高雄市立美術館年度特展《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》，展出英國泰德現代美術館與國巨基金會的精選藏品，包含畢卡索、安迪．沃荷、杉本博司、大衛・霍克尼等大師名作，引領人們探索繪畫與鏡頭之間的關係。本次展期到今（2024）年11月17日，可別錯過一次飽覽巨作的機會。

飽覽55幅經典之作

先前在英國泰德現代美術館展出的《瞬間》(Capturing the Moment)，不僅是其歷年展期最長的展覽，同時創下30萬人次觀展紀錄。而此次《瞬間》特展海外唯一展出站就在高美館，透過6大展區，精選的34件泰德美術館藏品，與國巨基金會收藏的21件現當代作品，審視近百年來繪畫與攝影的交織發展，一窺藝術家如何用鏡頭與畫筆來記錄瞬間，帶領觀者一同踏上穿越繪畫與攝影的旅程。

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在6大展區穿越繪畫與攝影的旅程

第一展區｜攝影時代的繪畫
綜觀20世紀，藝術家陸續透過攝影來創作，使得過去常以繪畫映照世界樣貌的概念，趨向複雜，於是畫家們也開始發展新的風格與視角，來回應攝影帶來的挑戰。本區除展出畢卡索(Pablo Picasso)〈水手〉、〈女子半身像〉及畢生代表作之一〈哭泣的女人〉，也能看到愛麗絲．尼爾(Alice Neel)以畫筆刻畫紐約工人階級的生活常態，寫實呈現芸芸眾生的樣貌；首次在台灣展出的多蘿西亞．蘭格(Dorothea Lange)〈移工母親〉作品，則呈現了鏡頭下的美國經濟大蕭條時期的生活。

第二展區｜拉鋸
當攝影師們忙於摸索相機的機械原理時，畫家們也持續處理著畫布表面的肌理與顏料的質地，讓媒材潛能能夠最大化發輝。而本區呈現藝術家們利用繪畫素材與技巧表現力，創造出層層交疊的構圖，像是在法蘭西斯．培根(Francis Bacon)的作品中，可見每一道筆觸中，所抒發的滿腔情感。

第三展區｜如畫的場景
當攝影與繪畫的界線逐漸模糊，傑夫．沃爾(Jeff Wall)也透過創作來對「攝影如實記錄真實世界」的概念提出質問，而在這件〈突如其來的一陣風〉作品，看似捕捉了凍結了一剎那，實則經過縝密的編排，其在構圖上擬仿了日本畫家葛飾北齋的作品，前後拍攝超過百張照片，之後將照片中的各式元素拼接，並透過數位技術疊加在一起，呈現出這幅創作。

第四展區｜凝視的詩意
如同藝術家在畫作中回應攝影帶來的影響，在攝影領域的新一代藝術家，也從傳統繪畫汲取養分，並提出新的觀看方式；以壯觀的大尺幅照片、工整構圖，觸發人們對觀看行為的反思。比如在托馬斯．施特魯斯(Thomas Struth)的攝影作品中，畫面裡的參觀者凝視著畫作，而畫作中的人們卻也反過來注視著你我；安德烈亞斯．古爾斯基(Andreas Gursky)以攝影探索影像製作的結構本質；杉本博司的《海景》系列作品，以長時間曝光技術來呈現各地的大海影像，顯現出攝影既是瞬間，同時也是時間積累的作品。

第五展區｜歷史取鏡 
在本展區中，展現出繪畫創作賦予攝影真實存在的意義，格哈德．里希特（Gerhard Richter）以拍攝的照片繪出〈兩支蠟燭〉；威爾漢姆．薩斯奈爾（Wilhelm Sasnal）的攝像繪畫中飽含歷史、新聞和記憶元素，顛覆傳統攝影與繪畫既定印象。

第六展區｜融合新境
本展區匯聚了藝術家們多方探索繪畫的創新嘗試，推翻繪畫至上的觀念，比如本區的名作安迪．沃荷（Andy Warhol）〈自肖像〉，便是透過絹版印刷工藝打破自畫像真實性的神話，呈現出最具代表性的普普藝術；約翰．柯林(John Currin)、恩吉德卡．阿庫尼利．克羅斯比(Njideka Akunyili Crosby)、麗莎．布萊斯(Lisa Brice)等藝術家從流行文化挪用攝影圖像，讓女性身體重新獲得應有的中心地位；麥可 · 阿米泰吉(Michael Armitage)、米里亞姆．卡恩(Miriam Cahn)透過畫作呈現肯亞的後殖民動盪與地中海地區的難民船難，以藝術來回應社會議題。

同場加映：《瞬間》特展系列活動
另外，高美館也推出一系列活動，6月至11月開展特展系列高美講堂，將引領觀者穿梭英倫博物館、藝術史、收藏拍賣、攝影聚焦等跨域主題；由高美館策展人講解的「專家導覽」場次，將於7月19日、7月26日登場；首度打造的「特展必修課」，8月11日由謝哲青深入解析泰德美術館與特展作品。

《瞬間－穿越繪畫與攝影之旅》特展
展覽期間｜2024.06.29-11.17
展覽地點｜高雄市立美術館101-103展覽室（高雄市鼓山區美術館路80號）
全票｜300元（ ibon售票系統、高美館售票中心現場、Kkday、Klook、Trip.com、易遊網同步販售）
高美館✕奇美博物館 雙美聯票700元（ibon獨家限量販售）
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當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）