北美館《黑潮:賴純純回顧展》揭幕!梳理藝術家50年創作生涯,傳遞對生命「存在與變化」的哲思

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思

臺北市立美術館(北美館)推出「黑潮:賴純純回顧展」,即日起至5月25日展出。本展集結藝術家賴純純近50年、橫跨各時期的複合媒材繪畫、立體雕塑、空間裝置,以及創作歷程的相關檔案與文件等,完整呈現其美學風格映照於當代藝術的精神過程。

無論作品形式為平面或立體、創作媒材為何物,賴純純的作品總是保有一貫的悠然與自若,並藉由滿溢著光與色彩的視野,傳達對生命「存在」與「變化」的哲思。本次回顧展以「黑潮」為名,便是取洋流的流動性與循環力量,反映她對於藝術創作的理解與探索,也象徵著變遷、重生與尋找和諧的過程,呼應賴純純曾說的:「存在與變化為生命與自然的本質。『變化』就是『存在』的無限延續,存在的實質就是無限的變化。 

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《無去無來》,1985,有機玻璃、環氧樹脂,尺寸依場地而定,臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《月光下女妖漫舞》,2007,壓克力顏料、畫布,193.5 × 86公分、193.5 × 130公分(×2),藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

50年創作生涯,從前衛藝術、社會議題到海洋美學

賴純純出生於臺北,1975年大學畢業創作《陽明黃昏》,在完成後經指導教授廖繼春細心修改,使其領略到色彩即為表現主體的可能;隨後赴日本學習,建立了日後空間創作的基礎觀念。1980年代,她接連於現代繪畫、雕塑等重要藝術競賽獲獎,並於1986年成立「SOCA現代藝術工作室」推展前衛藝術,不僅是臺灣「替代空間」的先聲,也影響多位強調實踐精神的創作者。2000年代起,賴純純開始大量投入公共藝術,並發起臺灣女性藝術協會;2007年後,再將生活與創作的重心轉向臺東都蘭,企盼讓更多藝術翩然的想像於東海岸盛放。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《陽明黃昏》,1975,油彩、畫布,113 × 163公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
「黑潮:賴純純回顧展」展覽現場。(圖片提供:臺北市立美術館)

「黑潮」折射賴純純對身份、文化及生命的探尋

本次回顧展由策展人張晴文策畫,展覽標題以「黑潮」為名,呼應藝術家從1980年代起透過「黑」和多變的色彩樹立自我風格,同時藉此意象傳達賴純純作品中純然而深邃、多變且一貫的特質。展覽透過4個子題:「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」,梳理賴純純1980年代至今以藝術實踐人生的創作脈絡,回望她自低限主義的精神觀念至個人主體的追求,再至公共藝術的社會性議題、海洋美學與人文脈絡的連結等,多面向折射出藝術家對於文化、身份與生命的探索核心。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
「黑潮:賴純純回顧展」展覽現場。(圖片提供:臺北市立美術館)
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賴純純,《黑潮流光:邊陲的無限可能》,2025,空間裝置,尺寸依場地而定,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

「黑潮:賴純純回顧展」4大子題亮點整理

✹ 存在與變化|聚焦八〇年代樹立個人風格之作

此區展示賴純純早年師承廖繼春、日本及紐約學習階段為起點的繪畫作品,以及1980年代開展出個人風格的「存在與變化」系列。她在此一時期的創作深受林壽宇啟發,在造形與觀念上探索空間與存有的向度,其代表作《無去無來》(1986)以圓形切分的8塊壓克力板組合,並使用紅、綠、黃、黑等色相成為環境場域裝置,藉由捨去雕塑的恆定而成就空間的變化。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
「存在與變化」子題。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《紅、黃、綠七聯作》,1983,壓克力顏料、沙、木板,210 × 92 × 12公分(×7),臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

此外,本次也特別將賴純純1986年獲得「中華民國現代繪畫新展望」優選作品《讚美詩》拆分於各展間,回應黑潮的流動意象,並企圖打造有別過往布局的視覺風貌;觀者在行走游移中,也可窺見一與多、有形與無限之間的辯證。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《讚美詩》(局部),1985,保力龍、壓克力顏料、砂、木板,366.5 × 45.3 × 20.2公分(×8),臺北市立美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

✹ 真空妙有|自然、東方哲思與美學融入創作思考

此區關注賴純純1990年代初起,重新受到東方美學與自然素材啟發的繪畫及裝置創作。這段期間她的繪畫採取拼貼手法,例如《天儀》(1989)等作品結合中國書畫的卷軸形式,但不拘泥於結構的規範。

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賴純純,《天儀》,1989,畫布、布、顏料、⽊、塑膠管,450 × 500 × 25公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

立體作品則多從媒材語言出發,找尋自身與土地的關聯。《心器》(1997)結合雕塑和行為展演,表現佛教心經「色即是空,空即是色」的教義;青、紅、黃、白、黑的佛像,象徵著元素五行及構成空間的五方,除了表現出富有空間張力的敘事外,也暗喻社會性的觀照與回返自我的沉潛。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《心器》,1997,塑鋼、鉛皮,尺寸依場地而定,國立臺灣美術館典藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

✹ 海洋與仙境|煉色粹藝之間,探尋觸動生命之源

此區透過3個展間呈現2000年之後賴純純重回色彩的種種創作。此時顏料的獨立表現,呼應著她內在女性覺醒、於都蘭長住之後對於自然更為深層的嚮往和安住的心境。太平洋以其純淨、無盡敞開的本質,對她示現宇宙的存有與變化,如「閃亮的愛」是彩色環氧樹脂潑灑滴流在鏡版之上構成的系列畫作,將光線、水分、色彩、物相融合於抽象的畫面之中,展現出富饒、充滿生活感的肌理;《奇花仙境》(2019)等大型雕塑延續使用彩度及明度較高的原色,透過色彩本身的直觀性和表現性,傳遞對於女性覺醒的自信,與似花朵般綻放的自然禮讚。

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「海洋與仙境」子題。(圖片提供:臺北市立美術館)
北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《仙鏡奇緣》,2018,鏡版複合媒材,240 × 120公分(×7),藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

賴純純也為本次展覽帶來2件新作,包含展覽同名作品《黑潮》與《黑潮流光:邊陲的無限可能》。前者利用心型的壓克力雕塑,回應她自1995年起的系列創作,藉由媒材的透明特性,折射出色光的斑斕絢麗及海波的輕盈柔軟。後者則透過壓克力、漂流木、鋼雕與鏡面的組件,搭配光源塑造出空間肌理中的相互疊映與反射,同時也體現出藝術家於背倚山脈與面俯太平洋的都蘭,每日放眼的景象變化;彷若消融了原有的疆界,暗示一種更為自由、流動的自然意識場域。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
賴純純,《黑潮》,2025,有機玻璃、不鏽鋼,275 × 435公分,藝術家自藏。(圖片提供:臺北市立美術館)

✹ 社會參與|開展自我,藝術作為公共實踐的可能

此區配合年表梳理賴純純不同時期的創作相關檔案與文件,並聚焦於SOCA現代藝術工作室。作為90年代盛極一時的「替代空間」濫觴,SOCA的創始核心成員、學員們也先後活躍於藝術領域,對臺灣前衛社群的引領、國際交流的促進具備先行作用。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
由莊普設計的SOCA開幕展「環境.裝置.錄影」文宣。(圖片提供:臺北市立美術館)

2000年之後,賴純純更透過各地的公共藝術競圖開拓視野,不僅讓她的創作屢有新媒材的嘗試與挑戰,同時使她與這片土地的聯繫日益緊密。此外,她在同一時期發起「臺灣女性藝術協會」作為社會參與的多元推動跡痕——藝術,不僅是賴純純對生命的踐行,更是她帶著理想投射自我與投身社會的堅定追求。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
「社會參與」子題。(圖片提供:臺北市立美術館)

專家帶路,深入賴純純的創作世界觀

「我們的前面是什麼?」除作為藝術家早期創作的啟蒙觀點之一,也是其創作生涯不斷探究的提問。賴純純的作品從不設限,無懼地探尋世界於心的觸動,化為造形。本展覽將於322日、419日、53日規劃有展覽漫遊活動,分別由策展人張晴文、獨立文字記者吳垠慧、藝評人許遠達,帶領觀眾一同凝觀藝術家靈動明燦的創作觀。

北美館《黑潮:賴純純回顧展》!濃縮50年創作生涯,傳遞生命存在與變化的哲思
「黑潮:賴純純回顧展」展場照。(圖片提供:臺北市立美術館)

《黑潮:賴純純回顧展》

展期|2025年3月1日-5月25日

地點|臺北市立美術館二樓 2A&2B

《改編自真人真事》特展臺文基地登場!首度展出邱妙津手稿、林奕含課堂報告,聽見文學中的反抗聲音

《改編自真人真事》特展臺文基地登場!首度展出邱妙津手稿、林奕含課堂報告,聽見文學中的反抗聲音

走進臺灣文學基地,你會看到一個重現的作家書房,桌上擺放著手稿、筆記,彷彿主人剛離開不久。這裡展出的不只是文學作品,更是一段段真實的人生故事。《改編自真人真事:當代性別事件的噤聲與反抗》特展以文學為載體,探討當代社會中性別議題的複雜面向,邀請民眾直面那些隱藏在字裡行間的壓迫與暴力。

《改編自真人真事:當代性別事件的噤聲與反抗》特展空間照。(圖片提供:宜東文化)
《改編自真人真事:當代性別事件的噤聲與反抗》特展空間照。(圖片提供:宜東文化)

珍貴典藏首度公開,「聽見」作家的反思與覺醒的聲音

本次特展首度展出多件重要典藏品,包括1990年代台灣文壇最受矚目作家之一邱妙津(1969~1995)的相關文物。展品包含她就讀北一女中時的《生活週記》以及就業時填寫的履歷、自傳,這些文物為認識邱妙津創作軌跡提供了關鍵線索。邱妙津的代表作《鱷魚手記》、《蒙馬特遺書》至今仍廣為傳頌,而這次展出的文物讓觀眾得以窺見作家早慧心緒的發展脈絡。同時展出的還有林奕含的課堂報告、書房收藏品等,家屬的全力支持讓觀眾得以認識這位作家的多重面貌。

作家林奕含家屬授權其課堂報告、書房收藏品等。(圖片提供:宜東文化)
作家林奕含家屬授權其課堂報告、書房收藏品等。(圖片提供:宜東文化)
首度展出作家邱妙津就讀北一女中時的《生活週記》及就業時填寫的履歷等臺文館典藏文物。(圖片提供:臺灣文學基地)
首度展出作家邱妙津就讀北一女中時的《生活週記》及就業時填寫的履歷等臺文館典藏文物。(圖片提供:臺灣文學基地)

展覽也特別收錄劉芷妤《女神自助餐》、林奕含《房思琪的初戀樂園》等有聲書的精選段落,以及國家影視聽文化中心甫完成修復的文學改編電影《油麻菜籽》影像,讓觀眾能夠「聽見」文學的聲音。這些多媒體的呈現方式,不僅豐富了展覽的層次,也讓觀眾能夠更深刻地感受到文學作品中蘊含的情感與力量。

展覽特別收錄劉芷妤〈火車作夢〉有聲書精選段落,為作家親自錄製。(圖片提供:宜東文化)
展覽特別收錄劉芷妤〈火車作夢〉有聲書精選段落,為作家親自錄製。(圖片提供:宜東文化)

不再噤聲,開始發聲的文學力量

「改編自真人真事」這句話,承載著美麗而沉重的痛楚。它既散發著文學性的能量,也包藏著真實世界的苦難。坦承並且說出,需要極大的勇氣。2017年林奕含在《房思琪的初戀樂園》扉頁寫下這句話時,她希望讀者能夠感受到這個痛苦的真實性,能夠與思琪同情共感。這種看似虛構卻比真實更真實的文學創作方式,在當代台灣文學中愈來愈常見。作家們不再隱藏,而是選擇直面對決,如劉芷妤在《女神自助餐》中所寫:「本書情節並非純屬虛構,如有雷同,我很遺憾......」這種遺憾,正是在邀請讀者感受那些切膚之痛。

特展探討台灣文學如何成為倡議的先鋒、弱者的武器、團結的契機。(圖片提供:宜東文化)
特展探討台灣文學如何成為倡議的先鋒、弱者的武器、團結的契機。(圖片提供:宜東文化)

台灣解嚴之後,特別是當代,文學已經能夠喚起內在勇氣的能量,引導性別意識脫開父權枷鎖,發展成多元自信的性別文學圖像。文學不再只是療癒人心的工具,更成為發聲的利器,甚至能促成社會改革與進步。李昂《殺夫》的創作成了十年後真實殺夫事件的寓言,該事件促成《家庭暴力防治法》的建立;林奕含《房思琪的初戀樂園》則推動了《補教法》實名制,以及後續《刑法》通姦除罪化的討論。這些例子證明了文學作為倡議先鋒、弱者武器的強大力量。

展出書籍可供民眾閱讀。(圖片提供:宜東文化)
展出書籍可供民眾閱讀。(圖片提供:宜東文化)

書寫與被聽見,是集體療癒的開始

展覽開幕時,作家劉芷妤在談到《女神自助餐》的創作過程時分享:「在書寫過程中才發現原來早就在生活中發現許多不對勁,不說出來,不表示沒感受到、沒被壓迫到。」她認為《女神自助餐》其實是一本反省之書,在找出自己不自覺「厭女」的同時,也引發社會大眾的省思。這種從個人反省出發,進而推動社會思辨的創作模式,正是當代性別文學的重要特色。作家們透過書寫突破社會價值與傳統的禁錮,從暗影裡透露光芒,發出反抗的聲音。

展場中設計「空氣柱」象徵文學的曖昧性、壓抑及想要突破指出進路。(圖片提供:宜東文化)
展場中設計「空氣柱」象徵文學的曖昧性、壓抑及想要突破指出進路。(圖片提供:宜東文化)
展覽以空氣包包裹書籍,體現壓力與張力,同時也提供「膜」的外層保護。(圖片提供:宜東文化)
展覽以空氣包包裹書籍,體現壓力與張力,同時也提供「膜」的外層保護。(圖片提供:宜東文化)

延續去年《海馬打點滴:你有所不知的文學療癒》特展的關懷精神,這次的《改編自真人真事》邀請觀眾與當代文學作品及性別事件同情共感,在展覽中看見隱匿在字裡行間的壓迫與暴力,聽見文學作品中的反抗聲音,一起尋找集體療癒的契機。展覽更安排了推廣講座,將在知名作家的帶領下探析性別文學與台灣社會的互動,為觀眾提供更深層的思考空間。(講座介紹、後續場次及報名資訊等,可見臺灣文學基地官網及粉絲專頁。)

展場最後可手作氣泡御首,象徵不易破裂,卻持續釋放壓力的微小力量。(圖片提供:宜東文化)
展場最後可手作氣泡御首,象徵不易破裂,卻持續釋放壓力的微小力量。(圖片提供:宜東文化)

《改編自真人真事:當代性別事件的噤聲與反抗》特展

展期|即日起~10.12

時間|週二至週日10:00-18:00(每週一休館,逢國定假日照常開館,翌日休館)

地點|臺灣文學基地展覽廳(臺北市中正區濟南路二段27號)

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文化部辦理的「We TAIWAN臺灣文化in大阪.關西世博」將在日本大阪登場,活動橫跨了線上的「遊戲能力」、VS.空間的「混融色彩」、大阪市中央公會堂的「跨域創造」、中之島「萬變氣場」4大場域及4大主題。而「臺灣光譜」選擇以去(2024)年才開幕的「Grand Green Osaka」區域,由安藤忠雄操刀設計的「VS.空間」內規劃策展。

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「VS.空間」展覽場域的獨特性,發展出本次對光影和聲音策展的各種想像。(圖片提供:文化部)
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3大主題區呈現臺灣文化

在這個融合藝術、商業、都市發展的場域,內部挑高15公尺、專為投影與沈浸式展演等新媒體為主的空間,對於策展團隊來說就是一個相當「混融」的挑戰,也正如同臺灣這座島嶼,歷經多元族群融合與歷史轉折,孕育出獨特且豐厚的文化內涵。「臺灣光譜」即是在這樣的獨特空間及理念下,規劃臺灣本色光織自然島嶼聲譜3大主題區,期盼以跨越邊界的文化與創意,讓世界看見臺灣的自信與韌性。

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展區一:臺灣本色

融合光影、色彩與聲音的沉浸式視覺劇場《臺灣本色》,以「寫生的人」為主角,取材自國立臺灣美術館典藏的藝術家作品,由跨域創作團隊豪華朗機工主導視覺創作、柯智豪的音樂、夢想動畫的動態影像設計、瓦豆的燈光規劃,利用影像技術演繹藝術家筆觸與色彩,帶領觀眾走進陳澄波、廖繼春、林惺嶽、郭雪湖、陳進、林玉山、許深州等藝術家的彩色世界,從日治、戰後到當代,涵蓋臺灣玉山、蘭花、建築、城鎮、戰爭記憶與山海地貌等色彩與土地深情的作品中。

融合光影、色彩與聲音的沉浸式視覺劇場《臺灣本色》投影示意圖。作品取材自國立臺灣美術館典藏畫作,以「寫生的人」為主題,將經典畫家風格透過影像技術再度演繹為全新影像。(圖片提供:文化部)
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三金音樂人柯智豪以豐富且細緻的聲音設計,將臺灣日常生活中多樣且真實的聲音,交織成一幕幕動人的聲音劇場。(圖片提供:文化部)
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展區二:光織自然

「光織自然」展區聚焦臺灣的染織文化、山海記憶與工藝實踐,展現人與自然共織的創作智慧。《臺灣色譜牆》集結國家工藝成就獎得主陳景林與馬毓秀,多年來從臺灣植物中研究天然染料的成果,以手工染布與植物攝影交錯排列,彷彿一幅震撼的活色票牆,引領觀眾踏上一場色彩溯源之旅;《染織工藝牆》記錄陳景林踏尋臺灣各地,從大自然取材、製作染料的過程,作品也是一份工藝教學的行動筆記,將手藝轉化為可視、可感、可思的敘事;藝術生涯中第一件巨幅藍染山水創作,也是陳景林「為自己、為臺灣所創作」的新作《臺灣母親河》也將首度曝光;國家工藝獎一等獎得主楊偉林的《洄遊》,深入揭示藝術家如何從自然環境中汲取靈感與觸感,透過纖維藝術,優雅描繪島嶼生活與自然環境之間微妙而動人的連結。

國家工藝獎一等獎得主楊偉林的作品《洄遊》,深入揭示藝術家如何從自然環境中汲取靈感與觸感,透過染織藝術,優雅描繪島嶼生活與自然環境之間微妙而動人的連結。(圖片提供:文化部)
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展區三:島嶼聲譜

踏入「島嶼聲譜」展區,聲音將成為帶領觀眾穿梭記憶的引路人。三金音樂家柯智豪《臺灣聲場》,以豐富且細緻的聲音設計,將臺灣日常生活中如廟宇祭典的鑼鼓聲、颱風過境的風雨聲、田野中的鳥鳴與城市市場的喧囂,交織成一幕幕動人的聲音劇場;藝術家李育昇的《臺灣特有種》神獸裝置,巧妙地融合視覺與聲音藝術,營造出充滿神秘與靈性的臺灣信仰場域;豪華朗機工創作的《很難很難|臺日交流版》,則以精妙的聲光語言,深刻觸及每位觀眾的情感與記憶,喚起內心深處的共鳴。

藝術家李育昇的《臺灣特有種》神獸裝置,巧妙地融合視覺與聲音藝術,營造出充滿神秘與靈性的臺灣信仰場域。(圖片提供:文化部)
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豪華朗機工創作的《很難很難|臺日交流版》,以精妙的聲光語言,深刻觸及每位觀眾的情感與記憶,喚起內心深處的共鳴。(圖片提供:文化部)
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We TAIWAN臺灣文化in大阪.關西世博
日期:2025年8月2日(六)至8月20日(三)
會場:線上、VS.(at GRAND GREEN OSAKA)、大阪市中央公會堂、中之島
官網:https://wetaiwan.tw
Instagram:@wetaiwan.tw

資料提供|文化部、文字整理|Adela Cheng

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