4月中旬的米蘭，是與設計相遇的時刻：我們不單單走訪了家具展主會場，還「遠道」城内與城外的重點設計區域發掘最新潮流，為這國際最知名和最大型的設計展抽絲剝繭，抓出未來家居設計的宏觀趨勢重點。當然，讓人喜見的則是台灣設計在這裡所嶄露的頭角，已開始綻放。

米蘭國際家具展在異常「熱情」的春季天候中拉開帷幕。打著「Where design evolves」（設計進化之地）的主題，新設計不僅占滿了 Rho 主會場的家具、廚衛、辦公等領域展廳，也在主辦方「自營」的裝置策劃下，為到訪者提供了宛如逛「美術館」的體驗。像潛意識導演大衛·林區（David Lynch）就以名為「Interiors by David Lynch. A Thinking Room」（思想室）的裝置，讓訪者可透過獨處空間做內心的審視，並且同時有效反思室內裝飾的製作，以及家具與室內裝飾購買者之間深刻的、有時是共生的關係；而意大利設計雙人組 Formafantasma 則設計了「Drafting Futures」（起草未來）展廳。這個結合了演講平台和書店的空間，自去年起已經為展會帶來了緩衝片刻。而今年的「綠意」則更為展會增添一絲自然氣息，在「趕場」時亦能閒逛片刻。

米蘭家具展之國際觀

難以忽略的是，後疫情時代的義大利設計業已顯其保守的一面：不僅家具形態在過去幾年來都呈同質化——譬如渾圓的大型沙發——而且在各大家具品牌如 Cappellini、Poltrona Frau 和 Zanotta都選擇於城中建立起旗艦店後，主會場的「快閃展廳」也變成了考量之外。因此，家具展還有什麽「好看的」？——論家具趨勢，不少品牌以相中其他北歐品牌的缺席趁機彌補這一空缺：亦即為義大利設計裹上亮彩與淡雅的色澤：這可堪稱「Scanditaly」（北歐義式）的趨勢。像 22 號展廳中的塑料大廠牌 Kartell， 就看見淡紫色的崛起。而城内，Moroso 和 Zanotta 皆將其與霓虹黃色做搭配，頗有異曲同工之妙。

另外，顯然的是，不少日本設計品牌也加入成為家具展（乃至設計週）的成員。從木料家具做主的Maruni，到開設旗艦店的 Time & Style，還有策劃出最佳展廳設計——至少在我們的眼中——的 DAFT about DRAFT 等，都彰顯出日本設計已在義大利設計業界佔一席之地。加上今年的 ADI 設計博物館還策劃了「ORIGIN of SIMPLICITY」（簡單之起源）日本設計展，想必日本與義大利設計交流已如火如荼進行中。而未來，誰將會繼深澤直人、吉岡德仁和 Nendo 成為新星呢？

台灣設計在米蘭

今年入駐到米蘭的台灣設計，可說是空前地多。首先要提的就是分別於 6 個區域中展出共 13 件作品的許向罕。從花上 6 年時間才得以推出的 X 桌子系統（Cappellini 出品）到入駐於 Palazzo Litta 的個展「UNobject」——甚至還有獨特的舞蹈表演！——他的成就可説是實至名歸，自 2018 年參與衛星展出道以來，就一步一脚印地實現設計，即使充滿無限可能與挑戰。X 桌子的最大特色，就是利用模組化的概念，讓整體底座也透過易於維修來延長產品的使用壽命，並降低生產成本和資源消耗。

另外，向罕的作品也出現在台灣設計研究院所策劃的「台灣館」之展。這個以「台灣設問」（Who is going to raise the questions?）為題的策劃就希望能探索設計在當代社會中的角色，突顯設計思維有助解決全球問題的價值。當中參展的 15 件設計作品，不僅都擁有金點設計獎的肯定，也在永續循環、友善環境的原則下，為全球業界提供新選擇。當中最具人氣的設計，就非柏成設計的 Bloom 椅莫屬。這個以建築思維重塑舒適結構，就採用了廢棄皮革並以花朵狀設計節省 80% 包裝空間，進而能顯著降低碳排放。

同樣從衛星展出道的曾熙凱，也在擔任實踐大學工業產品設計學系助理教授後，第二年與副教授林曉瑛協同當屆畢業生到米蘭展覽。今年入駐到駐米蘭台北辦事處就以「ONE KM² CLUSTER IN TAIPEI」（台北一公里内）的主題策劃，向世界展示年輕設計師們將台北的傳統加工、材料採購聚落與現代設計相結合所碰撞出的精湛結晶。其中，讓人驚嘆的就有像謝家昀以日常生活中經常使用五金件所組成系列燈具。

在臨近的「Isola Design Festival」（伊索拉設計節）區域，四位台灣設計師則攜手帶來了一場名爲「UNDERTONE」（弦外之音）的聯展。他們的作品，從鋼材（張家翎）、紡織品（李佳玲）、到砂石（賴亭安 ）和蠟（張庭瑄）——這些原料和成品雖不盡相同，但整體上卻因爲都是探索了「造物」在當代的價值與新義，進而充滿了實驗性的前衛感。像家翎的燈具雕塑「Circuit—Sequence」（迴路——序列）就與雜波 ZAP 團隊共同開發導電系統，所以讓構成懸吊結構的鋼索也能同時導電，為物理與物性（張力與電力）的相互關係中，提供了另一種認知物的維度。

裝置設計獎，花落誰家？

與一般設計週不同的是，米蘭的大型裝置和策展設計也享有人氣與追捧的獎勵。而今年從 1,100 多個參展項目中成功超越了其他如藝術家 JR、谷歌等設計，並榮獲「Fuorisalone」（城内展）的「最佳展覽獎」的就有來自捷克共和國玻璃品牌 Lasvit 的「Re/Creation」（再/創造）裝置。
該裝置是在品牌藝術總監 Maxim Velcovsky 的策劃下，在 Palazzo Isimbardi 的中庭建立了一個可以讓思想自由漫步的空間。 但其初衷還是為了展現出新技術：熔融玻璃（fused glass）。最終成果——10 個大型玻璃拱門的結構——就得以帶出一種靜奢感，讓觀者大感驚嘆。

有趣的是，日本設計團隊 we+ 也在今年有傑出的表現，其設計的兩個不同的裝置都讓人印象深刻。該團隊除了在全新建築「園區」Dropcity 進行了粉末的研究展，也在 Palazzo Litta 的中庭内策劃另一個大型裝置，並在「城中展」獎項中獲得「特別提名」（special mention）獎項。這個名爲「Straordinaria」的裝置，出自於義大利廚房抽油煙系統公司 Elica 的委托，旨在創造出連續流動的交替色調，喚起空氣和溫暖，就像是雲朵般輕盈，且如 Elica 產品所能帶來的功能與便利。這一看似為「社交網紅」的裝置，卻意外地提供了沉浸式的體驗，完美地啓動了新感受。

2024 米蘭國際家具展兼米蘭設計週
展期｜2024年4月12日～21日

文字、攝影｜Yen_甄健恆

BLACK Design（BD）在台灣的戶外文化中始終占據獨特位置。它不以大量新品或強勢擴張建立品牌，而是透過材質、工藝與玩家之間的互動，逐步形塑屬於自己的語言。走進今年展覽現場，主理人賴彥岐談的不只是桌椅與配件，而是BD與玩家長期累積的理解：那些願意投入、願意感受細節的人，成為品牌的根基，也讓BLACK Design的存在更具溫度。

近年台灣戶外文化逐漸走向成熟，玩家開始回到自身需求，尋找更講究、能真正融入Lifestyle的方式。BLACK Design（BD）在思考產品時，並不追隨外界潮流，反而從形隨機能的角度出發，打破戶外與室內的絕對二元論，並且將產品在不同場域中延展。無論團露裡的集體創作，展覽中的生活佈局，都讓品牌與玩家之間的對話逐步形塑。

去年BD於臺灣府儒考棚推出「BD home」選品計畫，以「Hybrid Living」為題，匯聚國內外風格品牌、裝備、植栽、公仔與家飾，在古蹟空間中重新描繪露營與居家的流動邊界；今年策展，繼續將「室內與戶外自由切換的生活感」進一步蔓延，也使品牌的核心在時間裡逐漸顯影。

玩家不是「受眾」，更是BD的世界觀

在BLACK Design的設計語境裡，「玩家」向來扮演主動角色，他們會以自身的生活方式閱讀物件：在意桌面邊角的弧度是否順手、木紋與光線之間的關係是否自然、配件的比例能否融入自己慣用的動線，……這些經驗沒有被刻意整理，卻在長久的使用中，成為BD創作的基礎。

在團露聚會，玩家各自大顯身手，有人先從桌子展開動線，有人以燈光建立氛圍，也有人從料理區域陳列物件。每個人都帶著自己對風格的理解，共創直擊心靈的美感營地。而展覽空間，則呈現像是物件與植物、器皿與椅子、光影與動線等場域故事，使人得以看見「露營」如何自然踏入室內。

BLACK Design也在與玩家的相遇裡，重新理解物件在日常安放的樣貌。賴彥岐說得很直接：「大家不是在買一張桌子，而是在完成自己的生活方式。」

物件形狀，是在無數試作中被「聽見」的

BLACK Design許多作品的開端，往往來自使用浮現的念頭—某個角度需要更穩、一段動作應該更俐落，或是材質在光線下呈現出的質感需要再調整。賴彥岐會從這些細微判斷開始，逐一檢視材料的力量與特性。

他常說，BD的作品必須具備「工藝層次的完整性」。這指的並非外觀的華麗，而是物件經得起時間與反覆使用的檢驗。「晴桌」的桌框比例，就是在反覆調整受力後才定稿；「錘櫻」的高度與線條，也是在多次試驗下才確立最能安置光源的姿態。賴彥岐說：「形狀不會一次到位，它要自己長出來。」

對BD來說，工藝是一種把物件帶到「能安心交付」的責任；他會等到所有細節都達到應有的精準度才放行。這份由時間換來的至微細節，也使BD的家具能在各種生活環境裡維持清晰的辨識度。

讓物件在真實場域裡被理解

BLACK Design的販售始終保有節制。品牌沒有鋪天蓋地的上架策略，也不依賴快速流通，而是以預約或名單形式曝光，把作品帶到選物店、藝文空間與露營場域，直截和人群交流，在現場試出真正的質地。賴彥岐常說：「物件要被看、被摸、被理解，這件事不能急。」

從「BD home」、台中松竹捷運站的「居市森駅」到各地的主題團露，這些場域彷彿BD的試驗平台。作品在光線、動線與布局的變化之間，長出更多可能，也顯露出僅憑照片難以感受的細節。

正因如此，BD總希望以「時間」作為橋接點，讓使用者在操作與觀察之間理解作品的本質。當物件在生活中找到它的歸屬，品牌想傳遞的語意也會隨之明朗。如賴彥岐所說：「作品離開我們之後，要能慢慢融進某個人的日常，那才算真正完整。」

BLACK Design

品牌自高山攝影團隊發起， 擅從「生活× 藝術× 自然」體悟與思考， 受到星空下野營的深刻影響， 將對自然的靈感淺移默化到傢俱設計之中。提供高功能性且具美感的露營家具，近年更延伸至居家市場，將戶外自由感帶入室內。產品以台灣設計製造、兼具實用性、設計感與獨特的木質金屬異材質結合美學。 

_{文 | 邵瀠萱　圖片提供：BLACK Design}

以海上燈塔為靈感，以火光為名，巴黎創意工作室Douze Degrés設計的「Flare」燈具系列，巧妙運用光學鏡片，捕捉、放大並投射燭光火焰，將原先柔和的火光光暈，轉化為鮮明光束，在空間中投射出如火圈般的靈動光芒。

靈感源自海上燈塔的光之實驗

「Flare」不只是一組燈具，更是一場關於光的實驗，源自於Douze Degrés對菲涅耳透鏡的探索。這種鏡片最早被應用於燈塔，由法國物理學家奧古斯丁·菲涅耳（Augustin-Jean Fresnel）發明，鏡片特點為焦距短，且與更早前的透鏡相比更加薄透，因此能聚集並傳遞更強烈的光，讓燈塔得以為遠方的人們指引方向。

用光與透鏡構築，雪地天文台的感官饗宴

2024年，在瑞士海拔近3,600公尺的斯芬克斯天文台，Douze Degrés為音樂廠牌Cercle的現場演出打造視覺場景。團隊從攝影師和天文學家「觀察」時的相似姿態獲得靈感，構想出一系列聚焦於「光」的物件，利用菲涅耳透鏡的物理特質，透過鏡片反射雪地環境，及其帶來的視覺變形效果，為音樂表演建構隨時序與光變化的佈景；同時為記錄現場的攝影師，創造出更自由、更具實驗性的創作空間。

將火光轉化為可容易被觀測、感知的樣貌

結束Cercle在瑞士的演出後，Douze Degrés進一步將鏡片帶往不同的自然環境中進行實驗，從雪地、草原到湖泊，並加入火焰這般難以預測的光源，探索光與鏡片交織呈現的各樣視覺效果，也透過鏡片將火光的幽微流動，轉化為可被觀測、感知的樣貌。

最終，長達一年的實驗過程化為「Flare」的設計養分，這款燈具將從大自然出發的實驗，帶入室內空間，為家注入詩意氛圍。

2款「Flare」燈具為空間注入詩意氛圍

「Flare」燈具的結構簡潔俐落，以鋁製支架、特製透鏡和蠟燭座構成，每一件作品都在Douze Degrés巴黎工作室手工組裝完成；其中蠟燭座還可彈性調整高低位置，任使用者玩出更多不同光的變化。全系列共推出2種版本，一款是精巧桌燈，適用於尺度較小的空間；另一款則是落地的立燈，燈具尺度拉長後更有種藝術雕塑之感，為空間帶來更強烈的視覺表現。

目前「Flare」已在Douze Degrés官方網站開放選購，想收藏不妨點此了解更多。