【編輯看劇】揮鞭、劈柴，把最赤裸的農村氣息搬上舞台——西蒙．梅爾《迷幻長日》串起兩個世界的感官記憶

觀賞《迷幻長日》，是一場感官絕無冷場的飽滿體驗。古典芭蕾步伐接著農村舞蹈；小提琴旋律搭配揮打的馬鞭；表演者與電鋸共舞後，彎下腰在台上鋸起木頭⋯⋯來自奧地利農村的西蒙．梅爾（Simon Mayer）橫跨兩個世界之間，演繹自身成長經驗的矛盾。

舞台上的一把木椅，串起兩個世界

《迷幻長日 SunBengSitting》中的「Sunbeng」，在奧地利方言中代表「農場前的陽光長椅」，而整齣表演也圍繞著一把小木椅的製作發展。透過串接不同媒介與表演形式，編舞家暨表演者西蒙．梅爾從自己的生命故事出發，邀請觀眾一窺他最赤裸的世界，探討城市與鄉村、家屋與外地、狹隘思維和藝術自由之間的反差張力。

馬鞭、電鋸、斧頭都可以當作樂器

西蒙．梅爾對於生活中的各種聲音有著敏銳的觀察力，並從中抓出不同的頻率和聲線進行組合。現場從他拍打身體、跺步所發出的單一聲道開始，逐漸疊加成緊密相扣的循環聲音，你可以聽到日耳曼民族在騎馬時使用的揮鞭（Goaßlschnalzen）、大跨度音階的約德爾式唱腔（yodeling）、小提琴、牛鈴、劈柴、電鋸、磨刀等眾多聲音元素。當你覺得台上已經有夠多物件、感官已經接收到夠多激盪，西蒙．梅爾就會走到舞台兩側，從幕後搬出更多意想不到的道具。

他跳芭蕾、唱聲樂，跑出既有框架

來自奧地利的西蒙．梅爾自小在農場成長，沉浸於傳統、大自然、鄉村重金屬樂隊與反叛的青春之間。除了以道具製造各種節奏，他還在《迷幻長日》中穿插演唱三拍子的奧地利方言歌曲「Gstanzl」，將農村男性的日常娛樂搬上藝術舞台。

13歲時，西蒙．梅爾進入維也納國家歌劇院的芭蕾舞學校就讀，同時也開始學習聲樂，並在樂隊中演奏多種樂器。求學期間的他，深刻體驗城鄉差距的矛盾、框架與自由相抵的尖銳，其表演創作橫跨舞蹈、肢體動作、音樂等不同類別。在青少年時期，西蒙．梅爾還接觸到了催眠與正念練習，而後也將靈性、治癒的民間藝術加入作品中。在《迷幻長日》，他便以不斷的自轉、繞著舞台奔跑、揮鞭畫圓等持續旋轉的動作，讓意識自主擴張，創造出跨越分類與虛實的演出。

一場回歸原始自我的儀式

舞台上，西蒙．梅爾毫不保留地展現自我，充滿能量的肢體動作混合著古典芭蕾、現代舞，又或是和傳統京劇「十三響」有異曲同工之妙的巴伐利亞民俗舞蹈「Schuhplatteln」。有時，他會和手中的電鋸共舞；有時，他會看向觀眾、走出舞台，以一個幽默俏皮的小動作拉近距離感。

《迷幻長日》像是一場慎重且繁複的儀式，在錯綜編排的表演形式、不斷循環重疊的節奏中，西蒙．梅爾一步步邀請觀眾進入他橫跨兩個世界的驚詫與想像，最終更現地做出一張小木椅，在滿地的木屑中坐下。《迷幻長日》的演出邁入第十年、巡迴世界各地，登台時的表演藝術家，每每仍回歸到最初那個奧地利農場男孩，直面觀眾與自我。

攝影｜PAUL CHAO、蘇勝揚

當白日被陽光拉長，高溫、蒸騰的熱氣讓城市生活的快節奏也不得不慢下來，炙熱的夏天總讓人想暫時離開日常，你是不是也想放一個長長的暑假，中場休息一下？來劇場吧！為自己保留一段不被打擾的時間，當燈光暗下的那一刻，舞台上飄揚的樂音、鮮活的人生百態，能讓你我暫時放下現實的重量。

2026 年夏天，臺中國家歌劇院「夏日放／FUN 時光」精選三檔風格迥異的音樂劇——來自百老匯的傳奇經典《COMPANY》、臺灣在地原創的客家流行音樂劇《那一天，彩虹出現》，以及韓國音樂劇《如蝶翩翩》，故事從不同階段的人生時刻出發， 從35歲生日時，重新思考關係的可能性；到在離開家鄉之後，回頭辨認來自土地與家族的記憶；以及人生70，才第一次決定為自己做一件真正想做的事，音樂劇訴說著關於人性的掙扎、自我文化認同與再次啟程。

史蒂芬．桑坦筆下的現代關係｜《COMPANY》

當人生走到某個節點，你是否願意為了與他人建立更緊密的關係，而放下一部分的自由？由臺中國家歌劇院與活性界面製作聯手呈獻的《COMPANY》，被視為現代音樂劇的分水嶺。本劇出自「現代音樂劇之父」史蒂芬．桑坦（Stephen Sondheim）之手，榮獲無數東尼獎、葛萊美獎與普立茲戲劇獎肯定的他，在此作中開創了「概念音樂劇」（Concept Musical）的先河。他打破傳統平鋪直敘的線性敘事，轉而以主題動機與角色心理層次來建構劇作。

劇情描述主角 Robert 在 35 歲生日這天，面對身邊一對對朋友的婚姻百態，試圖在「自由」與「陪伴」之間尋找解答。全劇運用看似輕鬆的對話與歌曲，精準捕捉了中年男女最真實的情感狀態——渴望連結，卻又害怕被束縛。

此次登場之版本由首位進軍百老匯的日本名導宮本亞門執導，帶領臺灣、香港多位超強線上音樂劇卡司，將桑坦那充滿挑戰性的樂譜，轉化為一封寫給孤獨靈魂的信。

回望土地與家族的客語印記｜《那一天，彩虹出現》

好不容易走至人生的中場，卻迷失了前進方向與目標嗎？所有偉大的旅程，都必須先了解自己從哪裡來，才知道該往哪裡去。由苗北藝文中心原創、金曲歌后官靈芝擔綱演出的客家流行音樂劇《那一天，彩虹出現》，以苗栗山城礦業歷史為背景，從一張神祕的藏寶圖展開，串起家族記憶與世代之間的連結，描述想在國際舞臺發展卻不得志的青年，如何踏上尋根與重新建立自我文化認同的旅程。

劇中借用礦工術語「出虹」（煤氣外洩的徵兆）作為隱喻，在那美麗的外表下，藏著老一輩勞動者的辛酸與危險。客家詩人鍾永豐將客家山歌與古調，轉化為當代流行音樂的詞句，由作曲家陳國華操刀，巧妙融合流行音樂語法與質樸動人的客家音韻；官靈芝以其深厚的爵士功底，賦予客語嶄新的魔法，讓觀眾在旋律中嗅到苗栗山城的泥土氣息。

為自己真正活一次吧｜《如蝶翩翩》

「我這輩子，從來沒做過自己想做的事。」當夢想不被社會期待或家人理解支持時，我們是否仍願意，為自己保留那一點點開始的可能？改編自韓國高人氣網漫與 Netflix 熱門影集、被譽為「人生必看」的《如蝶翩翩》（Navillera）音樂劇版首度來臺，故事圍繞著 70 歲才開始追求芭蕾夢的退休郵差沈德出，遇見一位在現實壓力中逐漸迷失的年輕天才舞者李采祿，兩個不同世代的靈魂，在舞蹈中彼此照見。

本作由打造《與神同行》音樂劇的韓國頂尖團隊首爾藝術團製作，主演沈德出的實力派音樂劇演員崔印亨，為首爾藝術團主力演員，被媒體盛讚「不可替代的演技」，而本次李采祿一角，特別邀請韓國男子團體VIXX主唱李在煥及SF9成員李在允領銜主演，這組實力與人氣兼具的黃金雙卡司，將交替詮釋李采祿在迷惘中掙扎、最終破繭而出的心路歷程，帶領觀眾進入這場夢幻且深刻的逐夢旅程。

_{文｜黃阡卉}

《集會遊戲》中，8名舞者化身中世紀歷史重演愛好者召開年度大會，頭痛著財務與存續危機。舞台上，古今時空不斷交錯，舞者與對嘴台詞時而同步、時而錯位，幽默節奏引人發笑，卻也隱隱滲入一層不安。人們為什麼要聚在一起？所謂「集體」究竟是什麼？

為了尋求戲場與舞蹈創作上的突破，加拿大劇作家強納森．楊（Jonathon Young）與基德皮沃現代舞團（Kidd Pivot）創辦人克莉絲朵．派特（Crystal Pite）展開長年合作。他們的合作本身，可視為一個跨領域的創作「集體」；而集體這一主題，似乎也反覆出現在他們的作品上。

強納森．楊形容：「我想集體的一種定義，是一群人試圖追求某種和諧狀態：一套行為準則、一組價值觀，或是一個共同的目標。而在我心中，沒有什麼能比一個舞團演出編舞，更能體現集體的結構。」兩人早在受荷蘭舞蹈劇場 NDT 1 委託，為克莉絲朵．派特舊作《Parade》 （2013）續寫姊妹篇《各自表述》（2016）時，便已開始探索國家與群體內部的衝突與拉扯；其後的《欽差大臣》（2019），則映照出人們在失靈的官僚體制中盡顯荒謬。這次《集會遊戲》，表面上寄託著《羅伯特議事規則》等等對民主與團體的理想，但事情顯然沒那麼簡單，共同體運作中的卡頓、停滯與失序被進一步放大。

迷失在穿越歷史的魔幻中

兩人的前作《欽差大臣》以 200 年前的經典諷刺喜劇為改編基礎，《集會遊戲》則呈現穿越中世紀與現代場景的魔幻感。強納森．楊坦言，自己並非歷史學家，但始終對歷史著迷。「在發展作品時， 我經常思考所謂的因果發展鏈：一個微小的事件，如何隨著時間推進，引發下一個事件。」他認為，這樣的迷戀，來自於他長年思考戲劇如何運作的過程，「而戲劇最有力量的時候，往往正是當它帶著一種無法阻擋的動能，以及某種不可避免的宿命感。」

回到《集會遊戲》的創作起點，強納森．楊回憶，最初他們曾想像一群人因文物而聚集的畫面，但隨著創作推進，他們意識到，為了某事物「相聚」才是真正隱藏其後、最核心的人性需求。「透過重演，他們獲得樂趣、目的、共享的身分認同、社群精神，以及一種隸屬於比自己更巨大事物的歸屬感。」歐美常見的中世紀歷史重演愛好者，成為吸引他們的靈感來源。中世紀遠到足夠古老、帶有神話感，令一群死忠愛好者年復一年來到一地、不斷重新賦予這些故事生命。他進一步說明：「《集會遊戲》所關心的，是一群人如何透過共同語言，來面對自身秩序即將崩解的時刻。他們藉由一套被反覆演練的語言規則，喚起那些來自過去、難以言說的力量，並為『缺席者』（Absent One），甚至是死亡本身預留一個位置。」

他們同樣著迷於現實與虛構世界之間轉換所產生的張力，這也讓觀眾在看似日常的情境中，逐漸失去座標。故事背景設定在一座老舊的社區活動中心，那是他們童年記憶熟悉不過的場所，卻帶有承載數世代生活痕跡的神祕感。強納森．楊說：「我們並不期待每個人都擁有相同的懷舊記憶，但我們相信，所有人都能辨識出那股在當下聚集、回望過 去的衝動。」有人試圖理解這樣的共同儀式，有人被集體記憶吸引，也有人選擇陪著那些故事走到終結。「這個過程或許帶來慰藉，同時卻也潛藏風險，你可能在其中建立連結、找到自身的根源，也可能迷失於集體的迷宮之中。」

在語言與身體之間的縫隙

在首檔合作作品《愛與痛的練習曲》（2015）之後，兩人逐步發展出一套獨特的創作方法:所有台詞皆以「畫外音」預錄完成，由舞者在舞 台上對嘴演出。強納森．楊形容，他們的合作重新形塑了他對表演的理解。「當我為劇場演員寫作時，語言與身體性之間往往緊密貼合；但在我與基德皮沃現代舞團的創作中，語言與舞者的身體之間則會拉開一道細縫，其中，我也不可避免地將注意力轉向編舞本身。」於是，推動演出的不再只是被說出口的台詞，更包括那些在語言之外的無聲動作。聲音與身體有時精準重合，有時則因刻意的不對齊而產生微妙錯位，觀看經驗反而顯得逗趣而詭譎。「每當演員的聲音與舞者動作突然完全重合時，我往往會忍不住笑出來。那種近乎詭異的同步瞬間，總是帶給我純粹的驚喜與喜悅。」

至於究竟是語言先行，或由身體引導創作方向，強納森．楊表示仍取決於作品的需要。「我們將語言視為舞蹈的催化劑，也將舞蹈看作促使人開口說話的力量。」在他們的合作裡，語言與舞蹈更像是雙主角，被推進同一個戲劇情境之中，既彼此衝突，又必須相互依存。這似乎也影射《集會遊戲》中的人與制度：制度為行動提供秩序，使人得以朝向共識前進；一旦失去這層結構，目標便難以成立。同樣地，作品中的預錄文本建立起清晰的敘事架構，引導舞者的身體動作組織成一個更容易被理解的故事。

集體與個體經驗的矛盾

《集會遊戲》創作的發展剛好在疫情之後，也讓強納森．楊對人與人交織而成的集體關係，特別是其中的矛盾面向，有了更深一層的體悟。「集體既可能滋潤生命，也可能對生命造成傷害。我從人群之中、從宏大的世界事件裡，以及從人類如音樂多聲部般、各自朝不同方向展開的人生軌跡中，獲得能量與啟發。然而，我也意識到自己必須不時轉身離開，暫時抽離這些對話，才能保護自己。」他坦言，有時即使置身於人群之中，仍會感到強烈的斷裂與孤立；反而是在獨處時，更能專注體察此刻正在活著的經驗，真正貼近「人類的處境」。回望這些年的經驗，他想：「疫情無疑是一場測試，考驗我們這物種是否有能力協力朝向共同目標。我們通過了這場考驗嗎？也許沒有。但是否出現過『這是有可能的』證據？我認為有，而我也依然抱持希望。」

強納森．楊（Jonathon Young）

加拿大劇作家、演員，溫哥華「電動劇團」（Electric Company Theatre）共同創辦人。其創作核心在於實驗性地融合文本、肢體與聲音，擅長以高度精煉的語言探討權力、創傷與集體意識。長期作為基德皮沃現代舞團（Kidd Pivot）創辦人暨編舞家Crystal Pite的重要創意夥伴，編寫多部享譽國際的代表舞作，包括《愛與痛的練習曲》（2015）、《各自表述》（2016）以及改編自果戈里諷刺劇的《欽差大臣》（2019）與《集會遊戲》（2025）等，並3度榮獲英國奧利佛獎（Laurence Olivier Award）最佳新舞作獎（2017、2022、2025）。

2026TIFA 克莉絲朵．派特✕ 強納森．楊《集會遊戲》

地點｜國家戲劇院

時間｜2026.05.28~30

文｜吳哲夫
攝影｜Four Eyes、Michael Slobodian、Romain Tissot、Sasha Onyshchenko　圖片提供｜國家兩廳院

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