《Game on》在2023年11月底晚間上演，地點是臺北表演藝術中心7樓的排練場；那陣子，我正好在重看《地獄廚房》（Hell’s Kitchen）。

不知道是追得太入迷、或這支舞作真的與廚藝實境秀共振，當下看舞者們跳著、拉扯著，腦中竟然默默浮現《地獄廚房》裡名廚Gordon Ramsay飆罵、廚師們互相嗆聲的場景。想法閃進腦袋的瞬間，覺得荒唐；但隨著舞碼持續推演，配上編舞家劉奕伶於會後座談的分享，漸漸搞清楚那份既視感到底從何而來。

從舞者經驗出發，表現「競合」微妙心理

若用一句話概括，《Game On》是「為舞蹈人而生的作品」，以「競爭」和「較量」為主題，重現了科班出身的舞者毫不陌生的場景——不斷排練、不停競賽，次次與熟悉的人，亦敵亦友的微妙關係悄然發酵。就算不學舞，你我生活中總有過競爭，也能從舞蹈編排、舞者互動、道具安排中看見似曾相識的情景。

較量之前／生命共同體

《Game On》由5位舞者共演，開場時他們是夥伴，一同排練，只要有人失誤就得從頭來過，彷彿生命共同體。隨著不停重練，耐心消磨、笑容淡去，摩擦逐漸產生；但小情緒無妨，出了排練場便消散，真正的考驗還在後頭。

與他人較量／競爭的複雜心緒湧現

練習是為了磨練技藝，磨練是為了沒有破綻、接近完美，完美是自我追求、也是賽場上的最佳武器。來到舞作中段，「競爭」逐漸開展，舞者們互相拉扯、推擠、爭執，每一次肢體碰上地面的重響，都為競爭現場再澆上熱油，求勝的、憤怒的、自責的火燒得越來越旺。他們爭什麼？首席、出賽代表、成功的可能⋯⋯這是象徵表層的慾望；而成就感、害怕失敗的心緒、擔心自己沒天份的心魔⋯⋯或許才是內裏盤根錯節的思緒。

「參賽者」在競爭過程中被定義、被抉擇、被決定離去或留下，半推半就地更深入了解自己與對手。不過微妙的是，舞者們不只是對手，下了場更是同學、朋友，或必須合作完成演出的夥伴。這樣的「競合」關係，微妙而難解——因合作而互相欣賞或不滿，也因競爭而彼此爭鬥或相惜。

與自己較量／崩潰邊緣的自我傷害

各種情緒在內心碰撞，崩潰感漸漸襲來。《Game On》也把這樣的激烈碰撞舞了出來，成為全作中令人印象最深刻的橋段——舞者們不停重複一樣的動作，有人跳躍旋轉、有人極致伸展扭曲身體⋯⋯力度從小到大，最後每個人都耗盡力氣。劉奕伶將這段取名為「自殘」，呼應著追求目標的途中，身心不可避免的不適感。面對低谷，每個人各有紓解的辦法，而在《Game On》當中，舞者將其演繹得微妙，「一開始蠻唯美的，怎麼後來越來越不對勁⋯⋯」劉奕伶打趣說道。

結合現實狀態與表演性，是《Game On》最大挑戰

為了重現「競合」狀態的矛盾心理，劉奕伶與舞者花了非常多時間回憶過去，回想地方舞蹈班的學習經歷、幾乎不會流動的同學與對手、無數次的舞蹈比賽⋯⋯藉此找回彼時面對矛盾人際關係的心態，讓表演更為生動。這對劉奕伶本人來說，並不是陌生的課題，她從小習舞，跳進北藝大、再跳入紐約美國比爾提瓊斯舞團（Bill T. Jones/Arnie Zane Company）擔任專職舞者，舞蹈生涯歷經大大小小的比賽，最終回到台灣用心做舞蹈教育。

這段舞者互相自我揭露的過程，也延伸出《Game On》最具挑戰性的細節，「要怎麼把現實狀態用表演的方式自然傳達，像是舞者要同時在舞台拿出最好的一面，又要用自然的小表情演出平常互動、或比賽輸了的狀態⋯⋯」劉奕伶解釋。全作細節花了很多心思堆砌，藏在現代舞與傳統戲曲身段交融的姿態裡，也埋在舞作與古典鋼琴配樂《帕格尼尼主題狂想曲》和《藍色狂想曲》的互動當中。

現代舞與火爆實境秀

所以說，看現代舞表演怎麼會想到火爆的廚師競賽秀？追《地獄廚房》時，時常想為何廚師們常因雞毛蒜皮的小事就情緒潰堤？為什麼這麼容易耐心失守，瘋狂抱怨同事？這些存在我心中不怎麼重要的疑惑，卻意外從《Game On》找到解答——因為「競合」而生的微妙心理，在「高壓」環境下不停被催化，終將爆發。身為局外人的我們，平時難以參透舞台／螢幕前後的難處，而《Game On》就像一座藝術橋樑，為觀眾搬演了融入表演張力的部分現實。

從藝術看見與生活連接的可能

還記得當晚《Game On》演畢，正思考著將平時予人高冷印象的現代舞作，連結接地氣的實境秀，真的妥當嗎？正好有人向劉奕伶提問：「希望別人怎麼理解你的作品？」她思量後回答，「我當然在意自己的作品，能不能讓觀眾讀到什麼，但那是我的課題。」因此在創作《Game On》這支敘說舞者故事的作品時，她不停假想、猜測、實驗如何讓擁有不同生命經驗的人讀懂作品，最後她說，「不會將想法強壓在觀者身上，只要可以從作品中聯想到什麼，跟自己的生活做連結就好了。」這或許呼應了Camping Asia藝術計畫「Open for all」的理念，讓藝術面向大眾、彼此理解，從表演藝術中看見與生活串接的可能。

藝術家Olafur Eliasson總以靈感源自自然的詩意創作，喚起人們對自然環境的關注，他著手造懸浮太陽、人工瀑布，藉水霧與光線共織七彩光譜，也將冰川碎冰帶至城市，透過藝術實踐拉近人們與大自然間的距離，邀請觀者重新感知周遭環境。

在台灣，北美館迎來Olafur Eliasson國際巡迴大展《你的好奇旅程》。世界另一頭的芬蘭赫爾辛基，也正迎接Olafur Eliasson全新創作《Long Daylight Pavilion》落地，這座名為「長日光亭」的公共藝術裝置，透過高低錯落的鋼柱，描繪出當地夏至太陽運行的軌跡，入夜後則化身海濱燈塔，點亮城市一隅。

城市鄰海地帶，「光之藝術」特區正成形

《Long Daylight Pavilion》設於赫爾辛基沿海地區Kruunuvuorenranta，這裡曾是石油庫及港口的所在地，現正轉型為海濱住宅區。與此同時，赫爾辛基美術館（Helsinki Art Museum）正與市政府聯手推動公共藝術計畫，致力將當代藝術融入城市紋理及大眾生活，而Kruunuvuorenranta被規劃為聚焦「光之藝術」的據點，Olafur Eliasson這回發表的新作即是行動之一，將於當地永久展出。

藝術、建築與天文學相遇，引領人們「逐日」

佇立於鄰海岩岸的《Long Daylight Pavilion》，不僅是一件藝術裝置、一場小型的建築干預，更是一座對大眾開放的「天文設備」。Olafur Eliasson利用24根鋼柱構成環形結構，並根據每年日照最長日（6/21）太陽運行的軌跡，精算鋼柱的高度和安裝位置，其中最短與最長的鋼柱，分別位於裝置北、南兩端，呼應太陽當天在空中的至低與至高點。在這裡，日照軌跡從無法觸及轉化為實體物件，觀者得以直接透過裝置本身的結構，「讀取」太陽行蹤。

日夜不同的光影律動

白天，隨著日照移動，鋼柱的陰影悄悄流轉，象徵著時間流動。夜晚，鋼柱亮起燈，當光線透過菱形玻璃流瀉而出，將形成一圈微微傾斜的光環，如星辰閃爍。若從遠方赫爾辛基市中心看過來，裝置就像是座海上燈塔，為晚歸的人們指引方向，也替城市樹立獨特的視覺標誌。《Long Daylight Pavilion》雖是件靜態裝置作品，卻引導著人們與天體運行的節奏建立聯繫，延續Olafur Eliasson一貫的創作語彙，以寧謐不張揚的姿態，邀請人們靜心感受天地萬物。

資料來源｜Helsinki Art Museum

來自瑞典的Acne Studios，從不只是「時尚品牌」。Acne從不侷限於時裝，而是持續探索藝術、設計及工藝，橫跨家具、出版、策展、服飾等領域的「創意團體」。想全面了解Acne，必須拜讀其自創刊物《Acne Paper》。從15世紀的古掛毯到LGBTQ文化，從大師繪畫到街頭攝影，從戲劇到雕塑，從舞蹈到冥想——只要關於文化，只要有趣，《Acne Paper》無一不包。

2025年適逢《Acne Paper》發行20週年，Acne將紙上策展的能量擴展至實體空間，於巴黎開設首座常設藝廊「Acne Paper Palais Royal」，匯聚展覽、藝術家講座、書籍出版等多元活動，構築一創意與思想碰撞的交流平台。

「誤打誤撞」闖進時尚殿堂

1996年，Acne由一群創意工作者在斯德哥爾摩創立，成員們各活躍於平面設計、家具設計、電影與廣告製作等領域。當時Acne雖有進軍時尚界的想法，旗下也的確設有時尚部門（也就是現在的Acne Studios），但從未想過規模會擴張至當今如此之大，版圖擴及全球。

Acne踏入時尚圈的緣由說來有趣。1997年，創辦人Jonny Johansson製作了100條以紅色縫線為特色的原色牛仔褲，將其分送給身邊的名人親友，沒想到褲款優秀的版型、低調卻帶巧思的設計，意外登上諸多時尚、生活風格媒體版面，於是Acne趁勝追擊擴展產品線，自此開啟Acne Studios一步步登上時尚殿堂的旅程，陸續發展出Acne Pink霧粉代表色、無表情Logo、羊毛圍巾等經典識別與人氣單品。

時尚品牌跨足出版先驅，《Acne Paper》聚焦探索文化

2005年起，Acne Studios發行自製刊物《Acne Paper》，以「文化」為母題，透過時尚視覺、專家訪談、藝術專題等方法，探索由古至今的文化場景。如2025最新刊〈Golden〉探索「黃金」之於不同時代的文化意義，從古文明到當代前衛藝術，在動盪時代藉黃金的恆定特質展開視覺與文字敘事。《Acne Paper》每期印刷及裝幀都砸重本製作，內容紮實、零廣告，作為時尚品牌出版刊物的先驅，主動掌握話語權，也更加確立品牌與藝文聯繫的形象。

Acne首間藝廊進駐巴黎皇家宮殿

位於巴黎皇家宮殿（Palais Royal）拱廊下的「Acne Paper Palais Royal」，策展內容延續《Acne Paper》的精神，涵蓋攝影、電影、藝術、設計等廣泛的創意領域，參與者從大師到新銳、藝術家到思想家，活動形式則橫跨講座、雜誌發表、簽書會、跨域展覽等，宣告Acne Studios不只是時尚品牌、更是「文化推動者」的定位。

藝廊開幕首展迎來荷蘭藝術家Paul Kooiker個展《2025》，收錄他為阿姆斯特丹Gerrit Rietveld藝術學院國際學生拍攝的肖像，有別於傳統學校拍「畢業照」等肖像紀念學生成長的重要時刻，這一系列影像聚焦於動盪時代下不確定的青春、令人不安的「成長痛」。「Acne Paper Palais Royal」預計於2025年6月26日正式開幕，藝文迷務必收進巴黎必訪清單！

資料來源｜Acne Studios