人』從當中抹除，讓人去思考到底這件作品的創造者是藝術家、還是化學物質？並探討所謂的創作或創造，是不是一定要產生什麼？還是它是可以被避免的？這些論點很有趣，也呈現出一種正面意義。」麥斯米蘭．雷澤這麼說道。

而派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）的《輓歌》，則是以男人捧著似魚的奇異物種，平實描繪人與自然間的溫柔時刻；麥斯米蘭．雷澤說：「我很欣賞派翠西亞・佩奇尼尼作品中對於人生的思辨，她能訴諸觀眾感官、使其產生同情共感的情緒；在她的作品中，亦提出許多對於社會道德觀的思考及一些睿智想法，訴說一種人類同舟共濟、同為一體的正面能量。」

科技對於藝術創作的影響力

進入「藝術家4.0」展區，觀者也似乎貼近一種未來身體對於完美不朽的想望。我們該如何與所謂的未來機器人共處、交流或同理？AI是否最終能付諸人類獨有的幻想、直覺或創造性？這些作品，都是讓寓意無限延伸的子題。安德羅・韋庫亞（Andro Wekua）的《無題》以沒有靈魂的半機器人作品，闡述未來人類與科技裝置的共存方式；作品中女孩右手的抖動，是唯一看得出生命跳動的指標，藝術家也藉由作品中不安與詭異的氛圍，強化觀者對科技與人類並存的提問。

而反詰各種科技和數位轉型發展交合對人類內在、外在、心理、生理層面影響力的「科技 人類 變體」展區，彼特・蘭德（Peter Land）和喬許・克萊恩（Josh Kline）的《神童》、《不用找錢了》兩樣作品，就是一個很好的對話；「來自以社會福利著稱的丹麥藝術家彼特・蘭德和來自美國制度、勞工受到保護相對比較少的喬許・克萊恩，能從生長背景及作品上，輕易看到兩者之間的不同觀念。不管是社會壓力還是科技對於就業市場或社會結構有什麼樣的影響，這都是藝術家想要探討的課題。」麥斯米蘭．雷澤繼續說道。

而第9屆柏林雙年展的瑞典籍參展藝術家安娜・烏登伯格（Anna Uddenberg），則是將扭曲的女性雕塑與行李箱融為一體，她在作品《野蠻人 #7（零重力）》中，分別以不同物件、呼應當代對於女性的不同要求，進而扭曲地陳述社群媒體上網紅們對於「理想形象」的荒誕追求。麥斯米蘭．雷澤說：「安娜・烏登伯格談論女性形象的這個作品，我覺得是觀眾很容易能夠看懂的；她的身體變得扭曲、然後有各式各樣的衝突，讓作品產生共感的劇烈效果。」

在採訪中，我們問策展人麥斯米蘭．雷澤認為現代科技是如何影響或形塑雕塑的未來？他回答：「當科技加入雕塑，藝術家才能開始創作以前沒辦法完成的形體或量體，這些利用數位、電腦演算法等新穎科技發展的藝術作品，不僅顛覆著藝術家，對於觀者來說，也同時能用新的方式去體驗，所以我認為對於未來而言，這是一個令人振奮的時刻。」

未來人類的生存演變是什麼樣的路徑，我們也許無法預知，但透過本次北美館的「未來身體：超自然雕塑」，你也許能先行在心中伏流對未來的不同提問；在走逛展覽時，再次回望何謂你心中的人類本質，更可親自感受麥斯米蘭．雷澤所說的，「用全新方式體驗雕塑及藝術」。

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策展人：麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）

2015年起，麥斯米蘭．雷澤擔任德國圖賓根文化交流協會總監，專注當代藝術領域的國際展覽。他曾在美國波士頓愛默生學院、義大利馬蘭的路易吉·博科尼商業大學學習文科與商業管理。隨後於2011年獲得萊比錫大學、倫敦商學院和佛羅茨瓦夫大學頒發的伊拉斯莫世界聯盟(Erasmus Mundus Consortium)全球研究文學碩士學位。他在全球策劃和監督了40多個展覽，包括在澳洲國家美術館舉辦的《重塑現實—超寫實雕塑50年》（Reshaped Reality. 50 Years of Hyperrealistic sculpture）、在維也納利奧波德博物館展出的《回到天堂—波西米亞表現主義大師》（Back to Paradise. Masterspieces of Expressionism）和在德國莫里茨堡藝術博物館展出的《圖盧茲·羅特列克和蒙馬特大師》（Toulouse-Lautrec and the Masters of Montmartre）。

未來身體：超自然雕塑

展期：2023.02.18-2023.06.04

地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

展覽概念：德國圖賓根藝術館　妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）

共同策展人：德國圖賓根文化交流協會　麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）

本展預計將於4月15日推出展覽漫遊活動，後續活動報名及展覽訊息請參見北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）關注。

置南島文化於核心，以當代藝術為語法，臺東美術館當期展覽《潛行》集結尹子潔、周代焌、廖昭豪之作，展現3位獲「南島國際美術獎」首獎肯定的藝術家，如何以「潛行」姿態遁入歷史、文化和環境的縫隙，揭露主流敘事外可能被忽略的真實。

藉藝術探索「南島」意義

臺灣作為南島語族和南島語系的重要一環，近年東海岸越來越多展覽及藝術季，如「東海岸大地藝術節」、「森川里海濕地藝術季」、「南迴藝術季」等，邀集各國藝術家透過田調、駐村等，與土地展開深入交流，探討何謂南島文化，試圖將南島美學的輪廓勾勒得更加清晰。另一方面，臺東美術館籌辦「南島國際美術獎」，其自2011年舉辦至今，已是臺灣連結南島文化和當代藝術的重要橋樑，亦鼓勵藝術家走入臺東、與在地文化展開真實且深入的互動。

潛入文化的縫隙，揭露未現的真實

臺東美術館《潛行》作為2022年「南島國際美術獎」首獎藝術家特展，可視為3位得獎藝術家——尹子潔、周代焌、廖昭豪——近年來探索南島文化的「成果發表」。展覽由策展人胡朝聖偕同陳斯吟策劃，以「潛行」為題，回應3位藝術家在創作中共同呈現的獨特姿態。

所謂「潛行」並非退隱，而是一種溫柔卻積極的實踐。它描述了藝術家如何潛入歷史、文化與環境的縫隙中，試圖揭露那些在主流敘事下，可能被遮蔽或忽略的真實。這種姿態既是敏銳的觀察，也是一種溫和而堅定的抵抗。

探索文化傳承、環境議題等議題

3位藝術家以各自的創作路徑回應「潛行」主題。尹子潔從花蓮駐村時觀察到的「三腳狗」出發，以影像與裝置，將動物斷肢卻堅毅的身體狀態，連結至南島語族面臨文化斷裂仍奮力抵抗、堅守的景況。

廖昭豪聚焦東海岸的人造地景，以獨特的「紙漿」翻模手法，重製消波塊等工業產物，揭示人造與自然間既共生又矛盾的複雜關係。

周代焌則像是歷史考古學家，讓土地成為歷史中「被消失的聲音」的載體，揭開文化與地景如何在時間流逝間，不斷移動與重組。下回造訪東海岸，不妨走進臺東美術館化身「潛行者」，隨藝術家探索主流敘事以外的複數故事。

臺東美術館《潛行》

展期｜2025.12.20－2026.02.01

展覽地點｜臺東美術館（臺東市浙江路350號）

開放時間｜週二至週日 09:00－12:00／13:30－17:00（週一休館）

參展藝術家｜尹子潔、周代焌、廖昭豪

由高雄市立美術館打造的2025高雄國際貨櫃藝術節《愛耍廢》，匯集來自台灣、日本、法國、丹麥等8組團隊作品，串連起高雄港11號碼頭、淺一碼頭及高雄流行音樂中心海風廣場，透過對「廢棄之物」如貨櫃、工業廢料、海洋垃圾等媒材的重新設計，邀請民眾感受會呼吸的貨櫃藝術新綠洲。展覽於12月20日至2026年3月1日展出。

高美館分享，高雄國際貨櫃藝術節歷經四分之一世紀，自2001年開辦以來，始終面向海洋，以藝術轉譯港都高雄的城市發展與蛻變。今年以《愛耍廢》為題，字面上看似輕鬆，實則探尋退役貨櫃作為創作媒材，以及思考廢棄物再生及永續的議題。國內外藝術家們透過創意，將廢棄物、光影與聲音轉化為對話語言，以8組實體貨櫃、4組數位作品邀請觀眾重新理解「廢」的美學與再生的力量。

本次《愛耍廢》以「P.O.R.T.」四大核心精神—Possibility（空間再造）、Ocean Drift（大海漂移）、Resonance（回聲共振）、Terra Nova（永續新地景）呼應城市願景，展現多重敘事與國際視野。

好日文化〈美麗島之台灣夢〉以孔雀燈、招牌、鐵皮浪板等台灣街頭常見素材搭建作品，結合拍謝少年歌曲，打造引領觀眾穿越時代的詩鄉隧道。森屾創作將退役貨櫃重新拆解，作品〈海的迴藍〉創造新的地景空間，回應周圍蔚藍的海，觀者可以自由遊走在作品之中，透過迴廊上的窗口觀看不同面向的大海。而伍偉廷建築師事務所作品〈峽光之境〉外觀則宛如峽谷，以折疊、重構手法設計出如大地裂縫般的港灣風貌，打造光影交錯的沉浸式空間。

台日組合空間設計工作室－米索空間設計的作品〈入港〉，以高雄港為靈感，藉由船頭劃破水面的意象，創造一段靠岸與穿越的空間體驗。來自法國、深耕於台灣的跨領域裝置藝術團隊hellobastworkshop創作的〈K-950觀測艙〉將廢棄保麗龍作為作品中的主角，呈現出詩意又帶有科幻感的場景，讓觀者在互動中反思物質循環、再生的可能性。丹麥藝術家Troels Steenholdt Heiredal何卓思的〈貨櫃相機〉，則翻轉貨櫃只是貨物運輸載體的印象，將其改造成為一個沉浸式的「相機」，讓觀眾可以親身參與、捕捉不同的城市風景。

〈把自己活成一道光〉為META Design以台電退役變電箱的切割餘料作為創作媒材，將原本散亂的材料收納成嚴謹有序的立方體，象徵台電第一線員工風雨無阻的敬業精神。而《愛耍廢》展覽服務台除展出數位作品外，亦與台灣設計研究院合作展出循環材質展示區，讓永續不只是概念，而能被真實看見與感受。

另外，除了精彩的貨櫃裝置作品外，展覽期間也規劃了《不只愛耍廢》系列豐富的推廣活動。展期中更有多場藝術家導覽、講座，以及戶外走讀活動，帶領民眾深入探索對永續生活的想像。更多完整資訊可至高美館網站或官方社群查詢。

2025高雄國際貨櫃藝術節《愛耍廢》
展覽期間｜2025.12.20 - 2026.03.01
展覽地點｜高雄港11號碼頭、淺一碼頭、高雄流行音樂中心海風廣場
交通方式｜可搭乘高雄捷運橘線至「鹽埕埔」站，或輕軌至「真愛碼頭」或「駁二大義」站後步行抵達

_{資料提供｜高美館、文字整理｜Adela Cheng}