在快速變動、被不斷更新的物件與技術填滿的時代裡，設計是否仍能回到感知本身，重新回應時間、人，以及我們所處的世界？今年春季，Maison&Objet 巴黎時尚家居設計展（簡稱M&O）以「過去揭示未來」為題，試圖在歷史與當代之間，尋找設計的另一種觀看方式。而對年度設計師Harry Nuriev 來說，這樣的「重新觀看」，也早已融入他日常的創作實踐裡。

「如果一件作品合乎邏輯，它自然會是美的；如果它不夠美，那就代表哪裡做錯了，只能重來。」自2014年創立Crosby Studios以來，Harry Nuriev以紐約與巴黎為據點，逐步展開一項項難以被單一領域框限的創作實踐。從Balenciaga、Dover Street Market、Jimmy Choo等時尚品牌，到法國國家家具中心與羅浮宮，他的作品遊走於藝術、時尚、室內與公共空間之間，卻始終保留建築思維中那份近乎嚴苛的自律。受過完整建築訓練的他，無論面對的是高度概念化的展覽、品牌空間，或看似日常的物件轉化，關心的從來不只是「好不好看」，而是這個選擇能否真誠地回應所處的現實與脈絡。

在過度填滿的世界裡，重新感知

「過去學建築時，我便經常質疑：如果可以想辦法修復這座建築，為什麼還要在旁邊蓋一座新的？」在一個早已被物件、資訊與既有觀念過度填滿的世界裡，Harry不想試圖「發明」什麼，而是希望讓那些已經存在、卻被忽略或失去位置的事物，再次被聽見、看見，並重新被賦予意義。在他所打造的裝置作品系列《Rock》中，CD被轉化為雕塑性的存在，鏡面則嵌入鼓棒與彈片等元素，映照出他對聲音、節奏與懷舊記憶的連結；又如《Window Shopping》展覽中，他將目光投向消費時代裡被快速淘汰的美妝用品，透過極為克制的陳列方式，讓那些原本註定被丟棄的殘留物，得以被重新觀看與理解。

Harry將這樣的創作哲學稱為「變形主義」（Transformism）。在他看來，變形並不意味著增加，而往往始於刪減——極簡與單色不再只是視覺選擇，而是一種放大感知的方式，讓空間與物件回到能被身體與情緒真實感受的層次。這樣的減法思維，也具體體現在他於巴黎瑪黑區打造的Café Nuances之中：空間以溫暖的橘色光暈為基調，僅保留覆以碎銀金屬、受法國雕塑家César Baldaccini啟發的吧台作為視覺核心，將注意力收斂回「喝咖啡」這件事本身。「在當代，我們的注意力其實非常有限，甚至必須為『專注』這件事奮力抵抗。因此，這裡刻意不設置螢幕，也加入了一些小小的設計策略，希望人們能暫時遠離干擾，聽見自己內在的聲音——因為這個世界實在太吵了。」

當創作成為人的延伸

「我喜歡看見自己的作品如何與街道、與人群一起演變，看看它們如何改變生活、改變城市，也改變產業。我從來不想為了一張好看的照片而創作。」在Harry眼裡，空間一旦完成，便永遠屬於大眾。人們會走進其中、使用它，將它視為日常的一部分，甚至成為家中客廳的延伸。也因此，創作不再只是關於自我表達，而是必須為他人預留位置，讓人們能從中帶走一些東西，回到各自的生活裡。他相信環境始終以極其細微的方式與人互動，如同一隻看不見的手，悄悄地影響著我們的情緒與狀態。「當然，幸福本來就存在於我們內心，但正是與環境之間的對話，才能將那份感受真正喚起。」他補充道。

對Harry而言，每一次合作都是一段關於「人」的相遇。他形容Crosby Studios是一個由社群驅動的工作室，那些與人的連結、真實且具體的生命經驗，遠比任何材質、形式或風格來得重要。「當與大型品牌合作時，他們的規模和力量有時會讓人感到極度緊繃，甚至『麻痺』。這時，你就必須抽離，將目光重新回到人的身上。」他從不以商業客戶或文化機構來區分合作對象；真正重要的，是與對方坐下來聊天、提問、交換想法，並在反覆對話中慢慢形成共識。「靈感正是從那裡誕生的，也是我所珍視並堅持的價值。」

在實踐之前，別急著定義未來

2023年，Harry曾與法國國家家具中心展開合作，運用AI重新閱讀17世紀王室掛毯的古老紋樣，並將其轉化為符合當代視覺語境的圖像，回應這項歷史悠久的織品傳統。儘管如此，談及AI科技與當代創作環境的變化，他顯得相當從容。「這幾年我生活與工作的重心都在法國，這裡有太多歷史、太多神聖卻隱密的珍寶，以及層層堆疊的美學語境，一輩子都不足以完全理解它們，為什麼還要急著去思考AI呢？」相較於追逐工具與技術，他更傾向簡化一切——一張紙、一支筆，足以承載最重要的想法。「我喜歡用一支很普通、很便宜、就算不見了也不會心痛的筆，在紙上寫下真正的筆記；我所有最成功的作品，都是這樣畫出來的。事實上，這支筆我已經好多年沒有弄丟過了。」

回顧自己的創作歷程，從最初的建築訓練，到如今橫跨藝術、時尚、家具與室內設計，Harry形容這條路從未真正改變，卻又每天都在改變一切。「我很年輕的時候，什麼都想要嘗試，從平面設計到景觀建築，沒有一個想錯過。創作的世界非常寬廣，你必須盡可能去走過不同的路。有時候，在你真正把所有的可能性都試過以前，不需要急著緊抓某一個夢想，因為你最擅長的地方，可能正是你從未意識到的那一塊；而有時候，你所謂的『夢想』，其實只是一種浪漫的想像而已。不要讓內在的創作障礙，壓過你真正的實踐。去做就對了。」

《變形主義宣言》

變形主義是一種觀看、感受與行動的方式。
這不是一個追求創新的時代，而是一個需要敏感度、同理心與真誠回應的時代；一個必須重新思考、重新塑造那些我們早已做得太多的事物的時代。
我的創作不是從一張空白畫布開始，而是從這個世界本身開始。
我走進一個空間、一個脈絡、一個現實，然後我選擇。
變形主義，是將某物轉化為另一種存在——不是抹去它的起源，而是放大它的本質。

Harry Nuriev
設計師、藝術家，Crosby Studios創辦人暨創意總監。出身於建築背景，創作橫跨藝術、時尚、空間與物件設計，並提出「變形主義」作為核心哲學。透過刪減與轉化，重新回應既有事物、空間與文化語境，使創作回到感知、情緒與人之間的真實連結。 IG @harrynuriev

如果設計不只是美，那它還承載了多少意義與責任？設計師的身分又能做到多少事？從大型活動、藝術機構、非營利組織的視覺，到以自主創作回應社會議題，韓國設計工作室Everyday Practice將設計視為介入現實的途徑，希望製造出一些「摩擦」，引人重新看待習以為常的世界。

Everyday Practice由權俊浩（Joonho Kwon）、金慶喆（Kyungchul Kim）、金御眞（Eojin Kim）於2013年共同創立。3人是中央大學字體設計社團的好友，畢業後各奔東西，後又不約而同回到首爾。當時社會混亂且變動劇烈，令他們心想：「能不能透過設計，在規律中製造一個小小的縫隙，去談論那些對我們真正重要的事？」工作室名稱「Everyday Practice」便從這個問題誕生，他們不把設計視為商業模式或市場策略，而是一種能在日常實踐的態度，也引領了工作室的創作方向：「視覺實驗」與「社會參與」並行。

「從朋友轉變為工作夥伴的過程，確實有一些需要微妙調整的時刻。」權俊浩說，但最終這些差異都成為了優勢。他擅長處理結構、文字與概念，很自然地擔任起專案組織者；金慶喆個性細膩、耐心，善於結構化思考與開發網路系統；金御眞則非常直覺，對字體、色彩等有敏銳的感受力。

而除了他們3位，工作室還有約10位成員。相當重視工作室文化的他們，有著「週五早上一起吃早餐」的傳統，讓大家在輕鬆氛圍裡，分享近期專案或生活瑣事。嚴格遵守「早上10點到下午7點」的工作時間亦是文化之一，在此時間外，Everyday Practice不會處理任何工作或聯繫。即便時程緊迫或專案繁重，他們的心態並非「晚點加班就好」，而是「如何在有限時間內完成」。為確保工作效率，他們會避免不必要的會議與冗長的討論，並尊重每位同事的工作節奏，「若有人喜歡在安靜的早晨專心做設計，那我們便會刻意保護那段時間。」

媒材與訊息之間的緊密關係

從韓國藝術節、首爾設計節等大型活動，到韓國國立現代美術館、國立中央博物館等藝術機構，都可見Everyday Practice的設計。他們的手法多元，類比、3D、AI、網頁、互動設計⋯⋯，會根據不同專案量身運用。「我們非常重視媒材與訊息之間的緊密關係。」Everyday Practice說，若專案講述的是勞動、人權或公平等直接關乎身體或感官體驗的主題，他們經常使用類比手法突顯其張力與意涵，例如以手織布料製成2017首爾國際手作博覽會海報；《在正義的陰影下》書封則做出一塊融化中的「蠟燭蛋糕」，隱喻正義分配與氣候危機。

針對需要規模化、實驗性、傳播性的專案，他們認為數位手法更有效。就像他們為「AG」字體研究所設計的網站，能直接與使用者互動；2021首爾城市建築雙年展的視覺識別與網站，則運用3D生成主視覺，並以動態呈現空間概念。

在眾多合作單位中，韓國綠色聯合無疑是別具意義的一個，亦是Everyday Practice創立後第一個客戶。他們說，當時組織內部沒有專職設計師，意味著他們得共同形塑一套能與公眾有效溝通的語言。「我們之間早已超越一般的『客戶－設計師』關係。」至今雙方已合作10年以上、產生超過50個設計，其中2016年的標語告示牌識別系統，Everyday Practice將聯盟代表性的議題以圖像和顏色區分，還設定好字體、字級，讓每張告示牌具有視覺一致性，一改過往社會運動標語臨時製作、訊息不清的問題。該設計更於2019年，被英國V&A博物館的韓國設計典藏。

圖像或結構最終在支持的世界是？

不難發現，Everyday Practice的客戶以藝術機構和非營利組織為多，而他們也從創立之初就確立：不和「無法認同其行為」的對象合作。「這不只是政治立場或個人喜好，而是關乎如何對待人、如何使用權力與資源，以及在過程中是否存在剝削或排斥他人。」權俊浩舉例，假設客戶希望傳遞具社會意義的訊息，卻在內部剝削員工，或在性別議題毫無敏感度，那他們便會選擇不與其合作。「設計不只是表面的視覺包裝，設計師也必須對作品背後的內容與倫理負起責任。」

但在現實中堅持這個原則並不容易，甚至會與生計衝突，「即便如此，我們認為設計師不能放棄這個問題：你的圖像或結構最終在支持什麼樣的世界？」不過他也提到，現實中的倫理判斷並非黑白二分，一間公司可能同時捐款公益又破壞環境。面對這樣的狀況，他們會思考能否與這個「矛盾」對話，「我們並不期待任何組織是完美的，但我們能分辨對方是否意識到缺失，並願意改變。但如果我們被要求掩蓋矛盾、用設計粉飾太平，就會堅決拒絕。」

當艱難的真相化為視覺

將設計視為日常實踐的他們，也不斷以設計師身分回應、參與社會議題。2014年世越號船難，3人花了很長時間質問：設計師究竟能做些什麼？「我們非常小心，不想反應過快，但同時也意識到，回應太慢同樣是不負責任的。」同年，他們在光化門廣場架起鐵製圍欄，用黃色絲帶綁上「沒有人應該因坐上那艘船而死去」的韓文字。這件自主創作，使他們接到了存放罹難者檔案的公共空間「416記憶存放所」識別系統專案，並延續裝置上的黃絲帶字體作為標準字。之後他們陸續參與「416基金會」、家屬證言刊物、罹難者房間攝影展、2024年的10週年展覽等相關專案。這讓他們發現了自主創作與設計工作的關聯，也思考「當將艱難的真相轉化為視覺時，設計師承擔了哪些責任？」

2016年，時任總統朴槿惠爆發「閨密門」干政案、遭彈劾下台。由於此案涉及的人物、機構、事件繁多，許多民眾難以掌握全貌。2017年，媒體《SisaIN》與Everyday Practice合作，將龐大資料梳理成邏輯清楚的網站。點進網站，會看到一張張像素化的照片，搭配日期不斷推進的時間戳記，「我們希望設計中立地呈現事實，又能傳達強烈力量。」他們解釋，像素化隱喻了被扭曲的真相，同時又像新聞常以馬賽克遮掩人臉—是一種保護，也是一種批判；精確的時間戳記呼應「時序」的重要，「對於敏感的政治議題，事件的解讀會隨時間不同而產生劇烈變化，因此我們將時序設定為網站體驗的核心軸線。」

2024年底，時任總統尹錫悅宣布緊急戒嚴，當晚大批民眾聚集於國會大廈，直面軍方捍衛民主。「當我看見街頭坦克的影像時，心中湧現一股尖銳卻具體的震驚感：歷史正在倒退、重演。」權俊浩形容這批民眾的舉動，是「任何個人都無法獨力完成、由群體勇氣創造的離奇瞬間」。因此不同於過往的自主創作，他們想用視覺捕捉並傳達「團結感」，於是發起「時代精神」海報設計計畫，在3天內獲得63個設計團隊響應。每組團隊設計的海報不僅透過網站展示，更舉辦實體展覽，展期得到的捐款也全數捐給相關公民運動團體。

唯有人類才有的深思熟慮

對Everyday Practice來說，每件做過的設計並非「已完成的結果」，而是「仍在進行的提問」。因此他們在2023年舉辦創立10週年的同名展覽，將過去的作品以現在的脈絡重新詮釋。過程中他們意識到，對設計的重心從「結果」轉向了「過程」，也不再執著訊息的精確度，更在意設計如何被感受。

而面對現今的AI議題，他們透露，目前已開始在工作中實驗各種工具，尤其是網路專案，以往需要工程師協助的功能，現在已能自行探索與執行。透過AI生成的程式碼、版面與動畫結構，也能快速將模糊的想法轉為可運用的素材，「重點不是AI取代設計想法，而是加速想法實現的那一刻。」

但他們同時注意到，AI生成的視覺看似精緻，卻有種微妙的疏離感，缺乏某種語境或情感上的清晰度。「最終，人類與AI的差異不在『產出』，而在『態度』。AI可以生成上萬張流暢、印象深刻的圖像，但唯有設計師才能回答：哪張圖真正具有意義？」他們相信，設計師的角色不僅是創造圖像，更在於感知社會細微的變化、張力與情緒；設計不只是視覺的編排，更是一種脈絡式的、情感的，甚至倫理的行為。「無論AI如何進化，它無法真正承載矛盾、擁抱曖昧，或基於特定世界觀做出深思熟慮的選擇。這些，仍然屬於人的領域。

Everyday Practice
由權俊浩、金慶喆、金御眞共同創立的平面設計工作室。是一個小而緊密的設計社群，專注於思考設計在當下現實世界中的角色。雖以平面設計為基礎，卻不局限二維框架，不斷嘗試多元的設計方法，從實驗中汲取養分，延伸至未來的創作。

^{文｜張以潔　圖片提供｜Everyday Practice}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

英國設計師Lee Broom今年偕同名品牌首度參與甫於6月20日落幕的丹麥設計盛會3daysofdesign，進駐19世紀古建築Asia House呈獻10年回顧展《From Here Now》，同步發表全新可攜式燈具作品「Chant」。此展不僅是Lee Broom初亮相北歐設計界指標性平台，亦為Asia House第一次在設計節期間對外開放，蘊含著設計和策展歷史上的雙重意義。

自2007年創立同名個人品牌以來，Lee Broom即以具戲劇性的照明設計風格馳名國際。其創作多融匯建築語彙、宗教意象與詩意形式，將光化為富有敘事感的空間體驗，如2022年發表的「Divine Inspiration」系列作品如神聖裝置般浮現空間，致敬宗教建築；2023年推出的「Alchemist」探討光與材質的微妙化學變化，顯露高度雕塑性與情感張力——總取平衡於功能與情感之間的獨特設計，尤其鞏固了這位年輕設計師在當代照明設計領域的藝術地位。

而此次《From Here Now》回顧展則聚焦回顧Lee Broom過去10年間的代表性燈具作品，將「Orion」、「Vesper」、「Carousel」、「Crescent Light」等多款設計通過全新材質與形式重新演繹，加以最新作品「Chant Portable Table Lamp」，於歷史空間Asia House內開展一場神祕敘事。

與此同時，自2013年創立以來迅速崛起為歐洲設計行事曆關鍵盛事的丹麥設計節3daysofdesign，每年吸引眾多國際設計師、策展人、品牌和媒體聚集哥本哈根，透過展覽、對談與城市空間轉化，激發跨領域創意。2025年主題「KEEP IT REAL」呼應當代設計對真誠與本質的重視，《From Here Now》整體著眼回顧、反思與未來想像的策展脈絡恰與之深刻共鳴。

打造「探險家遺居」概念性展場，揭開塵封的航海故事

Asia House建於1897年，原為東方亞洲公司（East Asiatic Company）總部，由航海家H.N. Andersen創立。Lee Broom便以此歷史為靈感，將展場打造成一位探險家遺留的住所，陳設世界各地典藏並營造自家品牌獨有的燈光氛圍。由倫敦運抵哥本哈根的木箱散布於空間各處，每只都藏有歷史物件、雕塑與燈具的組合等待觀者探索和發掘；覆蓋其上的布幔猶如塵封的帷幕緩緩揭開對珍寶的記憶，悄然向此建築背後的航運歷史表示敬意。

全新可攜式燈具「Chant」3大亮點

▍以70年代玻璃磚為靈感，交織古典與現代

「Chant」燈具是Lee Broom推出的第一款可攜式照明作品。此次全新Chant桌燈款式在延續其2022年於米蘭設計週首度亮相並屢獲讚譽的Chant吊燈概念下，進一步汲取靈感自1970年代建築中常見的玻璃磚，以手工吹製玻璃構造出雕塑般的立體外型，藉方形幾何結構與圓形凹槽圖案的視覺對比，交織懷舊情調與現代主義風格。

▍外型與功能並重：四段式調光、室內外適用

全系列於品牌倫敦工坊生產，款式提供霧面或透明玻璃，搭配拉絲金、拉絲銀、拉絲古銅3種精緻金屬底座。除外觀富設計感，Chant桌燈在功能上也配備到位，包括四段式調光、單次充電可供使用時間長達40小時、能因應室內外環境無縫轉換的完整防水設計，無疑為當前可攜式照明市場提供極具工藝美學的替代方案。

▍有別於傳統塑料產品

與傳統以塑料為主的同類型產品不同，Chant桌燈強調玻璃材質的觸感與純粹性，重新定義了便攜燈具的溫雅格調。

透過《From Here Now》這場兼有歷史感與未來視野的展覽，Lee Broom既帶領觀者回顧其創作歷程，亦再次對照明設計能成為文化連結核心語言做出了最佳示範和證明。

Lee Broom

同名品牌創辦人、英國領先設計師Lee Broom，自2007年成立個人工作室以來，親自設計超過100件燈具、家具與家飾銷售全球。集工藝、精選材質與創新思維於一體，品牌堅持英國製造，全數產品於倫敦東區的Lee Broom工廠手工製作而成。Lee Broom尤擅創造充滿超現實感的沉浸式體驗空間，為觀者帶來驚喜、進而引發共鳴。兼展古典與現代風格的別致設計為其贏得超過40項國際設計大獎，包括英國「年度設計師獎（Designer of the Year）」及由女王親自於白金漢宮頒發的「企業女王獎（The Queen’s Award for Enterprise）」等獎項。