多數設計師將社群媒體視為設計案的宣傳平台，但岡崎智弘並沒有這麼做。這位國際平面設計聯盟（AGI）新科會員，合作對象包括NHK、ISSEY MIYAKE、Uniqlo、無印良品等知名品牌，點開其Instagram，映入眼簾卻是一字排開以火柴為媒材的逐格動畫。這些充滿奇想的創意從何而來？又如何裝配成駕馭商業案的技能？

數秒之間，火柴棒突然無限增值，又捲成橡皮筋、瞬間融化成紅黃摻雜的顏料。岡崎智弘透過Instagram發表的逐格動畫，乍看畫面構圖大同小異，但只要點開其一觀看，就會著迷於他在火柴此一結構單純的媒材上所施加的「拆解」魔法。儘管許多人因為火柴系列動畫認識了岡崎智弘，但對他而言，並不是打從一開始就有意識地選用火柴這個主題。

變化萬千的火柴棒是一場以10年為單位的實驗

2020年新冠疫情開始蔓延時，岡崎智弘開始了名為「STUDY」的實驗性創作。一開始使用像是文具等隨處可見的道具，觀察、拆解其結構後做出一個個短篇動畫，而現在之所以把焦點放在火柴，他解釋是因為火柴的形體帶有許多可以抽象解釋的空間。「把火柴棒拆解成細長的棒狀物和紅色的圓體後，很自然地可以發想出各式點子。此外，火柴棒本身也具備一種原始的美感。」

除了天馬行空的發想讓人折服，他4年來持續不懈地上傳動畫，近乎每天發布，累積的數量也令人嘆為觀止。岡崎智弘每天早上10點開始設計工作，先於7點左右抵達辦公室，並在大約2、3小時的時間限制之內完成火柴動畫的物件製作、拍攝以及影片編輯。對他而言，因為所有動畫都只做一遍，需要集中注意力在唯一一次的製作之上，每天早上的動腦時間無形中成為了工作前的適度暖身。

岡崎智弘將「持續地發布火柴動畫」這件事本身，定義為一種研究與實驗的行為。他說：「STUDY這項實驗計畫，對我而言就像是在『散步』。沒有目的地出走，發現有趣的事就停下腳步觀察，有時無形中會走到自己預期之外的地方。」也因此，除了火柴，偶爾出現在畫面中的「手指」或「紙片」，就像是散步時臨時起意的「繞路」一般。這些子題，就是在這漫長實驗過程中的小小挑戰，這也體現了STUDY這個計畫的理念之一——每天有一點點的進步就可以。

他補充，雖然並不是一開始就規劃好，但他希望研究火柴這件事可以持續10年。因為若是把時間軸拉長，就不用急著在創作中加入轉折或變化。「重要的是每天持續地埋頭創作。就像一張張連續拍攝的照片串聯起逐格動畫，我也很好奇，最終這一部部短篇動畫會發酵成什麼模樣。」

從熱愛觀察昆蟲的男孩到獨當一面的設計師

從短短的火柴動畫裡，可以窺探他對設計與創作的獨到哲學。而這樣的設計思維，或許奠基於岡崎智弘自幼對「觀察昆蟲」的熱愛。其設計師事務所網站的個人簡歷，開宗明義地寫著：「小時候每天都在抓昆蟲。翻看路邊石頭的背面、在森林或草叢裡尋找昆蟲蹤影、心無旁騖地觀察抓到的昆蟲，這些經驗都成為現今創作活動的基底。」

問到為什麼對於昆蟲如此執著，他解釋，捕蟲時除了事先得調查昆蟲的習性外，在野外也必須感知環境中所有微小動靜，加上昆蟲並不依照人類的邏輯而行動，充滿未知的部分讓年幼的他深深著迷。他說，「耐心觀察、集中精神、傾聽感受，這和我長大成人後面對設計工作時的心態並無不同。」

自東京造形大學設計系畢業後，他首先進入廣告代理公司工作，學習到如何以俯瞰的角度審視設計工作及社會產業的結構。但由於比起製作人，他注意到自己更傾向於動手進行創作，於是在日後轉換跑道，進入平面設計師事務所。

工作之餘，他會在休假時自主性地進行各種設計實驗，無意之中萌生出「如果在平面設計中加入時間軸，會變成什麼樣子？」的念頭，便開始探索以逐格動畫詮釋平面設計的可能性，並在個人網站上傳一部部作品。幸運的是，他的個人創作獲得NHK美學教育節目《Design Ah！》（デザインあ）製作人的青睞，受邀擔任該節目「解散！」篇的設計師。

透過逐格動畫思考「原來設計是這麼一回事」

在節目播映的10年間，岡崎智弘一共製作了110篇逐格動畫，將生活中常見的水果、食物、文具以意想不到的方式拆解、排列再重組，包含讓壽司的生魚片與飯粒排排站、讓電路板和數字鍵從計算機「脫逃」，用視覺效果呈現，讓人們更直觀地對物體的構造、維度有更深的認識，並進一步思考「原來設計是這麼一回事」。

他提到「解散！」篇的每個創作，會先賦予物體一個概念，再自由地發想該如何「呈現分解」。大致拍板定案後，才開始著手實際拆解與拍攝。拍攝的難處在於物體很容易受到自然現象與重力影響，而發生意料外的狀況。

以飯粒排排站畫面為例，一般或許會認為切去最下方的一小部分後就可以立起飯粒，但當內含的水分蒸發後，米飯很快就會失去重力倒下。但對他而言，因為設計往往不會照著人們的腳本走，再度觀察、思考如何應變，正是設計工作的有趣之處。

「幾乎所有的拆解與拍攝都是我親自經手，現在我可以充滿自信地說：這世上大概沒有我拍不出逐格動畫的東西。」而《Design Ah！》也成為岡崎智弘獨立的契機，他在2011年成立了個人設計師事務所「SWIMMIMG」，對當時平面設計與動態影像的二元對立拋出疑問，並試圖賦予兩者對等價值。

以培育出的觀察眼，設計萬物內部的構造

「SWIMMIMG」所經手的商業案件包含品牌識別、商品包裝、書籍裝幀、展覽視覺、廣告影像，甚至亦參與展場設計規劃，橫跨平面、動態到立體空間。合作對象也從在地的小型商家，擴大到Uniqlo、ISSEY MIYAKE、無印良品等知名 品牌。貫徹其中不變的是，從各個作品中都可以看出岡崎智弘以平面設計為本的心態，以及在動與靜之間的取捨。

HOMME PLISSE ISSEY MIYAKE的前導宣傳視覺，正是其中一例。他提到，最初收到委託時，客戶提出了「希望能同時呈現紙本邀請函與影片投影兩種效果，傳達出兩者具備同等價值」的要求。最終在他的提案中，以逐格動畫非常直觀而簡潔地呈現了紙本印刷品舞動時的效果，在短短數秒之間，同時傳遞了平面設計的力度及動態設計的可能性。

而在品牌識別設計上，岡崎智弘十分重視設計的「目的」，並心繫於如何捕捉設計對象的「構造」。如他為日本平面設計協會（JAGDA）的會員交流平台「設計到此」（ここまでデザイン）所製作的logo中，轉換了「で」和「デ」這兩個日文讀音相同的文字，營造出趣味巧思。

他說，自己並不只是設計logo在視覺上的呈現，更希望能傳達出設計對象內部的構造和機能，讓觀者能在瞬間理解品牌主體。「另外有趣的是，因為是以實體物件設計而成的logo，不僅在印刷品、動態影像上，更可以實際被放到現實生活空間之中，發展各種可能性。」

不斷穿梭於不同領域並帶來驚喜的他，談及近期關注的設計作品，又帶我們進入了另一個驚奇。他笑說，不知道稱不稱得上設計，但最近對一個名為「neguse_art」的Instagram帳號產生了興趣，該帳號從2018年開始，每天持續上傳一張睡醒後一頭亂髮的照片，某種程度和自己的火柴棒創作一樣，都是每日持續的「晨間活動」。「雖然是有意地每天拍一張照片上傳，但當累積到某種程度時，這些刻意看起來就像是一種再自然不過的行為。因此每每看到類似的行動，都會讓我內心雀躍不已。」

而投入設計至今，岡崎智弘的作品也如動畫般逐格積累，不禁好奇他是如何看待自我風格？「我所經手的設計，基本上不是在探求我個人內心的創作靈感，而是透過觀察外部的世界，從中尋找設計的線索。並不是我有很多有趣的點子，我的設計都是為了讓人們能夠重新認識世界上既存的各種要素、現象，以及背後的構造。畢竟光是觀察這個世界，就充滿了各種樂趣。」這個回答，讓人彷彿看見了當年蹲坐在路邊，心無旁騖地觀察昆蟲的那個男孩。

岡崎智弘（Tomohiro Okazaki）

平面設計師。1981年出生，畢業於東京造形大學設計系，主修視覺傳達。曾任職於廣告代理公司、平面設計師事務所，於2011年9月成立個人設計師事務所「SWIMMING」。以平面設計為基底，彈性遊走於印刷品、動態影像、展覽等視覺傳達領域，在文化價值與經濟發展的平衡之間從事設計活動。

^{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
圖片提供｜岡崎智弘}
更多精彩內容請見 La Vie 2024/3月號《建築自然系》

相信大家都收過台電的「停電通知單」，最近它悄悄換了樣貌，在「偶爾設計」的改造之下，不再是紅粉色紙上印著密集的黑字，轉而以黑、黃對比配色呈現，視覺架構更清晰，讓民眾一眼就能掌握訊息！

為什麼要改版？

2025年，偶爾設計受台電委託，接下重新設計停電通知單的任務。這次改版最大的目的，是要讓停電通知更一目瞭然，讓民眾能快速抓到「施工停電」的重點資訊，一方面提醒大家提前做好準備，另一方面避免民眾混淆，能透過公告清楚了解這是為確保施工安全，而不是因缺電、電費未繳所造成的停電。

讓停電資訊更簡單明瞭

原版的通知單用色單一、文字呈現分級模糊，讀起來相對不易。為讓訊息更加簡單明瞭，偶爾設計與台電來回討論，重新梳理通知單的資訊層級、視覺動線，將「因確保工程安全停電」的相關字樣放大，並透過黑、黃配色的對比，凸顯停電時間、查證與諮詢管道等重要資訊；次要的注意事項也精簡用字，採條列式呈現，讓民眾讀起來更輕鬆容易。

考量到台電實務操作，停電通知單需要頻繁編輯，因此將預設模板分為「固定資訊」和「可編輯資訊」，保留各區的編輯彈性，同時兼顧通知單對外的視覺一致性。

什麼時候會收到新版通知單？

目前新版停電通知單已上路，許多網友在社群分享已收到彩色印刷的全新版本，也有人表示，最近收到的仍是粉紙黑字版，只不過排版設計已更新。新制上路不久，目前或許仍是過渡期，新版設計的落實也仰賴各地基層單位協作，實際應用情況如何仍待觀望。

回顧台電美學進化3大亮點

▍退役電力設備重生

台灣公部門美學持續進化，台電對此投注許多心力，近年「台電文創」持續與設計、藝術與工藝創作者攜手，為退役電力材料、水力發電廠底泥等賦予新生，推出文具、燈具、杯墊等文創商品。

▍台電老屋新生，轉型展開第二生命

2024年，台電將位於新北金山的舊員工宿舍，改造為咖啡廳與藝文展演空間「金水361. META Space」，邀請擅長以回收物發想新設計的「META Design」，將電力退役設施改造為家具，邀人們前來山城喝咖啡、看展覽，為閒置空間注入活水。

雖「金水361. META Space」已歇業，其原址仍以「台電金水基地」為名持續推動藝文展演。2025年夏天，日本藝術家奈良美智台灣巡展《跟著朦朧潮濕的一天去旅行》金瓜石站正是在此舉行，展覽超人氣周邊商品——〈朦朧潮濕的一天〉限量徽章，正是由台電以退役變電箱為材料打造！

▍以電費帳單信封為舞台，邀設計人發揮創意

台電也曾在2022年攜手大象設計、插畫家廖國成，將70多年來累積的豐富文資史料，以半立體插畫的形式，轉譯為更貼近生活的有趣畫面，帶大眾輕鬆了解台電數十年來逐步實踐的電力工事。這些充滿巧思的插畫，不僅躍上桌曆、記事本等限定商品，也被印上「電費帳單信封」走進大眾生活。

此外，台電也舉辦「瓩設計獎」，號召設計系學生、設計工作者投稿，優勝作品將會登上全台發送的電費帳單信封，為設計人提供表現舞台。

1952年成立的國際平面設計聯盟（Alliance Graphique Internationale，AGI），為全球指標性的平面設計組織，會員門檻極高，成立70多年至今會員僅約500人。自2010年起，AGI將內部的會員活動「AGI Congress」和面向大眾的「AGI Open」聯合舉辦，每屆選址不同城市，會員和大眾一樣得自費前往、購票參與。透過設計師聶永真、陳聖智的會員和非會員視角，深入AGI年會內部，以及即便成本高昂，為何大家都還是這麼想參加？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

聶永真：從設計到城市的深度接觸

記得2013年第一次參加，完全搞不清楚Congress和Open，邊摸索邊知道Congress大約有4天、是會員限定，Open約有2天、開放給一般大眾（實際天數會因每屆而異）。

Congress的重點在文化交流，論壇比較沒有那麼嚴肅，最重要的是每屆新會員的「New Member Zapping」，每人均有5分鐘介紹自己。此外還有Gala Dinner、Welcome Party等社交活動，也會安排參訪當地美術館、設計公司等等。

這其實也是在比國力，2013年倫敦在「倫敦自然史博物館」的恐龍下吃晚宴；2017年巴黎在「東京宮」辦晚宴、在「龐畢度中心」開會員大會；2023年奧克蘭去了吉布斯農場及主人的私人莊園、吃米其林BBQ，還在主辦公司庭院辦爐火趴；2024年巴塞爾堪稱建築之旅，不過因為成本太高，都不是坐遊覽車，例如參訪「Vitra Campus」時是搭公車慢慢跨越瑞士邊境（笑）。其實這些國家都是因為AGI我才第一次造訪，但卻可以非常深入地去到和當地文化相關，或甚至得動用關係才能進去的地方，都不是單純作為一個觀光客能達到的。

Open則是相對正式的講座，每位講者20分鐘。每次聽完2天都會有很多想法，很多人的重點是看作品，但每個人演講的方式、幽默感、節奏都不一樣，那個對我來講是好玩的。像是奧地利的Stefan Sagmeister張力很強、荷蘭Studio Dumbar創意總監Liza Enebeis非常幽默，加上Dumbar的動態常常包含聲音設計，當場播放出來的氣場非常適合壓軸。

場地也非常厲害，2013年倫敦在「巴比肯藝術中心」、2016年首爾在Zaha Hadid設計的「東大門設計廣場」（DDP）、2024年巴塞爾在Herzog & de Meuron設計的「巴塞爾城市賭場音樂廳」。

此外還有展覽，AGI會在活動前1、2個月公布主題，會員不論是否會到現場，都可以上傳作品，會由當地負責製作。倫敦的主題是茶具，首爾、巴黎、巴賽爾都是做海報，2025年胡志明市則是巧克力包裝。

以前我從來沒有和佐藤卓、淺葉克己講過話，但可以很直接地、很私人地交談，第一次的機會就是在2013年倫敦的活動。2017年在巴黎，也第一次見證服部一成、色部義昭有點緊張地在做新會員簡報。

每屆講者大概有一半是基本大咖，但也有可能原本是要去見識大咖，最後卻認識了更對自己品味的設計師。大家都很常在Pinterest上找reference，其實來源大概有7、8成是AGI會員，常常到了現場才知道「原來這是他做的」。對平面設計師來講，這真的是終其一生的難得機會，可以一次看到這麼多厲害的創作者。

陳聖智：活動映現的國家文化

Open在不同國家的講者組成都不一樣，我的觀察是，這和該國家設計的成熟度有關。在平面設計相對沒有這麼興盛的國家，例如胡志明市，猜測更多當地觀眾期待的是明星，因此安排非常多像原研哉、佐藤卓、Stefan Sagmeister、Liza Enebeis等大牌設計師；在設計比較成熟的國家，為了票房當然還是會有大咖，但面向就更廣。

Open通常從早上9點開始，為了讓大家早起，常常第一位講者會安排大咖（笑）。我自己很喜歡佐藤卓的演講，每年都叱吒全場，而且是用非常簡單的英文和概念，來講自己的創作哲學。

Gala Dinner也可以看出主辦國家的飲食和社交文化，例如巴黎是典型一道一道的法餐，胡志明市則做成夜市攤販，要自己去點餐。

奧克蘭是我們目前最推的一屆，從Congress到Open都圍繞在紐西蘭文化上，所有工作人員打招呼也都用毛利語。這屆還找來一位歐文設計師，以毛利圖騰結合AGIOpen經典的幾何符號，開發了一套字體系統，並在Open講座上，透過後台即時打字和講者互動，非常厲害。

給大眾的AGI Open攻略！

① 門票很貴嗎？
每屆舉辦地點、票價都不同，可直接上AGI Open官網查看、購買。以2025年越南為例，1日票1,250,000越南盾（約1,500新台幣）、2日票2,250,000越南盾（約2,600新台幣）。其實AGI會員要參與同樣也得購票，受邀Open演講者亦同（頂多減免住宿幾天）。2026年已確定於冰島舉辦。

② 每屆人都很多嗎？
其實每屆Open的參加者，AGI會員占少數，一般大眾才是多數。不僅是當地民眾，還有不少是來自周邊國家的設計社群。

③ 一般大眾有機會接觸AGI會員嗎？
通常Open官方沒有特別安排「會員和非會員」的交流活動，但每屆不同，巴塞爾那屆是有明確的交流活動。有些國家也會在活動開始前，詢問設計師是否有創作物或出版品要在Open賣，例如奧克蘭那屆就擺了一個小市集，販賣設計師的書或周邊商品，佐藤卓還在演講的空檔直接開起簽書會。

④ Open和Congress都有演講，兩者差在哪？
Congress的演講相對輕鬆，重點偏向文化交流，例如邀請主辦國當地的設計公司、創意產業從業者（不一定是會員）來分享，讓AGI會員了解當地文化及設計環境。Open則是形式正式的論壇、講座。

聶永真
永真急制Workshop負責人。第21、25、26屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、iF傳達設計獎得主。作品獲德國Hesign編集全球百間《Small Studios》、APD、東京TDC年鑑收錄。2012年入選國際平面設計聯盟（AGI）。曾任德國紅點傳達設計獎國際評審。著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW永真急制》、《不妥》。

陳聖智
永真急制Workshop設計指導。歷年聯合打造多項專案設計，如臺中綠美圖視覺識別、新一代設計展、台灣設計展、高雄鋼雕藝術節主視覺、林宥嘉及田馥甄等多張專輯設計。曾分別擔任評審及入圍金曲獎最佳專輯裝幀設計獎，帶領團隊作品履獲金點年度最佳設計獎、東京TDC入選及iF等獎項。

_{採訪整理｜張以潔　圖片提供｜各單位}

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