第二屆 Camping Asia即將展開！專訪臺北表演藝術中心執行長王孟超、策展人林人中

藝術場館如何實踐自身使命、搭起學校教育系統和線上藝術家之間的橋樑? 如何在台灣就能有豐富的國際藝術文化交流，甚至是文化衝擊？若說由臺北表演藝術中心與法國國家舞蹈中心共同策劃的第二屆 Camping Asia 正是解答， 那麼便讓臺北表演藝術中心執行長王孟超、策展人林人中分享其中脈絡。

Camping計畫於2015年由法國國家舞蹈中心創辦，每年透過為期兩週的工作坊，在教育推廣的功能下，讓學生、專業與業餘藝文愛好者能夠跨越文化與國籍進行密集的交流，知識與體驗的含金量都超高，其延伸的效應與愉悅氛圍更像是藝術節或平台。「Camping計畫不只是藝術家與學生的縱向交流，也打通了學校間的橫向交流，是藝術教育也是藝術節，很多時候跨領域表演的經驗不見得在學校可以有機會和資源得到，所以在思考以台灣為據點舉辦亞洲版的時候，我就想是不是可以串聯起台灣跟太平洋區國家彼此藝術教育交流的機會。」林人中表示。於是他抱持著亞洲版的構想，串起法國國家舞蹈中心 與北藝中心結盟合作的旅程。歷時3年籌備，兩個機構牽起各方力量讓Camping計畫於2019年在台灣發生。「我覺得這是個很有趣的形式，特別是對台灣這樣的島國而言，學生很難有機會用短短近兩週去了解其他國家的藝術在做什麼，所以就跟法國國家舞蹈中心總監討論引進台灣，並和有趣的空間談合作，當時也策劃了很多節目，讓國際看到台灣的舞蹈藝術可以是什麼面貌。」王孟超表示。從此促成2017年法國國家舞蹈中心與北藝中心簽定合作，由林人中擔任策展人，結合法國經驗打造出具台灣在地特色的Camping，並定名為Camping Asia。

以舞蹈與肢體，打開國家與歷史的對等對話

Camping Asia於2019初試啼聲即廣受各界讚譽，也讓國際看到台灣藝術能量的多元與創造力，例如豐富的原住民文化、傳統戲曲，以及台灣舞者精湛的肢體訓練，是台灣與國際的對等交流與認識，「有趣的是，這不是引進一個法國版的模式或IP到台灣，而是在台法交流的脈絡下，如何打開跨文化交流？我們又能如何重新看待自己的歷史、和別人的歷史對話？整體非常強調跨文化知識的生產過程，而有更多碰撞和交流。」林人中更舉例，2019年辦第一屆時，邀請布拉瑞揚擔任工作坊導師，藉由肢體與古調吟唱，對內對外都打開了身體的眼界，甚至和澳大利亞舞者討論其原住民身體的訓練和表演系統，交流互動非常有趣。而在原本兩年一辦的計畫受疫情影響延遲後，今年終於能夠重現，於11月20日～12月1日於北藝中心展開為期12天的營隊課程，為了讓不同藝術院校的學生與各領域藝術家進行交流，設計了不同的課程形式，包括由各校學生規劃並帶領的早課、由各國藝術家根據自己的文化及訓練背景設計的大堂課及工作坊。學生與藝術家也分別有機會在學校馬拉松及表演節目中發表創作作品，以及最富含交流精神的開閉幕派對，探索藝術的跨界與無垠。而除了藝術相關科系學生，其中的表演節目及開閉幕派對也將透過邀請或售票方式對外開放，開啟更多可能。

值得一提的是，2023年的Camping Asia在香奈兒的支持下，受邀學校、課程師資、台灣學生參與人數上都有所提升，相較於2019年14位工作坊教師及12所學校學生，今年預計邀請21位跨領域創作者、16所藝術院校逾120位學生，更加豐富壯觀。王孟超説：「透過與香奈兒的合作，除了實質幫助我們邀請更多國際藝術家，還有品牌背後豐富的資源，例如公關行銷和其合作的藝術家，也讓活動更有機會曝光並開啟眼界，這樣借力使力幫忙發聲，對於我們努力想要打開國際認識交流是最好的助力。」

王孟超

畢業於南加州大學舞台燈光設計碩士，投入劇場近40年，曾任雲門舞集資深舞台監督和舞台設計師，也為台灣許多知名表演團隊擔任舞台及燈光設計或海外巡迴技術指導。2009年曾任台北聽障奧運會開幕舞台設計總監、2007年布拉格劇場四年展評審委員及台灣參展召集人、2004年於波蘭華沙總統官邸獲頒「雪樹國際成就獎」、2014年獲頒國家文化藝術基金會「國家文藝獎」。

林人中

臺北藝術節策展人、旅法藝術家，其創作、研 究與策展脈絡包括編舞、當代展演、視覺及酷兒文化。作品曾展出於巴黎龐畢度中心、 東京宮、拉法葉前瞻基金會、倫敦現場藝術 發展協會、上海外灘美術館、香港M+、2019 PERFORMATIK表演雙年展、2016台北雙年 展、2020台灣雙年展等。

藝術家Stella個人展覽《成石記》即日起至11月8日於Whimsy Works奇想會展出。她以毛線為材，透過簇絨（tufting）手法，結合3D列印技巧，探索「石頭」的形體與成形之道。展覽不僅視覺充滿趣味，敘事也藏哲思。

長期以「石頭」為創作題材，Stella融入奇想，利用織品再現礦石的斷面、色澤和紋理。從傾力重現石頭的「形」，到創作和人生歷程推進，轉向思考和感知石頭「如何成形」，Stella逐漸捏塑出一套獨屬自己的石頭語言，行經一段「見山是山，見山不是山，見山還是山」的創作修煉之路。

以還原石頭的「形」為始

展覽《成石記》取自《紅樓夢》別名，因Stella覺得故事設定有趣，且「成石」字面上的意思恰巧呼應了她的創作探索之途。Stella早期的創作視角，著重於觀察石頭外在形體，並將其轉化到簇絨表面，力求作品接近石頭的「形」。她透過自學並使用兒童編織工具，在反覆調整與重新製作中，建立自己與石頭的關係。

毛線的柔軟與石頭的堅實，為作品創造鮮明而有趣的對比，也成為Stella持續探索材質與感知的起點。她的創作始終保有直覺式的本能，帶點笨拙，如孩童理解世界的方式，透過觸摸與模仿，憑直覺理解一個遠比自身龐大的世界。反覆揣摩石頭的過程如牙牙學語，也像是在學習一種原本並不存在的「石頭語言」。

轉向探索石頭「如何成形」

持續創作5年左右，Stella的想法有了轉變，不再執著於表面細節的多寡，不再迷戀如何精準複製一顆礦石的樣貌，轉而捕捉石頭「成形的力量」。她藉由毛線的密度、纖維傾倒的方向，以及表面起伏形成的陰影，表現礦石在漫長時間裡堆積、擠壓、流動與凝結的節奏。另外，她也進一步與工研院合作，利用3D列印技術，創造出有別以往的異材質軟雕塑。自此，石頭在Stella的作品中呈現出不同於日常認知、永遠堅硬的樣貌：時而硬實，時而柔軟，有時甚至帶有流動的姿態。

這個轉變的有趣之處在於，即使Stella的作品逐漸遠離石頭既有的物理結構，觀者仍可能從中感受到石頭的存在。而藝術家也不再需要一次次透過那些構成石頭的條件，去證明自己的作品有「多像一顆石頭」，而能著重傳達其「石性」。

異材質軟雕塑揉手作和科技痕跡

《成石記》集結Stella歷年代表作，從巨型簇絨地毯、裝置，到3D列印軟雕塑都在場。其中〈Crystal Cave〉系列作品，是她與ROSO機器人建造實驗室共創之作，其透過演算法轉譯自然礦石的有機輪廓，借用大型機械手臂進行3D列印，以絢麗色彩逐層堆疊出幾何與材料交融的形態。材料流動與冷卻所形成的獨特分層，將列印過程中的動態與時間凝結為可觀看、可觸摸的立體紋理，為展覽注入科技與手作交織的美學語彙。

5年的時間，或許不足以使一粒砂礫成岩，卻讓Stella作品中繁複的礦脈逐漸退去。《成石記》呈現這段從「似石」走向「成石」的創作歷程，更由石頭的存在主義，延伸意義至物質內在的本質，也就是所謂「石性」。當觀者踏入展場，眼前所見是石的進化，所感則是一位藝術家摸索未歇、終於「悟道」的自省過程。

《成石記》Stella 軟雕塑個展

展期｜即日起至2026.11.08（日）

時間｜13:00－19:00

地點｜Whimsy Works 奇想會（台北市大安區安和路一段21巷7號）

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）