日本設計師佐藤卓來台專訪：設計就是連結，任何記號都不會是單獨的存在！

跨足企業品牌形象、商品開發及產品包裝設計、藝術展演，甚至是教育節目藝術總監，你一定曾看過佐藤卓深植人心又歷久彌新的設計！今年是他自立佐藤卓廠牌的40週年，不形塑個人風格，不採取上對下的指導，持續活躍於設計一線。在5月受邀來台擔任青春設計節評審之際，La Vie與佐藤卓相約，聊設計也聊「不設計」的心法。

因應青春設計節的評審工作，初次造訪南台灣的佐藤卓說：「高雄所有的東西都好大！」包含天空都特別開闊，雖然行程緊湊，但不知不覺緩慢了時間流動。他分享此次看見台灣年輕設計師對自然環境的高度意識，並超脫業界設計師的大膽想像力構築新穎的脈絡與格式，讓他深感滿滿刺激與啟發。他特別提到，這個時代已不是把表面做得非常漂亮就可以獲得高評價，看見學生能探究到題目標的的本質、建立作品的邏輯，若能套入不同的元素產生新的連結，佐藤卓認為將會是非常有價值的事情。

「我常會在講座中分享，設計就是『連結』的工作。」以金澤21世紀美術館為例，連結的是美術館與外界的大眾，因此首要思考與深究的是美術館存在的意義。設計團隊必須各方各面了解與認識美術館、誠懇地梳理特色，他提到「任何一個『記號』都不是單獨存在的，其背後包含所屬的組織、建築物，甚至是策展方針內容等。」當設計可以將美術館的個性完整呈現，自然會形成具有代表性且令人印象深刻的品牌記號。

「我沒有想要去『創造』一個全新的東西！」佐藤卓輕描淡寫地敘述自己的工 作，只是從現存的內容中發現大家可能忽略的亮點，將之萃取後用另一方式呈現而已。就像金澤21世紀美術館讓人驚艷的logo設計，佐藤卓認為其建築物已將美術館的概念具象化了，「當我接到美術館的委託，一攤開建築圖面時，就覺得他們已經幫我做好設計了（笑），無需添加任何多餘的東西。」

BAO BAO ISSEY MIYAKE的品牌logo也是相同歷程，是將BAO BAO象徵性的三角片排列串聯拼出品牌名稱。他進一步說明，這或許也是大家對於TSDO出品的品牌記號感到印象深刻的原因，「因為設計的並不是我個人的意識或解讀，而是眾人對品牌本身的共感與認識。」

有時微調後的logo，連員工都無法察覺哪裡不同

佐藤卓曾在著作《塑思考》中提及：「做設計」時，會忽略其實「不做設計」及「不改設計」也是設計的選項，內容夠好的物件，往往不需太多設計的參與。

他信手捻來經手過不做設計、不改設計的實際案例，像是鏡頭公司SIGMA、齒科醫療機械公司NSK（NAKANISHI INC.），佐藤卓開玩笑說：「可能是連員工都無法察覺到的『新設計』！」他認為設計是生物，放置不管就會隨時間老化、甚至會死亡，而SIGMA與NSK都是營運超過數十年、行銷各國的大廠牌，原設計有一定程度的辨識度，同時也仍能代表品牌精神與未來走向，因此佐藤卓的目標是放在讓品牌識別代表的記號不要看起來落伍或老氣，僅在比例上做些微調整，做設計上最小的介入，比起做出一個華麗的全新記號，對品牌未來發展是更適切的選擇。

而在專門收藏日本畫的「山種美術館」，他則詮釋了不做設計也是好設計。山種美術館創始以來都只有以毛筆字所寫下的名稱作為對外形象，因此在50週年之際邀請佐藤卓設計全新品牌識別。但在佐藤卓的眼中，原先的毛筆字極具歷史意義與美術館的代表性，於是製作全新logo的同時，請館方找出毛筆字的原始檔，以現代高精密的技術重新掃描，完成線條更為俐落並帶有氣場的標準字。「我只有做這件事，」佐藤卓進一步說，「讓客戶既存的價值被保留並且持續流傳下去，是我很重要的工作。」

在眼下做出改變，眼中望向的是未來

現代設計師的角色必須考量得更全面，不再是只專注在美感、做出漂亮的設計就可以交付業主結案，企業或品牌的識別就是「顏面」，更應該要當成是對待真正的臉來謹慎行事。

佐藤卓會先聯想到設計記號會延伸應用在什麼情境或媒體平台，企業或品牌在接下來的時代想要扮演什麼樣的角色，「透過設計在當下做出的改變，會在未來帶來什麼樣的意義，或是呈現什麼樣的樣貌，我會和客戶一起思考現在應該要做些什麼，然後一起去做。」

佐藤卓說，他很常會跑到客戶的公司去跟各部門的員工聊天：「你對公司的印象如何？」、「你喜歡公司的logo嗎？」讓客戶端在專案過程中很有參與感，而不僅僅是參與最終決策，這也是佐藤卓做設計的 一大特點。當然也有遇過客戶設計意識較為低落、或有錯誤認知，他也會直率地指出，有時也會去給客戶上課、說明logo的意義，「當然我必須說得很有趣，讓客戶願意聽進去囉！」當客戶意識到設計是件這麼有趣的事，才可能聽得進去設計師的建議，雙方也才能達到有效溝通。

被問到是否有針對溝通受過什麼樣的訓練嗎？佐藤卓攤了攤手說：「其實我只是從小就很不擅長坐在書桌前，成天只想著找朋友玩，跟朋友一起玩是我最早開啟的人際關係。」因為朋友眾多，包含朋友的朋友，各自相處與溝通的方式也不太一樣，但為了可以把不同的朋友聚集在一塊兒，他總是不厭其煩嘗試各種溝通的方式，「我也是現在才敢說出來，當年可是每天被嘮叨：『快去念書啦！』」只能說，佐藤卓這無法阻擋的玩心，已耐心培養成強大的溝通能力了。

當人放棄選擇和參與之時，雋永的設計將不再存在

面對AI浪潮的來襲，無論是「文字AI」或「算圖AI」，都已在不同環節成為創意工作者的新工具。佐藤卓坦言目前還沒有實際使用AI的經驗、也尚未有機會深入了解AI的發展，他趕忙表示自己並非抗拒，對他而言AI是一個「人在使用的工具」，可以下指令先搜尋全球的logo標誌，進而分析和重新設計，短短數秒即可達成100個提案，「但是最終決策與判斷的還是人類，無論AI工具再怎麼進步、甚至發展出自己的個性，都還是要由『人』來決定採用。」

佐藤卓提出一個相當有力道的觀點：如果未來AI持續發展，到了人都可以不用去做選擇的地步，設計就會變成沒有責任歸屬的事。「沒有責任歸屬的東西會長遠留在地球上嗎？我認為不會。」他解釋，簡單做出來的東西亦會輕易地被捨棄，相反地，即便是AI 產出的logo，如果能邀請公司所有的社員一起來表決，將logo放入社員們的意識，經過自己心意所挑選的成果更容易產生共鳴與尊重，就不會被輕易拋棄——就像前面所提到，佐藤卓總會在接到委託後跑到客戶公司做員工採訪，也是這樣的原因。

如此這般，設計出來的logo較可能代代相傳，並加入隨時代演進的低設計介入微調，那麼無論AI甚至是其他工具如何發展，「人心」始終都會是設計可被長久傳承下去的主要因素。

佐藤卓（Taku Satoh）

1955年東京出生，日本平面設計師。1984年創立佐藤卓設計事務所（現更名為株式會社TSDO）至今。曾參與「NIKKA Pure malt 威士忌」商品開發，「LOTTE XYLITOL樂天木糖醇口香糖」、「明治好喝牛乳」產品包裝設計、「PLEATS PLEASE ISSEY MIYAKE」平面設計等，以及NHK《日本語遊戲》節目藝術總監、《啊！設計》綜合指導、21_21 DESIGN SIGHT總監等，跨足各領域。興趣是衝浪與拉丁音樂。

_{企劃｜張以潔　文｜劉祥蝶 Show.D 　口譯｜詹慕如}

_{攝影｜ KRIS KANG、Satoshi Asakawa　圖片提供｜ TSDO 　場地提供｜駁二藝術特區} 

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第37屆金曲獎頒獎典禮於本月27日登場，不同於過往的金色與暖色調，本屆主視覺以深藍色為基底，透過花苞、花蕊與綻放的姿態，描繪音樂創作從醞釀到誕生的歷程。作為主視覺操刀團隊StudioPros的創辦人暨設計總監，李宜軒並不追求鮮明的個人風格，而是在理性與感性之間，逐步發展出一套有脈絡的設計思維。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年金曲獎主視覺中，一朵緩緩盛開的花，象徵著音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。而對李宜軒來說，設計或許也是如此。談起自己的設計歷程，她笑說自己大學時其實對設計產業並沒有太多浪漫想像。當身邊許多人仍在摸索未來方向時，她已經開始大量接案，試圖提早理解市場需求，也累積自己的作品集。後來進入了國立陽明交通大學應用藝術研究所，讓她逐漸跳脫傳統商業設計的框架，思考平面設計是否還有更多可能性。「那時候突然發現，大家都讀了4年大學，為什麼能力差距這麼大？」在這樣的刺激下，她開始學寫程式、做網頁，也開始創作海報，不斷摸索自己擅長的風格和專案類型。

研究所期間，李宜軒加入當時已是業界指標的設計公司Bito。那是她第一次真正理解國際級設計專案的運作方式，也看見設計產業光鮮作品背後龐大的研究、提案與溝通過程，然而同時，她也開始思考一個從接案時期就一直困擾著她的問題：為什麼設計師投入大量時間研究與創作，客戶卻未必能理解其價值？「是不是我們其實不夠了解客戶真正想要什麼？」帶著這樣的疑問，她轉而進入IBM擔任設計顧問，開始接觸UI/UX領域。

相較於常常「一張圖定生死」的平面設計，介面設計更強調使用者研究、數據分析與邏輯推演，大至新功能的開發，小至每一個按鈕的位置與操作流程，都需要明確的原因與數據支撐。這讓她逐漸意識到，設計若想被理解、被接受，尤其是在商業環境中，就必須建立在清晰的脈絡之上。「很多企業主其實不懂設計，但懂商業，他們在意的是轉換率、營收、消費者喜不喜歡、競品有沒有這個功能。」於是，她成立StudioPros與The Rebranding Lab，嘗試將UX研究的方法帶入品牌設計之中，並慢慢發展出一套介於理性與感性之間的工作方法。

設計，始於理解

「品牌重塑最重要的事情，其實不是設計，而是先把問題找出來，並且排序。」李宜軒解釋，一個品牌決定重塑時，往往早已面臨許多問題：可能是識別系統難以延伸、內部使用效率不佳，或是品牌定位逐漸模糊。因此在進入設計階段前，她往往會花費大量時間與客戶討論、訪談與研究，希望建立一套所有人都認同的目標與判斷標準。以《報導者》的合作為例，由於組織扁平、內部參與決策的人數眾多，因此團隊花了大量時間整理不同角色的需求與痛點。例如設計素材難以管理、社群貼文製作耗時，或版本檔案容易混亂等問題，都被納入品牌重塑的討論之中。「你會發現，真正重要的問題其實都和視覺美感無關，而是和易用性、系統性有關。」

李宜軒坦言，她不覺得自己有什麼特別鮮明的設計風格，也不會刻意追求流行，畢竟不同產業、不同客戶面對的問題各不相同，很難只靠單一風格回應所有需求。她更在意的是如何建立一套有脈絡的設計思維。「例如在品牌設計的討論中，我們談的通常不是好不好看，而是這個顏色能解決什麼問題、傳達什麼感受。像紅色可能比較熱情，那品牌真的需要熱情嗎？」

這樣的思考方式，也反映在李宜軒面對reference的態度上。在她看來，若只是想追求某種特定風格，或單純從reference去延伸自己的畫面，其實很難完全避免做出類似的設計。因此比起從畫面出發，更重要的還是回到品牌本身的需求與定位。「當品牌的故事與需求足夠清楚之後，設計就不需要一直從圖像反推品牌，而是能從品牌本身推導出新的圖像。」

一個成功的主視覺是？

繼在Bito時期以設計師身分參與金曲28典禮動態設計，時隔9年，如今李宜軒帶領StudioPros團隊操刀金曲37主視覺。不同於過往金曲獎常見的金色與暖色調，今年主視覺選擇以深藍色作為主色。李宜軒分享，當時主辦方希望跳脫大家對金曲獎的既有印象，因此團隊僅保留部分金色作為點綴，讓它像音樂中的亮點一般，隱藏在花蕊與細節之中。而花朵柔軟而流動的意象，則源自本屆核心命題「虛與實」，並恰好呼應音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。特別的是，許多主視覺通常是在定稿後，才交由動態團隊延伸，但這次StudioPros與動態團隊曜星三一從概念發想階段便同步合作，並提前思考未來在舞台、影像與各式動態片頭上的延伸可能，也讓整體視覺語言更具一致性。

對李宜軒而言，一個成功的主視覺要能夠隨著不同載體持續延伸與轉譯。以2023年新一代設計展主視覺為例，當時團隊從展覽主題「原點」出發，以座標與格狀結構發展出一系列幾何元素，並進一步思考如何串聯線上與線下體驗。除了社群與平面視覺外，也將海報、大型看板與識別證結合AR技術，讓觀眾透過手機掃描後，看見主視覺轉化為立體的3D物件。「現在大家的東西都做得很吸睛，所以設計還是要有亮點。」她笑著說，一方面是讓提案更有說服力，另一方面，也真的希望這些創作型專案能成為值得被記住的作品。

近幾年，StudioPros除了持續投入品牌設計，也陸續參與台北電影節、金曲獎等大型公共專案。李宜軒說，這樣的狀態其實正好回應了自己創業以來的理想工作方式。品牌設計重視邏輯與問題解決，視覺設計則保有更多創作自由，在理性與感性間來回切換，也讓她能持續保持對設計的熱情。比起找到一套固定的風格，設計之於李宜軒，似乎也如那從醞釀到綻放的過程，每一次都從不同的提問出發，緩緩長出新的可能。

李宜軒
StudioPros創辦人暨設計總監，曾任職於IBM Consulting團隊。擅長以使用者體驗與研究為起點，深入品牌背景與核心價值，提出具策略性的品牌設計解決方案。長期協助企業與公共組織釐清品牌定位、重塑溝通方式，透過設計打造兼具溫度與辨識度的品牌識別系統。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜StudioPros}

剪開布上的紗線，底層的圖案顯露而出，那些被劃開的紗線似草叢或似海浪，在圖上輕輕晃動。日本織品設計師氷室友里以親自開發的雙層布料，與LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌合作，在社群上引起關注。她說，剪刀剪下的瞬間，那些不可預期的變化、緊張又期待的心情，都是作品承載的珍貴回憶。

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今年初甫結束在韓國首爾「Ground Seesaw Hannam」的大型個展《JOY, TODAY》， 氷室友里在900平方公尺的展場裡，展出170件作品，共吸引7萬人參觀。她在現場以剪刀在布上「作畫」的影片透過社群分享，精緻又療癒的畫面，在資訊海中引人定睛。

想用日常物件創造歡樂世界

快樂，是氷室友里作品予人的感覺，也是她投入設計的原點。她回憶兒時，有次爸爸帶回了義大利廚具品牌ALESSI的紅酒開瓶器「Anna G.」作為伴手禮，人偶造形的結構，只要轉動頭部，雙手便會跟著舉起。她深深被其「明明是工具，卻又像玩具般充滿魅力」的特質所吸引，每次吃飯都很期待使用它。

上了小學後，父母帶她去看《義大利與日本 生活設計展》，展覽以近似裝置藝術的方式，展示了充滿玩心的家具與廚具。「我第一次意識到，日常使用的物件也能創造出如此歡樂的世界，開始有了『想成為創造這些東西的人』的念頭。」

在準備大學考試期間，她接觸到了荷蘭設計工作室Droog Design。她說，像是以鐵鎚敲打製成的沙發，或是將布料綑束而成的椅子，這樣並非著重於外觀美感或使用舒適度，而是從另一種角度切入的設計方法，使她相當嚮往。氷室友里坦言，其實最初並沒有特別喜愛織品設計，但因為很欣賞當時任職於Droog Design、同時也創作陶藝的荷蘭設計師Hella Jongerius，「我希望自己也能建立起對某個媒材的專長，因此選擇了這門專攻。」在學習途中，她逐漸發現布料與人的密切關係，也變得越來越投入。

為布料設計「產生變化的瞬間」

奠定氷室友里創作風格的關鍵，是她在研究所時赴芬蘭交換，並接觸到的「提花織機」。她說，過去學習的是多臂織機，因為織造限制較多，「我一直覺得，自己的想法很難透過織造真正實現。」但提花織能獨立控制每一根經線，相對自由許多。她進一步解釋，提花織的設計其實是透過電腦完成，因大學裡設有能夠立即試作的小型提花織機，她便像是做實驗或玩遊戲般，一再重複「設計→查看織出來的結果」的過程。

為了創作出能帶來歡樂的布料，她不斷思索「人究竟會在什麼樣的瞬間，感到驚喜或露出笑容？最後我得到的答案是，人會被產生變化的瞬間觸動。」因此她開始將「互動」作為設計核心。

「SNIP SNAP」這款運用雙層布料與剪刀和人互動的代表作，就是她在研究所的畢業製作。「我拜託日本提花織工廠的職人協助，甚至住進職人家中，一起投入開發。」她說，開發過程相當耗時，由於表層是浮起的緯線，底層則織有圖案，最困難的莫過於紗線的選擇。若線太細，在剪開之前，下方的圖案就會露出來；但若太粗，又無法順利織製。

從人與物件的關係，展開合作宇宙

本是靜態的布料，在氷室友里的設計下變得能與人互動。除了「SNIP SNAP」，她也開發了正反兩面圖案不同的「HIDE AND SEEK」、圖案會隨觀看角度改變的「motion-textile」等布料系列。

最近，她也與時尚科技公司ZOZO NEXT合作，開發感溫布料系列「THERMO TEXTILE」。她說，ZOZO NEXT希望能將旗下的機能性紗線，以更親民的形式讓大眾接觸，因此邀她合作。不過她笑說，因為自己的手總是很冰冷，即使碰了布料，顏色也沒有改變；為了觀察顏色變化，便用雙手把布包起來，再對著它呵氣。這樣如生火般的舉動，令她想到可以用「火」為主題，創作出「camp」圖案。布料為一片藍色系森林，只要遇熱，營火、燭火燈等就會浮現粉紅色火焰。

因為她的布料總帶有互動性，讓作品也能以影片形式展現，更吸引了LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌找上門，合作在社群曝光的形象影片。今年她與土屋鞄製造所合作，設計2027年度的小學生書包型錄和店鋪主視覺。她說，土屋鞄製造所的書包製作得非常細緻，因此她反覆調整打樣，確保細節不會在織造過程中被模糊掉。她也和品牌方討論，細節到「剪開後出現什麼樣的元素會比較好」都彼此確認。最後除了花朵，各種動物與昆蟲也會在剪開紗線後浮現，以表她期許升上小學的孩子們，能享受全新的相遇與發現。

其實不僅織品，氷室友里的設計也拓展到家具、壁紙、手機殼等其他領域。她表示，自己並不會把布料視為單純的素材，而是看作一種「與人相關的日常用品」。而她在織品裡探索的「人與物件的關係」，也能運用到各種領域。

像是她和紡織品牌alltec合作的晴雨兩用傘，從「是否能透過撐傘這個動作，讓圖案產生某種變化？」開始思考，進而觀察到印在傘面外側的圖案，其實會透到內側。這讓她想到，「如果在內側也進行印刷，或許就能讓內外兩面的圖案疊合，創造有趣的效果。」於是她在雨傘的內外側都印上葉片圖樣，當陽光透過傘面灑落時，兩面圖樣會彼此疊合，讓使用者彷彿置身樹影斑駁中。這樣的設計，也隱含了她希望「無論烈日或雨天，都能享受撐傘的樂趣」的心意。

不走最短路徑，才能孕育出獨特性

氷室友里的日常，也總是與各種媒材為伍，經常透過親手觸摸、剪裁、摺疊、捲起、揉皺等方式，反覆觀察布料的反應，藉此發想靈感。她說，自己有收集媒材的習慣，包括利用原始結構產生獨特動態的玩具、具有機關的繪本等，都在範圍內。她也提到，最近工作室設置了一台從挪威訂購的手織提花織機（TC2），開始進行不以量產為前提的自由實驗。她說，「這台機器，正是我當初在芬蘭第一次學習提花織時所使用的同款機型。我一直希望能有一個可以親自動手、把想法具體化的環境，儘管是一筆相當大的投資，我還是決定購入。」

手作的堅持，和近年大肆興起的AI浪潮看似對立，氷室友里卻有不同想法。「AI並非人手創造的設計的對立面，應該是像Photoshop一樣，被自然地運用到創作中的工具。」她說，不論是處理繁瑣作業、研究資料，或作為設計上的討論對象，AI已經成為她在工作與日常中不可或缺的存在。但她也指出，譬如手感、剪裁產生的不可預期變化，「這些無法單靠數位完成的部分，才能真正成為體驗與記憶，留存在心中。」

如今在東京造形大學擔任兼任講師的她，注意到數位原生世代的學生，非常擅長以iPad繪製草圖，也熟捻運用AI研究或在數位環境中發展創意，「我認為靈活運用數位工具是很好的，但同時，實際動手後才會有的發現、不走最短路徑才能孕育出的獨特性，我也希望將這些容易因過度追求效率而被忽略的面向，傳達給他們。」

曾有一位藏家告訴她，自己將作品作為孩子第一次使用剪刀的紀念，這是連氷室友里都未曾想像過的運用方式。她說，「比起所謂正確或美感，剪下第一刀時的期待與緊張，以及那段時光所留下的記憶，都能夠具體地保存在布料上，這件事本身就非常有意義。」對人們來說，很多時候正是過程本身，讓結果更加值得珍惜。

氷室友里
於日本與芬蘭學習並從事創作的織品設計師／藝術家。以透過人與布料間的關係，為日常帶來驚喜、樂趣與豐富性為主題，創立織品品牌YURI HIMURO，從事織品開發及企業設計合作。近年與LOEWE、PORSCHE的社群合作引發話題，亦於韓國首爾約900平方公尺的大型空間舉辦個展《JOY, TODAY》，吸引約7萬人參觀，持續朝國際發展。曾獲2018 Salone Satellite Award Third Prize、2021 Maison&Objet Rising Talent Awards Japan等多項獎項肯定。

_{文｜張以潔　圖片提供｜各單位} 

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