《梵谷：尋光之路》8/24富邦美術館開展！迎來25幅真跡、橫跨10年創作生涯，展覽亮點搶先看

今年又一檔世界級規格展覽！從5月開展的《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》、6月底將揭幕的高美館×英國泰德現代美術館年度特展《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》，如今富邦美術館更將於8月24日盛大迎來《梵谷：尋光之路》特展，展出全球最大梵谷收藏之一「庫勒穆勒美術館」的真跡珍藏。

《梵谷：尋光之路》（Van Gogh：Journey of Light）將於富邦美術館3F日光展廳開展，期許以「光」為媒介，連結梵谷巨作與台灣觀眾視野，更隨著「光」的指引，近距離欣賞梵谷獨到的筆觸和色彩運用，追隨梵谷的足跡踏上尋光旅程，汲取創作靈感與生命力量。

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《梵谷：尋光之路》深入後印象派大師的藝術生涯

被譽為表現主義先驅的梵谷，最為世人熟知的莫過於他一生過的孤悲辛苦，過世後才揚名立萬。如余光中翻譯的《梵谷傳》中幽默地感慨：「梵谷的畫生前沒人看得起，死後沒人買得起。」然而，橫跨梵谷短暫而菁華的10年創作歲月，每一件作品都是一段精彩故事。

《梵谷：尋光之路》以時間脈絡展示梵谷的藝術生涯，從多幅代表性的作品，包括素描系列、自畫像、田園風景和靜物畫等，再次認識梵谷的多元面貌，感受其透過作品映照出的生命際遇與炙熱情感，以及梵谷在創作晚期仍毫無保留地綻放的生命力。

看展亮點01｜來自世界最大梵谷收藏之一

《梵谷：尋光之路》展出來自全球最大梵谷真跡收藏館所之一、荷蘭「庫勒穆勒美術館」（Kröller-Müller Museum）的25幅珍稀館藏，是該館近年難得首肯的海外移展。創作生涯貧困的梵谷，鮮少使用高級顏料與畫布，其素描多以炭筆作畫，極易褪色；也常在畫布上重複作畫，多層油彩的厚塗使顏料更易龜裂、剝落。因此，梵谷的多數作品難以保存，隨時間推移已絕少至外界展出。

看展亮點02｜光影的探究與演繹

本次《梵谷：尋光之路》展出的畫作著眼於後印象派畫家對於光影的探究，如何在梵谷繪畫風格形塑之際產生了關鍵影響的脈絡。對比於1881至1885年創作初期，梵谷深受荷蘭古典大師風格的影響，作品以寫實灰暗色調為主，如素描系列、《努南的舊塔樓》等；1886年梵谷移居巴黎，受到大都市豐富多彩生活的刺激，並結識多位印象派畫家，創作風格在顏色與筆法都有了極大的轉變，使用高彩度的顏料描繪光線、以及嘗試了法國畫家秀拉的點描技法等，畫作《餐廳內》便是一例。

1888年前往亞爾後，梵谷的創作風格逐漸成熟，《日落時柳樹》、《柏樹圍繞的果園》等都是此時期的代表作品。梵谷見證了藝術之都巴黎肥沃土壤孕育出的創新風格，同時也迷戀上來自日本的浮世繪，除了精巧的臨摹作品外，後期創作中也時常運用浮世繪技法。

看展亮點03｜畫中的人性關懷與仁愛精神

梵谷居住在南法的聖雷米療養院時，雖身心備受折磨，卻迎向全新的創作高峰，創造出充滿強烈情感和戲劇性光影的畫作，展露出內心深處的孤獨與對自然的熱愛。

此時期的作品如《好撒瑪利亞人（仿德拉克洛瓦之作）》、《播種者（仿米勒之作）》都將呈現於本次《梵谷：尋光之路》展覽中，不僅反映了梵谷對於人性的關懷、回顧他在成為畫家前曾全心投入傳道的經歷，透出其對於仁愛精神的寄望、宗教的熱忱、人類勞動的敬仰，畫作裡鮮豔的色彩與厚重的筆觸，更完美體現了梵谷在風格上的成熟與思想深度。

看展亮點04｜從自畫像看梵谷

《自畫像》則是梵谷對於「人」充滿了激情與愛的另一種體現。他的一生極少拍照，卻一口氣畫了四十多張自畫像，也成為其創作生涯的一大特色，他運用對色彩的知識、充滿熱情的表現方式，在肖像畫上繪出了自己的獨特風格。觀賞梵谷的自畫像時，就能感受到他投射於其中的豐沛情緒，以及他對生命與生活時而堅毅、時而痛苦的複雜情感。

《梵谷：尋光之路》多元預售票種6/24開賣

等不及想去看展了！《梵谷：尋光之路》規劃多種預售票套組，6月24日中午十二點將於富邦美術館官網、udn售票網搶先開賣。一般預售票為420元（展期間售價500元），7月1日起將推出限量1000組的「精裝明信片套票」、「導冊套票」，以及兩款「雙人紀念實體套票」於限定通路獨家販售；除此之外，必不可少的展覽限定周邊商品，也將陸續亮相！

《梵谷：尋光之路》（Van Gogh：Journey of Light）

展覽期間｜2024年8月24日至11月11日
展覽地點｜富邦美術館3F日光展廳（台北市信義區松高路79號）
開放時間｜每日11:00–18:00（17:30停止售票入場）
售票連結｜6/24中午啟售，購票請至富邦美術館官網、udn售票網
展覽官網｜https://uevent.udnfunlife.com/vangogh_taipei2024

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場

呼應夏日的燠熱暑氣，綠美圖之臺中市立美術館（中美館）推出《熱暑人》特展，展期自5月中旬延伸至8月底，在台灣烈日炎炎的時節，以「熱／暑的文化和當代藝術」為主軸，匯聚來自16國的33組藝術家，透過繪畫、雕塑、錄像、聲音裝置等媒介，展演熱帶氣候如何影響人們的生活和身體感受。

3國聯合呈獻「熱文化」的多元面向

《熱暑人》是中美館開館以來首次串聯國際館舍的展覽，由台灣、菲律賓、巴拿馬3國機構聯手呈獻。展覽以台中作為首站，後巡迴至菲律賓、巴拿馬，並結合國際駐村計畫，邀國外藝術家來台駐地創作，勾勒出台中與其他熱帶地域的關聯，邀觀者以藝術為窗口，發掘熱帶國家與「熱文化」的多元面向。

展覽內容涵納熱帶醫學史、民俗療法、氣候地理、跨域文化等面向，回應「熱」如何在日常身體感受與殖民歷史脈絡中被理解與建構，並在不同文化與生態環境中，衍生出多樣的生命經驗與藝術表達。回應策展命題，參展藝術家透過田野調查與跨地域研究，以氣候、身體、記憶與自然為關鍵線索，描繪台灣與熱帶國家之間彼此呼應的生活圖譜。

《熱暑人》亮點作品搶先看！

▌台灣在地的熱暑記憶

《熱暑人》回扣台灣在地文化記憶，展出中美館典藏的王守英油畫〈夏日時光〉、廖瑞芬膠彩作品〈夏晨〉，透過畫作對光線、空氣與時間的細膩描繪，再現台灣夏日的日常景象與身體感受。這2件作品不僅呈現燠熱氣候下的生活樣態，也讓「熱」成為一種帶有情感溫度的記憶媒介，令觀者憶起與暑氣共度的生活片段。

▌在暑氣之中，聽見社會的節奏

在國際藝壇享有高知名度的巴拿馬藝術家Donna Conlon與Jonathan Harker，這次帶來〈熱帶鋅鳴曲〉及〈飲酒歌〉2件錄像作品，取材自巴拿馬日常物件與街頭聲響，透過節奏編排與幽默的視覺轉化，將日常轉化為對國族認同、身份與集體經驗的隱喻，呈現「熱」如何滲透於生活細節之中，並成為築起社會結構的線索。

▌用藝術表達「與熱共處」的生活知識

藝術家也從身處熱帶與亞熱帶地區的生活經驗出發，展現「與熱共處」如何成為一種順應自然、且深植於文化之中的實踐與知識系統。

巴拿馬藝術家Andrea Santos的〈太陽雨〉系列作品，透過錄像、繪畫與雕塑方式呈現，轉化加勒比海與拉丁美洲流傳的諺語：「太陽雨，是老太婆談戀愛！」在陽光與雨水同時存在的矛盾情境中，構築魔幻的視覺語言，並延伸出對身份認同、情感投射與土地關係的想像。

菲律賓藝術家Costantino Zicarelli經常結合史實與虛構，反思神話、身分與文化記憶的建構。這次展出的油畫作品，將菲律賓熱帶叢林的自然紋理，與影像製作中的「綠幕」機制並置，呈現方式呼應在地電影工業的綠幕概念。

▌氣候變遷，熱成了全球共同面對的現實

當氣候暖化帶來的衝擊逐一影響全球時，「熱」也從個體身體的感知，轉變為當代社會共同面對的環境現實。南方國家長期發展的避暑與解熱方式，不僅回應環境條件，也蘊含面對環境壓力時的生命韌性。

台灣藝術家蔡宗祐以獨特的當代水墨風格呈現〈拔罐圖〉、〈刮痧圖〉及〈針灸圖〉，表現應對中暑的民俗療法，描繪令台灣人會心一笑的「背部圖騰」，使身體成為文化書寫的載體。

設置於綠美圖大廳的作品〈It’s too late to give up〉出自克羅埃西亞藝術家Neli Ružić，她為台灣特別設計中文版燈光文字作品〈來不及放棄〉，其作品名原文被翻譯成多種語言，透過光讓一句文字在公共空間中形成可被理解的訊號，既指涉當代社會的壓力與臨界狀態，也隱含保有力量、繼續前行的希望。

▌熱竟也影響殖民歷史、地緣政治？

展覽也進一步觸及「熱」與殖民歷史及地緣政治之間的關係。台灣、菲律賓與巴拿馬都曾經歷殖民統治，殖民政權所引發的政治衝突，以及以利益為導向發展的「熱帶醫學」，在當前全球地緣局勢變動之際，透過歷史文獻與當代影像的並置，提供觀眾重新理解歷史並反思當代議題的契機。

策展團隊特別與國家攝影文化中心、台大醫院合作，展出醫療防疫史上珍貴的儀器與影像，揭示「熱帶醫學」在公共衛生發展與殖民治理之間的雙重角色。

以紀實攝影關注社會的台灣藝術家張乾琦，隻身前往坦尚尼亞，於混亂危險的現場拍攝錄像作品〈邦戈熱〉，記錄當地毒品氾濫及傳染病問題，呈現「熱」在社會失序與生存壓力的意涵。

邱子晏的錄像作品〈高砂深山鍬形蟲〉，回望日本殖民時期的科學研究與知識建構，揭示其中隱含的權力關係與意識形態，映照台灣在歷史轉換中，身份拉扯的矛盾。

葉忠宜以「熱扭曲影像」為主軸設計主視覺

展覽主視覺由設計師葉忠宜操刀，畫面呈現熱擾流造成的熱扭曲影像，像是滾水蒸氣、炎夏模糊街景、海市蜃樓……各種日常熱感的物理表徵。視覺概念直觀地以紅色熱浪為主題，搭配冷藍底色形成強烈冷暖對比，讓扭曲光影更具層次和深度，引導觀者藉此感受熱暑的體感晃動。

從台中出發，連結世界的藝術行動

《熱暑人》不僅是一檔展覽，更是一項跨國藝術行動。本展推動2組國際駐村計畫，邀請國外藝術家深入台中在地進行創作：菲律賓藝術家Corinne de San Jose與東海大學合作，從城市環境聲音出發，建構與地方節奏相關的聲音作品；瓜地馬拉藝術家Edgar Calel則與台中在地鯉魚藝廊合作，呈現瑪雅文化與傳統儀式，使文化記憶在跨地域的交流中重新被感知與理解。

《熱暑人》

展期｜2026.05.13－08.30

地點｜綠美圖 臺中市立美術館

門票資訊｜全票100元／臺中市民、兒童及樂齡族群享優惠票50元