「ONE ART Taipei 藝術台北」於每年年初於JR東日本大飯店 台北盛大登場，展會除精選呈獻一場由61家國內外優質畫廊集結的飯店型藝術博覽會外，一年一度的「新賞獎（ONE ART Award）」也是萬眾矚目之焦點。以持續挖掘亞洲地區豐富創作能量為使命，ONE ART Taipei 2025 藝術台北「新賞獎」公布本年度得獎名單！

有鑒於年輕藝術家的創作歷程多自學院起家，畢業後至 35 歲這段時間，是自我探究與創作蛻變的重要里程碑。自 2019 年起舉辦的「新賞獎」，鎖定 35 歲以下藝術家作品，由「學術、收藏、策展、媒體」四大面向的專家擔任評審，協助藝術新秀藉藝博會打開知名度之餘，亦期望挖掘兼具當代藝術性、市場性與潛力的年輕作品。

今年新賞獎評審團邀請到備受肯定的藝術先進們擔任，包括學術代表「國立陽明交通大學」兼任助理教授張馨之，收藏代表「台灣米其林輪胎（股）公司」 董事長毛行健﹑「光的院子文化協會」理事長黎明珍，策展代表「關渡美術館」策展人王叡栩，媒體代表則為「典藏雜誌社」總編輯嚴瀟瀟，結合學術界、經營者、媒體與藏家的綜合專業角度，評選年度代表作品，嚴選出最具潛力的藝術新銳，期待這股新興的藝術能量猶如活水，持續為亞洲藝術愛好者帶來嶄新的面貌。

亞洲新秀銳不可擋！第七屆新賞獎得獎名單公布

本屆入選的五位得獎名單，包括「琂樂堂」（JOYFUL ART）台灣藝術家李育昇富含宋代細膩工筆畫和元代飄逸文人畫的作品《軼事系列6-蝶夢青林》。對藝術家而言，「創作」乃是於塵世萬象中，探尋自我內心的相，前述兩種畫風所蘊含的深沉人文與生活氣息深深影響藝術家的創作脈絡，畫面的莊周臥於草間，身形具象且安然，像是與天地融為一體，又像在深夢中獨自游離，這具體的形態與周圍的朦朧對比鮮明，正是藝術家想表達的夢境雙面性。

「涵藝術」（Hann Art Agency）帶來義大利超當代藝術家馬泰奧・卡薩利・卡拉梅洛（Matteo Casali Caramello）的繪畫作品《無聲：平靜如常 Silence: no surprises》，他的繪畫風格具象且富有情感，創作受到培根、孟克等大師的影響，善於捕捉現代社會中個人的孤獨感和內心掙扎，並深入探討自我認同與人際關係的聯繫，並同時發展出他獨特的繪畫語言，透過快速的筆觸和顏色表現，捕捉當下的即時性與美感，使得作品真實且具有詩意。

「也趣藝廊」（AKI Gallery）台灣藝術家彭思錡的創作養分則沉潛於東方書畫修復經驗，作品《輪廓-玩物XVII》以陶瓷和生漆為創作媒材，陶瓷脆弱的特性，使得她對每件作品，都投以文物般縝密的工藝精神。極為纖薄的葉片作品上葉緣蜿蜒及殘缺，它們被封存在孱弱的瞬間，在肉身的衰敗與精神的甦醒之間反思萬物的消長與重生。試圖並存輕與重、逝去與保存、虛構與真實的關係。

「鍾鼎國際藝術」（Matthew Beaux-arts）鍾子逸的作品《迷霧之間-十一》，利用油畫表達了對孤獨的深刻體悟。藝術家習慣一個人獨自品味思念，靜靜任憂傷蔓延，習慣這種簡單﹑不起波瀾的生活，彷彿看透了人生的淡然沉靜。探向窗外，連對面的樓房也只有朦朧的輪廓，揚起風淡淡的憂傷，是藝術家內心一種深深的嚮往。

由「暮拉多元藝術空間」（The Moolah Multi-Art Space）帶來藝術家蕭珮宜的《禮物VII》，她以包裝禮物的裝飾花作為動機為發想，內容物是鳳梨花，葉子是緞帶，金屬箔是各種顏色的包裝紙，將此系列取名為「禮物」，即是象徵祝福的意思。

本屆「新賞獎」評審團主席張馨之教授公布優選得獎作品為彭思錡《輪廓-玩物XVII》。除了「新賞獎」之外，「ONE ART Taipei 2025 藝術台北」也延續慣例，從參展畫廊集結的眾多國際藝術家中，特別評選出本屆「TOP 10！十大亮點作品」，喜愛藝術作品的觀眾務必同來一探究竟，提前體驗藝術之美！

ONE ART Taipei 2025 精選十大亮點作品

也趣藝廊（AKI Gallery）以日本藝術家山口藍作品《Shichifuku》入選，這件作品中所呈現的飯勺主要用於盛飯和攪拌飯，它的起源可追溯至傳統的日本勺子「杓子」（shakushi），是種象徵好運的物品，作品以七個女孩象徵佛教傳統中的七寶，藝術家以此表達了「能夠吃飯就是人生中最大的幸福」的信念。

丹之寶（Tansbao Gallery）帶來不丹女性藝術家金柏麗（Zimbiri）的繪畫作品《Head in the Clouds》，創作初衷在於啟發人們更深入理解生命中的挑戰時刻，並反映出內在的心靈旅程，透過光影、雲彩和老虎的描繪，鼓勵個體於內心景觀中找到通往自由與韌性的道路。

日本藝術家國本泰英（TYasuhide KUNIMOTO）代表觀止堂（ADMIRA Gallery）以《Swimmers》入選。作品表達對所見之物與記憶的詰問，如藝術家所說，當我們回憶過往時，往往出現的是那些無法復現、搖擺不定的景象，而我們正生活在這樣搖擺的世界中，並將其定為「記憶」。

來自東京的四季彩舍（SHIKISAISHA）呈現角谷紀章的《Frosted Window #91》，藝術家將自己的作品定位為「讓他人想像的工具」，並以智慧型手機拍攝的快照為主題進行創作。這件作品透過模仿磨砂玻璃窗或窗簾的模糊描繪，有意讓畫面變得難以看清，並將解讀的自由權交給觀者，從而喚起他們對真實場景的聯想。

株式会社LWArt（LWArt Inc.）帶來日本藝術家 Narcolepsy1999 的暗黒系列作品《春霞》，融合了日本傳統剪紙的想像力與西方藝術的重構色彩，人物像愛因斯坦著名的照片一樣伸出舌頭，增添可愛俏皮特質，也代表了女性對抗黑暗的美麗。

首爾畫廊 Kün's Gallery 由藝術家 Kim Hwan 呈現作品《Mind Spectrum_Tangle》捕捉了情感和思想的複雜性，交叉的線條和重疊的色彩象徵情感的交織和碰撞。來自名古屋的 JILL D'ART GALLERY 帶來Yu Sora 的作品《衣夹 - 2》，藝術家的創作始於描繪他最喜歡的房間，當他沉浸在創作時，逐漸領悟那些來自日常生活的靜謐之美。

台南涵藝術（Hann Art Agency）呈現義大利藝術家馬泰奧・卡薩利・卡拉梅洛 （Matteo Casali Caramello）名為《這場派對還要多久？》的作品，馬泰奧擅長將人際中的矛盾與自我追尋的掙扎融入作品，這幅畫在靜止與動態、熱鬧與孤寂之間取得平衡，觀者能在細膩的視覺語彙中反思本質與對自我定位的探尋。

朝代畫廊（Dynasty Gallery）則帶來藝術家李翡文的繪畫作品《凝》，作品展現大自然悠然壯闊的平靜與和諧的氣氛，是水氣、雲氣和光影的交織時刻，變化萬千的視覺元素在畫面中展現自身的特質，引領觀者進入一個美好寧靜的當下時刻。

最後是由德鴻畫廊（Der-Horng Art Gallery）呈現日本藝術家 Satoru TAMURA 的《Spin Crocodile Mini》，藝術家表達自身的作品本身就是種目的，他會採用沒有關聯性的組合﹑動作﹑擺設或展示，包括作品名稱也會以這種方式命名，期望透過這樣的方法，創造出任何事物都沒有餘地介入的實質物體。

 ONE ART Taipei 2025藝術台北

日期｜2025年1月10日（五）至1月12日（日）

地點｜JR東日本大飯店 台北Hotel Metropolitan Premier Taipei  10F-13F（台北市中山區南京東路三段133號）

藏家預展｜2025年1月10日（五）13:00 - 19:00
貴賓預展｜2025年1月10日（五）15:00 - 19:00
公眾展覽｜2025年1月11日（六）11:00 - 19:00、2025年1月12日（日）11:00 - 19:00

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_{資料來源｜ONE ART Taipei 藝術台北}

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}