提姆波頓特展壓軸登陸倫敦！《星期三》舞會禮服首度展出，以設計視角深入異想世界更多經典

「The World of Tim Burton」（提姆波頓異想世界）展覽巡迴全球長達十年，2022年時曾於台灣登場，如今整個展覽將在英國劃下句點。倫敦站由Design Museum（設計博物館）策劃，首度以設計視角探索提姆·波頓的異想世界，展出其與各領域設計師的合作歷程，包含90件全新展品。

巡迴十年後，在倫敦劃下句號

這是提姆·波頓的個人典藏首次於英國展出，而他本人也親臨現場，為展覽揭開序幕。「將50年來的藝術與生活呈現給大眾觀看，是一個奇妙的感覺，尤其這並非當初創作的原意。」提姆·波頓說明：「過去我曾拒絕在倫敦展出，但這次與Design Museum的合作讓我覺得很合適——他們理解藝術，並能讓我以設計的角度重新審視作品，這讓我倍感興奮。」

展覽策展人Maria McLintock也表示：「對提姆·波頓來說，每部電影的創作都始於一幅畫⋯⋯我們非常高興能在這座他居住了二十多年的城市，展出這麼多具有個人意義的作品。Design Museum重新構想展覽，加入許多新內容和新故事，讓倫敦站成為空前盛大、具有獨特視角的體驗。」

「The World of Tim Burton」預售票數量打破Design Museum開館以來的紀錄，目前已有超過32,000人預先購買了展覽門票。

以設計視角切入提姆·波頓的奇幻世界

倫敦可說是提姆·波頓的第二故鄉，在其創作生涯中佔有獨特意義。策展團隊重新構思展覽的敘事結構，並聚焦在其電影創作中所導入的設計手法，這也是首次有展覽將提姆·波頓的作品從設計視角呈現。

「The World of Tim Burton」倫敦站共展出600餘件創作，包括數百幅廣受喜愛的角色藝術品，以及90多件從未公開展出的作品。參觀者將走入提姆·波頓的奇幻世界，探尋他五十年的創作歷程，從早期的未實現計畫，到最新電影作品《陰間大法師2 》（2024）的珍貴物件。

本展於萬聖節前夕開幕，與提姆·波頓的哥德式黑暗世界相呼應，展期間也將放映18部波頓電影作品，讓觀眾窺探過去五十年重要電影創作背後的過程，包括《陰間大法師》（1988）、《蝙蝠俠》（1989）、《剪刀手愛德華》（1990）、《巧克力冒險工廠》（2005）等。

《星期三》舞會禮服首度展出

這次倫敦站新增了許多精彩內容，特別展現提姆·波頓與多位設計師的長期合作，橫跨多元領域，如服裝設計師Colleen Atwood、場景設計師Rick Heinrichs、建築師和設計師Anton Furst，以及獲獎的木偶製作和定格動畫團隊Mackinnon & Saunders，並藉作品展示進一步突顯提姆·波頓的影像風格。

首次亮相的展覽亮點，包含1992年《蝙蝠俠大顯神威》中貓女的乳膠緊身衣，帶有象徵性的縫線設計；Jenna Ortega於影集《星期三》經典片段——銳舞（Rave'N）舞會上所穿著的禮服；同樣出自《星期三》、由Colleen Atwood所設計的奈落學院（Nevermore Academy）校服；以及Christina Ricci在《斷頭谷》中的黑白條紋禮服等。

展場中還有數百件提姆·波頓的經典設計草圖和素描作品，見證了他在道具、場景設計與電影服裝方面的演變；觀眾還可以穿梭於充滿表現主義風格的場景，深入探索提姆·波頓奇異的藝術世界。另外，本次也特別復刻提姆·波頓的私人工作室場景，並展示近期創作的插圖手稿——例如他受邀為巴西聖保羅設計、一幅65公尺高的壁畫——觀眾可以從中一探他的創作歷程。

懷舊影廳回顧提姆·波頓創作歷程

「The World of Tim Burton」展覽的結尾，是一個全新打造的電影體驗空間，展出特別為本展製作的影片，邀請到提姆·波頓的幾個重要合作對象，暢談彼此的合作歷程。該空間充滿懷舊的藝術裝飾風格，也令人聯想到提姆·波頓孩提時代的好萊塢電影院。

The World of Tim Burton - London

展覽日期｜2024年10月25日－2025年4月21日 
展覽地點｜the Design Museum
展覽官網｜https://designmuseum.org/exhibitions/the-world-of-tim-burton 

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場

呼應夏日的燠熱暑氣，綠美圖之臺中市立美術館（中美館）推出《熱暑人》特展，展期自5月中旬延伸至8月底，在台灣烈日炎炎的時節，以「熱／暑的文化和當代藝術」為主軸，匯聚來自16國的33組藝術家，透過繪畫、雕塑、錄像、聲音裝置等媒介，展演熱帶氣候如何影響人們的生活和身體感受。

3國聯合呈獻「熱文化」的多元面向

《熱暑人》是中美館開館以來首次串聯國際館舍的展覽，由台灣、菲律賓、巴拿馬3國機構聯手呈獻。展覽以台中作為首站，後巡迴至菲律賓、巴拿馬，並結合國際駐村計畫，邀國外藝術家來台駐地創作，勾勒出台中與其他熱帶地域的關聯，邀觀者以藝術為窗口，發掘熱帶國家與「熱文化」的多元面向。

展覽內容涵納熱帶醫學史、民俗療法、氣候地理、跨域文化等面向，回應「熱」如何在日常身體感受與殖民歷史脈絡中被理解與建構，並在不同文化與生態環境中，衍生出多樣的生命經驗與藝術表達。回應策展命題，參展藝術家透過田野調查與跨地域研究，以氣候、身體、記憶與自然為關鍵線索，描繪台灣與熱帶國家之間彼此呼應的生活圖譜。

《熱暑人》亮點作品搶先看！

▌台灣在地的熱暑記憶

《熱暑人》回扣台灣在地文化記憶，展出中美館典藏的王守英油畫〈夏日時光〉、廖瑞芬膠彩作品〈夏晨〉，透過畫作對光線、空氣與時間的細膩描繪，再現台灣夏日的日常景象與身體感受。這2件作品不僅呈現燠熱氣候下的生活樣態，也讓「熱」成為一種帶有情感溫度的記憶媒介，令觀者憶起與暑氣共度的生活片段。

▌在暑氣之中，聽見社會的節奏

在國際藝壇享有高知名度的巴拿馬藝術家Donna Conlon與Jonathan Harker，這次帶來〈熱帶鋅鳴曲〉及〈飲酒歌〉2件錄像作品，取材自巴拿馬日常物件與街頭聲響，透過節奏編排與幽默的視覺轉化，將日常轉化為對國族認同、身份與集體經驗的隱喻，呈現「熱」如何滲透於生活細節之中，並成為築起社會結構的線索。

▌用藝術表達「與熱共處」的生活知識

藝術家也從身處熱帶與亞熱帶地區的生活經驗出發，展現「與熱共處」如何成為一種順應自然、且深植於文化之中的實踐與知識系統。

巴拿馬藝術家Andrea Santos的〈太陽雨〉系列作品，透過錄像、繪畫與雕塑方式呈現，轉化加勒比海與拉丁美洲流傳的諺語：「太陽雨，是老太婆談戀愛！」在陽光與雨水同時存在的矛盾情境中，構築魔幻的視覺語言，並延伸出對身份認同、情感投射與土地關係的想像。

菲律賓藝術家Costantino Zicarelli經常結合史實與虛構，反思神話、身分與文化記憶的建構。這次展出的油畫作品，將菲律賓熱帶叢林的自然紋理，與影像製作中的「綠幕」機制並置，呈現方式呼應在地電影工業的綠幕概念。

▌氣候變遷，熱成了全球共同面對的現實

當氣候暖化帶來的衝擊逐一影響全球時，「熱」也從個體身體的感知，轉變為當代社會共同面對的環境現實。南方國家長期發展的避暑與解熱方式，不僅回應環境條件，也蘊含面對環境壓力時的生命韌性。

台灣藝術家蔡宗祐以獨特的當代水墨風格呈現〈拔罐圖〉、〈刮痧圖〉及〈針灸圖〉，表現應對中暑的民俗療法，描繪令台灣人會心一笑的「背部圖騰」，使身體成為文化書寫的載體。

設置於綠美圖大廳的作品〈It’s too late to give up〉出自克羅埃西亞藝術家Neli Ružić，她為台灣特別設計中文版燈光文字作品〈來不及放棄〉，其作品名原文被翻譯成多種語言，透過光讓一句文字在公共空間中形成可被理解的訊號，既指涉當代社會的壓力與臨界狀態，也隱含保有力量、繼續前行的希望。

▌熱竟也影響殖民歷史、地緣政治？

展覽也進一步觸及「熱」與殖民歷史及地緣政治之間的關係。台灣、菲律賓與巴拿馬都曾經歷殖民統治，殖民政權所引發的政治衝突，以及以利益為導向發展的「熱帶醫學」，在當前全球地緣局勢變動之際，透過歷史文獻與當代影像的並置，提供觀眾重新理解歷史並反思當代議題的契機。

策展團隊特別與國家攝影文化中心、台大醫院合作，展出醫療防疫史上珍貴的儀器與影像，揭示「熱帶醫學」在公共衛生發展與殖民治理之間的雙重角色。

以紀實攝影關注社會的台灣藝術家張乾琦，隻身前往坦尚尼亞，於混亂危險的現場拍攝錄像作品〈邦戈熱〉，記錄當地毒品氾濫及傳染病問題，呈現「熱」在社會失序與生存壓力的意涵。

邱子晏的錄像作品〈高砂深山鍬形蟲〉，回望日本殖民時期的科學研究與知識建構，揭示其中隱含的權力關係與意識形態，映照台灣在歷史轉換中，身份拉扯的矛盾。

葉忠宜以「熱扭曲影像」為主軸設計主視覺

展覽主視覺由設計師葉忠宜操刀，畫面呈現熱擾流造成的熱扭曲影像，像是滾水蒸氣、炎夏模糊街景、海市蜃樓……各種日常熱感的物理表徵。視覺概念直觀地以紅色熱浪為主題，搭配冷藍底色形成強烈冷暖對比，讓扭曲光影更具層次和深度，引導觀者藉此感受熱暑的體感晃動。

從台中出發，連結世界的藝術行動

《熱暑人》不僅是一檔展覽，更是一項跨國藝術行動。本展推動2組國際駐村計畫，邀請國外藝術家深入台中在地進行創作：菲律賓藝術家Corinne de San Jose與東海大學合作，從城市環境聲音出發，建構與地方節奏相關的聲音作品；瓜地馬拉藝術家Edgar Calel則與台中在地鯉魚藝廊合作，呈現瑪雅文化與傳統儀式，使文化記憶在跨地域的交流中重新被感知與理解。

《熱暑人》

展期｜2026.05.13－08.30

地點｜綠美圖 臺中市立美術館

門票資訊｜全票100元／臺中市民、兒童及樂齡族群享優惠票50元