MoCA台北當代藝術館2024展覽整理！川堂打桌球、AI黑盒大爆發等14檔多元形式展演

by Lucinda Chen 2024-01-08

台北當代藝術館 MOCA 2024展覽
2024台北當代藝術館展覽《你好，人類Hello, Human! 》

2024年也相約去當代館看展吧！台北當代藝術館公布2024年展覽計畫，除了首度開放與校園相鄰的建築立面，也分別從AI科技、人權關懷、影像環境等主題策劃形式多元的4檔展演，以及10檔匯集國內外藝術家的實驗型展覽，串聯起令人期待的當代藝術視野。

▎2024台北當代藝術館 一年計劃  ▎

到當代館的《川堂》打桌球

接下來的一年，當代館將化為桌球場！作為台灣第一座古蹟改建而成的美術館，當代館即將揭幕未曾公開的空間，由藝術家賴志盛進駐當代館與建成國中相連處，將原先的空置區域轉化為開放式的川堂，打造一座充滿互動性的桌球場地，將美術館與學校融合，發掘古蹟建物意想不到的另一面。

2024台北當代藝術館一年計劃《川堂》
賴志盛《川堂》（圖：藝術家提供）

《川堂》

藝術家｜賴志盛
展覽日期｜2024/01/27-2025/01/05

▎2024台北當代藝術館 主展覽  ▎

《你好，人類Hello, Human! 》AI自主演化時代來襲

AI浪潮的當代，人類是否能夠建立起真正開放、可信任、共享的AI人工智慧系統？抑或是AI已經如無限套疊的俄羅斯娃娃，朝向自主高速演化進程？彷彿AI正冷酷地向「舊物種」人類切割告別，一邊衝出層層黑盒、一邊嘶吼著「Hello, Human! 你好，人類！」

2024台北當代藝術館展覽《你好，人類Hello, Human! 》
列夫． 曼諾維奇〈美學碎片〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《你好，人類Hello, Human! 》
超維度〈生態池〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《你好，人類Hello, Human! 》
江戶未來世〈屋台系列〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《你好，人類Hello, Human! 》
楊雨樵〈回．口〉（圖：藝術家提供）

《你好，人類Hello, Human! 》

展覽日期｜2024/01/27-2024/05/12
策展人｜林欣傑、蔡宏賢 
參展藝術家｜莫雷辛．阿拉亞⾥Morehshin Allahyari、傑森．艾倫Jason 
Allen、喬納森．班迪克森Jonas Bendiksen、爆炸理論Blast Theory、超維度Dimension Plus、fuse*、江戶未來世Hello Edo!、馬里奧．克林格曼Mario Klingemann、真鍋大度Daito Manabe、列夫．曼諾維奇Lev Manovich、松尾公也Koya Matsuo、onformative、安娜．里德勒Anna Ridler、孫詠怡Winnie Soon、魏廷宇Tim Wei、楊雨樵Yu-Chiao Yang

《關係人》在情境中探索平等關係

年中將登場的《關係人》以「平權」作為策展核心，透過藝術感性重新發現多樣關係，並尋求關係中的平等對待，探索#MeToo運動、性別壓迫、數位性別暴力等問題的治本之道。

《關係人》於高雄岡山樂群村進行前期創製，藉此重探家與眷之關係；在當代館的展覽則從探索、回應、修復3個主題切入，將場館化身為劇場、遊戲室與電影院，讓藝術作品帶領觀眾探索身體與情感，從中辨認權力藏匿的縫隙，並在安全的情境練習回應，同時尋找自我與彼此修復之道。此外，也同步舉辦系列論壇、影展與工作坊等交流活動。

2024台北當代藝術館展覽
《關係人》（圖：藝術家提供）

《關係人》

展覽日期｜2024/06/01-2024/09/08​​
策展人｜蔡佩桂
參展藝術家（暫定）｜洪鈞元、余彥芳、高俊宏、廖建忠＋女性團、曾靖雯、吳俞萱、游恩恩、何睦芸、走路草農／藝團、倪祥、李奧森、李慈湄、鄒欣寧、市村美佐子、林正偉、花慈璐、羅昭婷、跨藝桌遊小組

▎2024當代館青年藝術計畫  ▎

當代館推行的「青年藝術計畫」邁入第四年，為年輕的藝術創作者提供專業展覽平台，今年也將帶來2檔展覽，和大家一起展開對於當代藝術未來前景的想像！

《Beta+》與藝術家直接交流的即時動態展演

有別於傳統的靜態展覽型態，《Beta+》透過即時性的動態展演，回應當代視覺⽂化中的挑戰。策展人與藝術家們將於現場進行作品組構、展現思考過程，邀請觀眾見證這場時時刻刻都在變化的「展覽」，並與藝術家、現場作品展開即時性的交流。在當代館戶外廣場，也將設置一座移動性的建築裝置，舉辦觀眾⼯作坊，拓展藝術創作更多可能性與實驗性。

2024台北當代藝術館展覽《Beta+》
〈電⼦傳送⾨：朱銘〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《Beta+》
〈箱構3.0：巴斯卡箱 演算之所I〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《Beta+》
〈Chalco-peïa〉（圖：藝術家提供）

《Beta+》

展覽日期｜2024/09/28-2025/01/05
策展人｜邱杰森、莫珊嵐
藝術家｜超級浪、鍾興賦、鄧雯馨、楊⼦強、Munkhbolor Ganbold、林育正、⿈萱、Marie Havel、Clément Philippe

《熱影像》影像作為一種新時代數據與行動

《熱影像》以網路世界中的影像環境為主題，探討各種資訊所塑造出的想像世界與社會價值觀，以及它們是如何影響著大眾對於世界的認知。展覽從不同面向的議題深入，包含生存、性別、身體和社會身份等，將影像看作一種數位資本主義形塑的「數據」，思考影像如何成為新時代的行動。

2024台北當代藝術館展覽《熱影像》
《熱影像》計畫書（圖：藝術家提供）

《熱影像》

展覽日期｜2024/09/28-2025/01/05
策展人｜陳韋綸
參展藝術家（暫定）｜丹尼爾・卡諾加Daniel Canogar、吳宜曄、李亦凡、莊培鑫、許哲豪、馬修・格里芬Mattew Griffin

▎2024 MoCA Studio & Video  ▎

MoCA Studio & Video旨在推動實驗性當代藝術與影像藝術創作，開放國內外藝術家申請報名，今年共將展出10檔展覽。

《PHANTOMS》抵抗爪哇傳統精英文化

2021年「LOOP錄像藝術製作獎」得獎者、印尼藝術家Timoteus Anggawan Kusno個展《PHANTOMS》透過與爪哇傳統舞者合作，探索時間的循環感知，及對爪哇精英封建圈為核心的文化觀念展開抵抗。

2024台北當代藝術館展覽《PHANTOMS》
Timoteus Anggawan Kusno 'Phantoms Terra Incognita'（圖：藝術家提供）

《轉運站》從轉運站觀看貧窮人的台北

由窮學盟策劃的《轉運站》致敬步行距離當代館僅10分鐘的台北轉運站。不同世代、群體都在此搭乘長途列車進出城市，但是新自由主義之下的經濟變遷與不平等加劇了貧富差距、階級流動停滯，城市並未成為底層者的應許之地，然人們仍駐於此搏鬥、生根，期盼下一次機會到來。

2024台北當代藝術館展覽《轉運站》
〈貧窮人－都市裡的Talu_an〉（圖：藝術家提供）

《未境之域—林書楷個展》窺探城市文明的樣貌

以「未」及「境」二字出發，《未境之域》從佈展狀態呼應藝術家林書楷的創作歷程，窺探、探索「展板內城市文明」，放眼城市未來的樣貌想像及考古現場。

2024台北當代藝術館展覽
〈陽台城市文明－齊物誌系列Ⅱ〉（圖：藝術家提供）

《反覆演練》討論女性經驗與性別空間

由嚴淳齡策展，邀請李秀芬、林佩瑤、程時雍、馬洛書、劉馨檜、趙曼君參與展出，主題將圍繞在「女性經驗的操演體現」和「空間作為性別結構」兩個方向。

2024台北當代藝術館展覽《反覆演練》
〈排演人生〉（圖：藝術家提供）

MoCA Video的部分，則依序推出韓國藝術家Jaewook LEE的《Re-imagine Human-Nature》，挑戰觀念並為歷史藝術實踐注入新生命；陳省聿、林怡平聯袂展出《居家符號學》，以廢棄物回收廠作為隱喻，探討意義與價值體系如何在語言、空間及社會系統中被建構、解構及重構；李勇志《過期霓虹─戶外放映》以現今街道少見的霓虹燈招牌作為主要的「臨摹」對象，不僅是對歷史圖像的蒐集及拼貼（collage），同時也觸及觀眾的個人記憶及經驗；毛友文《歷史的例外狀態》尋訪七星山傳說中的金字塔，透過影像的時間性與寫實虛幻的建構性，展開對於記憶、歷史與自然之探究；魯志楷《懸停記憶》錄像作品以空拍機的視角與人機連結關係，發掘空拍機的不同可能，更帶出常民生活與信仰傳說背後關於「人」的記憶面貌。

2024台北當代藝術館展覽《Re-imagine Human-Nature》
Jaewook Lee 'Ana Mendieta if'（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《過期霓虹─戶外放映》
李勇志〈過期霓虹轉場〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《歷史的例外狀態》
毛友文〈歷史的例外狀態〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《懸停記憶》
魯志楷〈雲端勞力士〉（圖：藝術家提供）
2024台北當代藝術館展覽《居家符號學》
陳省聿 林怡平〈Semiotics of the Home居家符號學〉（圖：藝術家提供）

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「美國大都會博物館名作展」在故宮！集結梵谷、塞尚等大師名作，梳理印象派到現代主義百年藝術流變

by Izzie Pang 2025-06-14

2025展覽 藝文展覽 故宮博物院 大都會博物館
「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
（圖片來源：《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》官方Facebook）
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。（圖片提供：時藝多媒體）
「從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展」即日起於國立故宮博物院北部院區第二展覽館隆重開展。（圖片提供：時藝多媒體）

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
美國大都會博物館。（圖片來源：The Met）

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《大溪地的出浴女子 Tahitian Women Bathing》，高更 Paul Gauguin，1892。（圖片來源：The Met）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《彈鋼琴的兩位少女 Two Young Girls at the Piano》，雷諾瓦 Auguste Renoir，1892。（圖片來源：The Met）
「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《春日 Springtime》，皮埃爾·奧古斯特·考特 Pierre-Auguste Cot，1873。（圖片來源：The Met）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《花朵盛開的果樹園 The Flowering Orchard》，梵谷 Vincent van Gogh，1888。（圖片來源：The Met）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《大碗島的星期天下午 A Sunday on La Grande Jatte》習作，喬治·秀拉 Georges Seurat，1884。（圖片來源：The Met）
「美國大都會博物館名作展：從印象派到現代主義」6月故宮登場！集結梵谷、塞尚等大師名作
《冬天早晨的蒙馬特大道 The Boulevard Montmartre on a Winter Morning》，卡米耶・畢沙羅 Camille Pissarro，1897。（圖片來源：The Met）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）
展區一隅（圖片提供：時藝多媒體）

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

皮耶‧波納爾，《聖特羅佩舊港一景》，1911年。（圖片來源：The Met）
皮耶‧波納爾，《聖特羅佩舊港一景》，1911年。（圖片來源：The Met）

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

​

▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

​

▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

​

▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

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by 張以潔 2025-06-13

2025大阪世博 大阪世博亮點設計 大阪世博特色展館
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2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA（妹島和世＋西澤立衛）操刀。（攝影：蔡耀徴）
「Better Co-Being」展館由獲普立茲克獎的SANAA（妹島和世＋西澤立衛）操刀。（攝影：蔡耀徴）

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。（攝影：蔡耀徴）
「Better Co-Being」的銀色網格在不同天色下映照出不同氛圍。（攝影：蔡耀徴）

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

左：「echorb」石頭感應器，會有發光與震動的效果。右：「echorb」連結手機後的畫面，可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。（攝影：張以潔）
左：「echorb」石頭感應器，會有發光與震動的效果。右：「echorb」連結手機後的畫面，可看到同場觀眾的石頭顏色與位置分布。（攝影：張以潔）

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

塩田千春〈言葉の丘〉，紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。（攝影：蔡耀徴）
塩田千春〈言葉の丘〉，紅線和漂浮的文字聯繫起無法言喻的情感。（攝影：蔡耀徴）
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹，他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下，散發各種色彩。（攝影：蔡耀徴）
宮田裕章〈共鳴の空〉會觸發人造雨並形成彩虹，他和EiM共創的〈最大多の最大幸福〉鋼絲上的裝飾也在雨水和光線下，散發各種色彩。（攝影：蔡耀徴）

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

展覽最後，觀眾的行動數據和當下氣象，會轉化為球體LED影像。（攝影：蔡耀徴）
展覽最後，觀眾的行動數據和當下氣象，會轉化為球體LED影像。（攝影：蔡耀徴）
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」，作品亮起的瞬間非常令人難忘。（攝影：蔡耀徴）
非常推薦在傍晚或晚上預約參觀「Better Co-Being」，作品亮起的瞬間非常令人難忘。（攝影：蔡耀徴）

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。（攝影：蔡耀徴）
「荷蘭館」建築由RAU Architects操刀。（攝影：蔡耀徴）
球體接觸展館內的感應點後即會發亮，也會觸發牆面的聲光裝置。（攝影：蔡耀徴）
球體接觸展館內的感應點後即會發亮，也會觸發牆面的聲光裝置。（攝影：蔡耀徴）

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內，觀看上方穹頂的影像，播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。（攝影：蔡耀徴）
同梯的觀眾會聚集在一個環形劇場內，觀看上方穹頂的影像，播放期間大家手裡的球也會跟著變換顏色。（攝影：蔡耀徴）

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心，也象徵從水中汲取的再生能源。（攝影：蔡耀徴）
直徑10.6公尺的「人造太陽」球體是荷蘭館的核心，也象徵從水中汲取的再生能源。（攝影：蔡耀徴）

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件，將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊，就會對你進行悄悄話般的解說。（攝影：蔡耀徴）
「德國館」以吉祥物「Circulars」作爲引導物件，將Circulars頭部接觸展場感應點後再放置耳邊，就會對你進行悄悄話般的解說。（攝影：蔡耀徴）

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

「Future of Life」外觀不時有水流下，一來水為生命的起源，二來大阪有「水都」之稱。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」外觀不時有水流下，一來水為生命的起源，二來大阪有「水都」之稱。（攝影：蔡耀徴）

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

「Future of Life」第1個展間，展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」第1個展間，展示了「猴子」到「女學生」等各式機器人。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」穿越到50年後，觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」穿越到50年後，觀眾正和人形機器人一起坐在列車上。（攝影：蔡耀徴）

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

在50年後的世界，主持人松子Deluxe正和機器人互動。（攝影：蔡耀徴）
在50年後的世界，主持人松子Deluxe正和機器人互動。（攝影：蔡耀徴）
1,000年後的世界，「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。（攝影：蔡耀徴）
1,000年後的世界，「Future of Life」上演了一場未來「人」的奇幻表演。（攝影：蔡耀徴）

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人，館內也由機器人擔綱引導。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」共展出20具人形機器人和30架機器人，館內也由機器人擔綱引導。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢，且與內容貼合。（攝影：蔡耀徴）
「Future of Life」每個展間的區隔、轉場十分流暢，且與內容貼合。（攝影：蔡耀徴）

Future of Life
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▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

「圓頂A」以竹作為屋頂結構，由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。（攝影：蔡耀徴）
「圓頂A」以竹作為屋頂結構，由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置展示於此。（攝影：蔡耀徴）

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

nomena設計的水循環藝術裝置，將「水」這件事做了極細膩的展示。（攝影：蔡耀徴）
nomena設計的水循環藝術裝置，將「水」這件事做了極細膩的展示。（攝影：蔡耀徴）

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩，甚至與天空融在一起。（攝影：蔡耀徴）
「BLUE OCEAN DOME」純白外觀會映照出天空色彩，甚至與天空融在一起。（攝影：蔡耀徴）

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後，更顯露出圓頂結構。（攝影：蔡耀徴）
「BLUE OCEAN DOME」在夜晚打燈後，更顯露出圓頂結構。（攝影：蔡耀徴）
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像，呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像，以美麗卻詭異的畫面直擊人心。（攝影：蔡耀徴）
「圓頂B」則是由視覺團隊WOW製作的全CG影像，呈現海洋、動物和塑膠垃圾彼此「共存」的影像，以美麗卻詭異的畫面直擊人心。（攝影：蔡耀徴）

BLUE OCEAN DOME
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▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

「韓國館」的裸視3D牆。（攝影：蔡耀徴）
「韓國館」的裸視3D牆。（攝影：蔡耀徴）

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

「韓國館」第2個展間裡，只要對如喇叭般的裝置吹氣，就會有泡泡從上方落下，亦展現了人和科技之間的連結與轉化。（攝影：蔡耀徴）
「韓國館」第2個展間裡，只要對如喇叭般的裝置吹氣，就會有泡泡從上方落下，亦展現了人和科技之間的連結與轉化。（攝影：蔡耀徴）
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置，不過泡泡是由下往上升起。（攝影：蔡耀徴）
「瑞士館」也有與「韓國館」相似的泡泡裝置，不過泡泡是由下往上升起。（攝影：蔡耀徴）

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合了K-Pop音樂與舞蹈。（攝影：蔡耀徴）
「韓國館」第3個展間播放「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合了K-Pop音樂與舞蹈。（攝影：蔡耀徴）
「韓國館」第3個展間，影片講述科技與情感的聯繫。（攝影：蔡耀徴）
「韓國館」第3個展間，影片講述科技與情感的聯繫。（攝影：蔡耀徴）

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
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➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材，以榫卯組合成4層結構，形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線，宛如一艘木船。（攝影：蔡耀徴）
「巴林館」運用約3,000根未經工程處理的木材，以榫卯組合成4層結構，形成前後高17公尺、中間低13公尺的弧線，宛如一艘木船。（攝影：蔡耀徴）

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

「巴林館」的木構運用相當值得一看。（攝影：蔡耀徴）
「巴林館」的木構運用相當值得一看。（攝影：蔡耀徴）

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

左：「巴林館」咖啡廳。右：「巴林館」館內展示，邀請大家親自觸摸船隻。（攝影：蔡耀徴）
左：「巴林館」咖啡廳。右：「巴林館」館內展示，邀請大家親自觸摸船隻。（攝影：蔡耀徴）

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
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文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》

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