《深林》是一支關於人類直面天、地與大自然的舞作，卻沒有一點天空藍、大地棕、森林綠的色彩蹤跡，僅有舞者裸身的皮膚、頭上頂著的鮮紅布幔，以及橫跨舞台、象徵著河流的銀箔。究竟《深林》的創作者——TAI身體劇場創辦人、舞蹈藝術家瓦旦．督喜（Watan Tusi），及他所率領的舞者們，是如何透過肢體，在都市中的科幻巨球裡，舞出一片自然之境？

從孤身到聚首

開場幾乎無光，整座球劇場環繞著似樹葉婆娑、微風吹拂的聲音，直到舞者手持著燈光慢步登場，像是在暗夜之森中探路一般，小心前進。一個人、兩個人、三個人⋯⋯舞者們從落單到成群結隊，無論是獨舞或繞起圈、彎著彼此的臂膀行動，腳下都踩著節奏不停變換的步伐，朝深林與樹影之間探索。

隨原始聲響墜入深林

隨著時間推移，未知所帶來的恐懼、疲累及顫慄不停積累，舞者們的踩踏聲變得激烈、呼吸變得粗喘，甚至伴隨著魔般的鳴叫，如魂之附體、神之降靈，完全洗去了開場時的幽靜，讓劇場爬滿了生猛氣息。在這些「人造音」的環繞下，機器輸出的環境音退為點綴，不再是主要的聽覺指引，我們自然而然隨著帶獸性的人聲，墜入深林之中。

貫穿全作的「腳譜」

踩踏聲是貫穿《深林》最主要的聲響，為視覺、聽覺都賦予節奏。不過，舞者踏的腳步是即興或編排？它究竟是什麼舞步？原來是瓦旦．督喜所發展出的「腳譜」。就如鋼琴有五線譜、爵士鼓有鼓譜，TAI身體劇場則有獨創的「腳譜」，簡單來說，就是以腳步為基礎所發想的表演方式。

身為太魯閣族原住民、同時也是舞蹈藝術家，瓦旦．督喜一直在尋找傳統祭儀、觀光化表演之外的原住民樂舞。「腳譜」的靈感源自一趟火車旅行——當時他聽著火車行進時所發出的規律喀噠聲，腳不由自主跟著打拍子，腦海也隨之浮現節奏線條，這正是「腳譜」的濫觴；其後，他展開兩年的田野調查，採集了60多式的「腳譜」，再透過多次拆解、重構、與舞者夥伴們的靈感激盪，終於賦予原始舞蹈一種全新的形式。

「腳譜」正是《深林》的主要構成，企圖將身體感知連結山川大地，喚起共存於人類血液中的荒遠記憶。

褪去表情、以肢體表達對自然的敬畏

《深林》一段作品簡介是這麼寫的：「當人類跌入自然的縫隙，天光沒入土地的界線，森林變得更加莫測難度，未知的恐懼霎時滲入人心。身在其中的人們，僅能帶著徬徨的心情與步伐，持續尋找與萬物共生的道路。」

離開劇場後仔細回想，發現《深林》從開場到落幕，舞者只露過一次臉，其他時間總是彎著腰、駝著背、低著頭，幾乎不見將肢體完全伸展開的動作，彷彿以全身表達人類被自然包圍之時的渺小、無助。

而罩蓋舞者頭臉的紅色布巾，如同心中敬畏、恐懼的具體象徵。覆在裸身上的汗珠，被光線照得異常鮮明，遠在觀眾席看著，彷彿就能體會入山為身心帶來的勞累，路途中的掙扎、適應在汗珠中悄然體現。

未見仍可意會「深林」

所以說，為什麼一支關於深林的作品，卻絲毫不見綠色？或許瓦旦．督喜想做的並非讓森林的視覺在觀眾眼前「顯影」，而是藉由舞者的種種肢體姿態，讓人們隨著粗喘、魔叫、戲語、腳步的踩踏⋯⋯帶入表演者的體感，從而「感受」到森林就在身邊。在思考見與不見森林之時，會不會我們早已身在深林之中？

攝影｜PAUL CHAO、GRACE LIN

在倫敦薩默塞特府（Somerset House）的樓梯間，一場輕盈卻深刻的相遇正悄悄上演。由隈研吾發起的實驗團隊SEKISUI HOUSE – KUMA LAB，透過「Paper Clouds（紙雲）」這座漂浮的和紙裝置，把日本工藝、自然意象與未來建築研究一同帶進2025年倫敦設計雙年展，邀請人們重新想像材料與空間的邊界。

和紙雲朵飄進18世紀英國建築

走進由William Chambers設計的古典石階，你馬上就會被一片片的雲朵吸引目光。共約70片的雲朵以紙纖維製成，再用金色絲線輕輕懸掛，自樓梯最高處如雲瀑般垂下。

「Paper Clouds」作品靈感來自日本繪畫中「すやり霞（Suyari-Gasumi）」的技法，創造出如薄霧般若隱若現，卻又能呈現具體的質感。看似輕盈的裝置，背後卻承載建築材料創新的實驗精神：要如何在極致輕薄中，依然保有足夠的結構強度？

傳統工藝的當代技術突破

為了達成這種「有重量感的輕盈」，KUMA LAB開發了一種嶄新的和紙工藝，使用與傳統和紙相同的楮樹纖維，但卻不是製作液體狀的紙漿，而是製成濃稠的糊狀物，再以手指壓出格狀紋理，創造剛性與立體感。而每塊乾燥後的「雲朵」擁有如淺碗狀的造型，其輕如羽毛，卻具足夠強度懸掛於空中。KUMA LAB計畫將這項技術擴展到更多實驗，例如3D列印和耐候性塗料，希望未來能運用在永久性建築中。

材料、文化、藝術的交會點

「Paper Clouds」不只是一個視覺裝置，它也觸及聽覺與身體感知。本計劃邀請到小提琴家兼作曲家小町碧為此創作全新作品，錄音過程中還特別捕捉了和紙貼近肌膚所產生的摩擦聲。共同策展人Clare Farrow認為，這是東西方之間的一場對話——從和紙、金線到18世紀石階，材料跨越時間和文化，日式工藝的輕盈感與英國古典建築的厚重彼此對照、也互相映襯。

即便隈研吾事務所（KKAA）已是全球規模最大的建築團隊之一，其仍然堅持透過這些小型計畫，找到持續創新的能量。隈研吾曾表示：「大多數業主都非常注重安全，希望重複既有的設計方式，只有在這些小實驗中，我們才有機會挑戰未知或是測試新材料。」

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00