「ONE ART Taipei 藝術台北」於每年年初於JR東日本大飯店 台北盛大登場，展會除精選呈獻一場由61家國內外優質畫廊集結的飯店型藝術博覽會外，一年一度的「新賞獎（ONE ART Award）」也是萬眾矚目之焦點。以持續挖掘亞洲地區豐富創作能量為使命，ONE ART Taipei 2025 藝術台北「新賞獎」公布本年度得獎名單！

有鑒於年輕藝術家的創作歷程多自學院起家，畢業後至 35 歲這段時間，是自我探究與創作蛻變的重要里程碑。自 2019 年起舉辦的「新賞獎」，鎖定 35 歲以下藝術家作品，由「學術、收藏、策展、媒體」四大面向的專家擔任評審，協助藝術新秀藉藝博會打開知名度之餘，亦期望挖掘兼具當代藝術性、市場性與潛力的年輕作品。

今年新賞獎評審團邀請到備受肯定的藝術先進們擔任，包括學術代表「國立陽明交通大學」兼任助理教授張馨之，收藏代表「台灣米其林輪胎（股）公司」 董事長毛行健﹑「光的院子文化協會」理事長黎明珍，策展代表「關渡美術館」策展人王叡栩，媒體代表則為「典藏雜誌社」總編輯嚴瀟瀟，結合學術界、經營者、媒體與藏家的綜合專業角度，評選年度代表作品，嚴選出最具潛力的藝術新銳，期待這股新興的藝術能量猶如活水，持續為亞洲藝術愛好者帶來嶄新的面貌。

亞洲新秀銳不可擋！第七屆新賞獎得獎名單公布

本屆入選的五位得獎名單，包括「琂樂堂」（JOYFUL ART）台灣藝術家李育昇富含宋代細膩工筆畫和元代飄逸文人畫的作品《軼事系列6-蝶夢青林》。對藝術家而言，「創作」乃是於塵世萬象中，探尋自我內心的相，前述兩種畫風所蘊含的深沉人文與生活氣息深深影響藝術家的創作脈絡，畫面的莊周臥於草間，身形具象且安然，像是與天地融為一體，又像在深夢中獨自游離，這具體的形態與周圍的朦朧對比鮮明，正是藝術家想表達的夢境雙面性。

「涵藝術」（Hann Art Agency）帶來義大利超當代藝術家馬泰奧・卡薩利・卡拉梅洛（Matteo Casali Caramello）的繪畫作品《無聲：平靜如常 Silence: no surprises》，他的繪畫風格具象且富有情感，創作受到培根、孟克等大師的影響，善於捕捉現代社會中個人的孤獨感和內心掙扎，並深入探討自我認同與人際關係的聯繫，並同時發展出他獨特的繪畫語言，透過快速的筆觸和顏色表現，捕捉當下的即時性與美感，使得作品真實且具有詩意。

「也趣藝廊」（AKI Gallery）台灣藝術家彭思錡的創作養分則沉潛於東方書畫修復經驗，作品《輪廓-玩物XVII》以陶瓷和生漆為創作媒材，陶瓷脆弱的特性，使得她對每件作品，都投以文物般縝密的工藝精神。極為纖薄的葉片作品上葉緣蜿蜒及殘缺，它們被封存在孱弱的瞬間，在肉身的衰敗與精神的甦醒之間反思萬物的消長與重生。試圖並存輕與重、逝去與保存、虛構與真實的關係。

「鍾鼎國際藝術」（Matthew Beaux-arts）鍾子逸的作品《迷霧之間-十一》，利用油畫表達了對孤獨的深刻體悟。藝術家習慣一個人獨自品味思念，靜靜任憂傷蔓延，習慣這種簡單﹑不起波瀾的生活，彷彿看透了人生的淡然沉靜。探向窗外，連對面的樓房也只有朦朧的輪廓，揚起風淡淡的憂傷，是藝術家內心一種深深的嚮往。

由「暮拉多元藝術空間」（The Moolah Multi-Art Space）帶來藝術家蕭珮宜的《禮物VII》，她以包裝禮物的裝飾花作為動機為發想，內容物是鳳梨花，葉子是緞帶，金屬箔是各種顏色的包裝紙，將此系列取名為「禮物」，即是象徵祝福的意思。

本屆「新賞獎」評審團主席張馨之教授公布優選得獎作品為彭思錡《輪廓-玩物XVII》。除了「新賞獎」之外，「ONE ART Taipei 2025 藝術台北」也延續慣例，從參展畫廊集結的眾多國際藝術家中，特別評選出本屆「TOP 10！十大亮點作品」，喜愛藝術作品的觀眾務必同來一探究竟，提前體驗藝術之美！

ONE ART Taipei 2025 精選十大亮點作品

也趣藝廊（AKI Gallery）以日本藝術家山口藍作品《Shichifuku》入選，這件作品中所呈現的飯勺主要用於盛飯和攪拌飯，它的起源可追溯至傳統的日本勺子「杓子」（shakushi），是種象徵好運的物品，作品以七個女孩象徵佛教傳統中的七寶，藝術家以此表達了「能夠吃飯就是人生中最大的幸福」的信念。

丹之寶（Tansbao Gallery）帶來不丹女性藝術家金柏麗（Zimbiri）的繪畫作品《Head in the Clouds》，創作初衷在於啟發人們更深入理解生命中的挑戰時刻，並反映出內在的心靈旅程，透過光影、雲彩和老虎的描繪，鼓勵個體於內心景觀中找到通往自由與韌性的道路。

日本藝術家國本泰英（TYasuhide KUNIMOTO）代表觀止堂（ADMIRA Gallery）以《Swimmers》入選。作品表達對所見之物與記憶的詰問，如藝術家所說，當我們回憶過往時，往往出現的是那些無法復現、搖擺不定的景象，而我們正生活在這樣搖擺的世界中，並將其定為「記憶」。

來自東京的四季彩舍（SHIKISAISHA）呈現角谷紀章的《Frosted Window #91》，藝術家將自己的作品定位為「讓他人想像的工具」，並以智慧型手機拍攝的快照為主題進行創作。這件作品透過模仿磨砂玻璃窗或窗簾的模糊描繪，有意讓畫面變得難以看清，並將解讀的自由權交給觀者，從而喚起他們對真實場景的聯想。

株式会社LWArt（LWArt Inc.）帶來日本藝術家 Narcolepsy1999 的暗黒系列作品《春霞》，融合了日本傳統剪紙的想像力與西方藝術的重構色彩，人物像愛因斯坦著名的照片一樣伸出舌頭，增添可愛俏皮特質，也代表了女性對抗黑暗的美麗。

首爾畫廊 Kün's Gallery 由藝術家 Kim Hwan 呈現作品《Mind Spectrum_Tangle》捕捉了情感和思想的複雜性，交叉的線條和重疊的色彩象徵情感的交織和碰撞。來自名古屋的 JILL D'ART GALLERY 帶來Yu Sora 的作品《衣夹 - 2》，藝術家的創作始於描繪他最喜歡的房間，當他沉浸在創作時，逐漸領悟那些來自日常生活的靜謐之美。

台南涵藝術（Hann Art Agency）呈現義大利藝術家馬泰奧・卡薩利・卡拉梅洛 （Matteo Casali Caramello）名為《這場派對還要多久？》的作品，馬泰奧擅長將人際中的矛盾與自我追尋的掙扎融入作品，這幅畫在靜止與動態、熱鬧與孤寂之間取得平衡，觀者能在細膩的視覺語彙中反思本質與對自我定位的探尋。

朝代畫廊（Dynasty Gallery）則帶來藝術家李翡文的繪畫作品《凝》，作品展現大自然悠然壯闊的平靜與和諧的氣氛，是水氣、雲氣和光影的交織時刻，變化萬千的視覺元素在畫面中展現自身的特質，引領觀者進入一個美好寧靜的當下時刻。

最後是由德鴻畫廊（Der-Horng Art Gallery）呈現日本藝術家 Satoru TAMURA 的《Spin Crocodile Mini》，藝術家表達自身的作品本身就是種目的，他會採用沒有關聯性的組合﹑動作﹑擺設或展示，包括作品名稱也會以這種方式命名，期望透過這樣的方法，創造出任何事物都沒有餘地介入的實質物體。

 ONE ART Taipei 2025藝術台北

日期｜2025年1月10日（五）至1月12日（日）

地點｜JR東日本大飯店 台北Hotel Metropolitan Premier Taipei  10F-13F（台北市中山區南京東路三段133號）

藏家預展｜2025年1月10日（五）13:00 - 19:00
貴賓預展｜2025年1月10日（五）15:00 - 19:00
公眾展覽｜2025年1月11日（六）11:00 - 19:00、2025年1月12日（日）11:00 - 19:00

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_{資料來源｜ONE ART Taipei 藝術台北}

台灣通勤第一品牌 3 位主持人，以詼諧深刻的對話，陪伴無數通勤族穿梭於日常的喧囂與靜謐，這次他們走進臺北市立美術館的《你的好奇旅程》展覽，在最後的〈立方結構的演化計畫〉（The cubic structural evolution project，2004）展區中，觀眾可以任意使用樂高拼砌城市、搭建想像。於是，他們坐進了這座城市現場即興創作，暢談好奇心如何連結生活與藝術。

〈立方結構的演化計畫〉是展覽中最具互動感的作品之一，參與者在一片白色樂高積木的海洋中自由創作，建構屬於自己的城市景觀。對李毅誠（誠誠）、張家倫（家倫）、何勁旻（何 A）而言，這不僅是一場藝術體驗，更是一次對創造力的回溯。誠誠分享，比起一般「組裝說明書式」的樂高，「這裡的樂高多到讓人安心，像是軍備競賽，零件多到你可以無止境地重複、擴張。」他聲稱自己的創作靈感是打造一座「不通風、不透光、如墓碑的人造建築」，刻意強調人為的控制感與封閉結構，彷彿在挑戰自然的界限，「小時候我也喜歡蓋這類型的樂高，像是要保護內心珍貴之物，這裡讓我重新連結那種感覺。」

何 A 的「衛星發射台」概念，來自他玩《坎巴拉太空計畫》（Kerbal Space Program）太空飛行模擬遊戲的記憶，故意讓建築呈現「一碰就壞」的危樓狀態，「我不只想蓋得比台北 101 高，還想讓小孩看到都怕怕的，不敢把我的作品拆掉！」家倫的構想則是一個拱門般的「入口」，象徵某種通往未知的邀請，竟意外地和何 A 的作品無違和合併，成為「衛星發射台的洩水閥」，「我滿期待別人拿我的零件去創造新東西，就像我們的節目，聽眾回饋讓頻道內容更豐富、更有層次。」

台通眼中的 Olafur Eliasson——「看似開放，其實絕對控制」

除了拼組樂高，3 人此行也走進其他展間。誠誠認為，Olafur 的創作兼具高度控制與普世性：「你都看得懂，但絕對做不出來。觀看時都有種『我怎麼沒想到』的驚訝。」他特別提到〈單色房間〉（Room for one colour，1997）單頻率的黃光。何 A 則從另一個角度解讀，認為 Olafur 的作品帶有某種「攻擊性」或「不耐感」：「他的作品像在挑釁，吸引你靠近卻又不讓你觸碰。」而〈循環扇〉（Ventilator，1995）刻意設置在可觸及的高度，彷彿在試探觀眾的慾望，「整個展覽精確地控制觀眾的好奇心，最後用樂高釋放到訪者的創作慾望。」何 A 認為這樣的對比性令人莞爾，他隱約感覺到某種「反人性」的不耐，藝術家似乎有意凸顯人造與自然的差異，挑戰觀眾對物質與環境的認知。

3 人忍不住熱烈議論，Olafur 作品中的自然元素，如：光、影、水、霧等與人類感知的連結，卻似乎有意排除「人」的存在感。何 A 提到〈苔蘚牆〉（Moss wall，1994）與記錄時間流逝的〈風的書寫〉（Wind writings，2023）和〈太陽繪圖〉（Sun drawing，2023），「他好像在說，人類其實沒那麼重要。〈單色房間〉中你無法好好自拍；〈多重影子屋〉（Multiple shadow house，2010）你看不到自己的表情。他要你把注意力轉向外部，凝視那些喚起好奇心的東西。」家倫補充：「他的作品邀請你安靜下來，與自己對話，觀察自己的身體如何與環境互動。」誠誠則指出，這也許是藝術家個人較尖銳的幽默感：「『你們都沒發現吧？』他總在提問，你是否忽略了明明再尋常也不過的彩虹和影子？」

不是講幹話而已！輕鬆詼諧中深刻思辨

這趟觀展過程，彷彿是一次對 3 位創作者自身的映射。長期一起工作，彼此熟知癖好與節奏，卻也因為這種持續對話，累積出了對生活更深的理解力。「好奇心是所有創作的起點，也是燃料。『李毅誠為什麼喝酒都點 2 杯？』有人覺得沒什麼，但好奇心會讓你追問，然後找到故事。」誠誠分享，有次聊天中討論如何收襪子，3 人發現彼此方式截然不同——誠誠摺疊、家倫捲起來、何 A 則將一隻襪子「含住」另一隻。這些細微差異在節目中變成引人入勝的話題，展現好奇心如何將平凡轉化為趣味。

家倫坦言，自己私底下不是對其他人類好奇的人，但在錄製節目時會刻意開啟「追問模式」。他也說何 A 的突兀反而成為節目笑點，「何 A 的問題基本上都是服務自己，而不是服務觀眾，不過這種天外飛來一筆，也會意外挖到有趣的東西，這就是他的怪。」看似無聊的瑣事，因為觀察、發問與執著，被賦予了新的厚度。誠誠指出：「我們最常問：『你為什麼會這樣想？』比起輸出，其實聊天最重要的反而是聽，讓對話持續延展下去。」

如果台通成為策展人？

這讓我們也好奇起，如果有一天，台通受邀進駐美術館展出，他們會選什麼片段？何 A 想像一個在展場中，模擬聽眾在捷運上、打掃家裡、開車等場域收聽節目的環境，集結 3 個主持人的笑聲集錦，讓觀眾感受到陪伴與共鳴，「想跟觀眾說『你不孤單』，像《新世紀福音戰士》的場景，大家的笑聲匯聚成一股力量。」誠誠則想展出節目中被剪掉的祕辛，如私下對特定人事物的犀利評論，認為這能呈現真實的對話樣貌：「節目是同時做給數萬人聽，但展覽是對 1 個人說話。來看展覽才能聽到從未公開的彩蛋。」家倫則幽默提議展示業配片段，笑稱這是節目價值的體現：「被標價是好事，讓你知道自己的價值！」

同理差異　持續好奇

「我們最討厭那種孤芳自賞、設了高門檻，還覺得看不懂就是你不夠聰明的藝術。」在他們眼中，藝術最迷人的地方是「打開一個你從沒想過的角度」，是提醒「你怎麼沒發現呢？」如同台通的核心哲學，既可以輕鬆理解，但要做得自然且深刻，是另一回事。3 人至今依然是可以約去吃漢堡王的朋友，台通「從一個小問題一路往下挖」，使「陪伴」成為聲音最獨特的質地，一場場「用聲音搭建世界」的實驗，對話流動而誠實，彼此接住對方，也拆解彼此。誠誠說：「好奇心讓我們安心，光是『理解』本身，就能減輕人生的痛苦。」

臺灣通勤第一品牌
《台通》自 2020 年疫情期間由李毅誠創立，與張家倫、何勁旻共同主持。起初因疫情影響便當店生意下滑，啟發李毅誠與好友創辦節目，意外席捲 Podcast 圈，節目話題涵蓋生活瑣事、時事、動漫到社會議題，以輕鬆又深入的閒聊風格，累積大量忠實聽眾。開播後多次登上 KKBOX、Apple Podcasts 與 Spotify 最受歡迎節目榜，也在 2022 年獲邀擔任第 13 屆金音創作獎主持，持續以真誠、幽默的對話與魔性笑聲，打造和聽眾的共鳴與連結。

_{文｜張瑋涵　攝影｜好映像工作室_林家賢}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

東京美術館21_21 DESIGN SIGHT「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（What If? BOSAI: The Next Disaster）」新展，從「災害到底是什麼」的角度出發，將過去地震、水災等天災的數據視覺化，同時介紹防災相關產品、因災害而誕生的各式專案等內容，帶領人們重新審視自然災害。

自然災害何時何地會發生，沒有人能夠準確預測。有些人平時備有防災包，也有些人可能盡量不去多想。然而，身處在被稱為「災害大國」的日本，其實無法完全與災害無關。因而誕生的「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（編輯暫譯：那個時候，該怎麼辦？展 － 展望防災的未來 －）」企劃展，由在東京、仙台、倫敦設有據點的WOW視覺設計工作室策劃，以「提問」為主軸，提供觀者從自己的視角反思防災與災害。

10個提問引領人們思考災害

展場散布著10個提問，像是：所謂「安全的地方」在哪裡？到底需要準備多少才是充分的備災？如果聯絡不上重要的人，該怎麼辦？該如何事先準備？對你而言，度過災後生活必須具備的是什麼？支撐我們生活的，究竟是什麼？⋯⋯。人們能一邊欣賞展品，一邊思考若發生災害，自己會如何面對與準備；觀眾也能透過此次展覽的特設網站，使用手機傳送關於這10個問題的答案，部分回答也將作為影像作品在現場展示。

如果「那個時候」到來⋯⋯

WOW工作室提到，「在這次以『防災』為主題的展覽中，我們不單單只是傳遞災害的知識與防災技術，更將焦點放在人們如何面對天災時的意識與心態。防災從來不是某一個人可以獨自背負的責任，它關乎自己，也關乎家人、朋友、同事，甚至是周遭素未謀面的人。而別人是如何看待『那個時候』並做準備的？我們希望透過這樣的視角，成為人們重新將防災視為自己課題的契機。」

展覽有哪些看點？

▸ 將天災視覺化呈現

透過將數據圖像化、以多樣的視覺描繪災害圖像，帶領人們回顧日本與世界上曾經歷過的各式災害，同時藉由視覺化呈現自然原貌與災害模擬，開啟更多的討論與思考。

展出單位、創作者：越村俊一、にゃんこそば、株式会社ヤマップ、パノラマティクス＋ Eukarya、日本経済新聞社 等

▸ 重新審視防災意識的裝置作品

此次展出的兩件全新體驗型裝置作品，將引領人們重新審視自己對防災與災害的準備與心態。

展出單位、創作者：柴田大平、siro ＋石川将也

▸ 防災的計畫、研究與產品

本區介紹因應天災時斷訊的嶄新研究、能迅速傳遞資訊的機制、災後如何持續照護生活與心靈的各種方式，以及把防災融入日常的概念等，透過不同階段的各式計畫與物件，帶領觀者看見防災的「現在」與「未來」。

展出單位、創作者：ゲヒルン株式会社、KDDI 株式会社、中嶌 健、WOTA 株式会社、坂茂建築設計＋ボランタリー・アーキテクツ・ネットワーク、日本郵便株式会社＋寺田倉庫株式会社、バリューブックス 等

▸ 「那個時候」之後的希望樣貌

有些畫作誕生自災害發生地的風土與人們，有些設計因震災而生、進而傳向世界，也有持續提醒我們「每天都可能有災害」的倡議，藉由這些連結災害與日常的創作，帶領我們看見「那個時候」之後的希望。

展出單位、創作者：トラフ建築設計事務所＋石巻工房、福島民報社、佐竹真紀子 等

▸ 自然與自身的相處之道

從樹木生態系與人類共存的防災方式，到作為保護自身最後一道防線的「衣服」等，引領人們從有別於都市防災機制的角度，重新思考守護我們的各種可能。

展出單位、創作者：津村耕佑、veig

「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–」"What If? BOSAI: The Next Disaster"
展期：2025年7月4日–11月3日
展場：21_21 DESIGN SIGHT Gallery 1 & 2
休館日：週三（9月23日開館）
開館時間：10:00−19:00（18:30為最後入場時間）

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