最近出版《永恆如新的日常設計》的小林和人，在東京吉祥寺所開的2間店Roundabout與OUTBOUND，其挑選物件的獨到眼光與美學，似乎形成了一股小林派的潮流，在日本擁有極大影響力。La Vie邀請他分享對日常生活中經典物件的看法，及關於他個人生活美學形成的過程以及所受的啟發。(圖一：寮國藍靛族的自然布料作品，充滿自然的生命力。)

La Vie：在你心目中無可取代的日常經典設計或物件是什麼？
小林和人（後簡稱小林）：對我來說，身邊每天在使用的器皿就是無可取代的物件，就物理上和自己的近距離接觸，這些每天一定會用到的器皿自然佔了最重要的位置了。而每個人對於自己心中的那個無可取代的物品，也許是心醉於設計，但也可能是因為某種緣分的情感；像留在我身邊很久的一個鉛筆盒，是我在小學三年級時同學的生日交換禮物，雖然現在沒再使用，但它卻一直像個溫暖的存在，我甚至想把珍惜的這份感覺透過鉛筆盒轉給我的女兒，她現在也剛好小學三年級……。

La Vie：如果有一天，因為某些緣故，你只能帶走家中幾樣簡單的物件，你毫不思索、第一個會帶走的物件會是什麼？
小林：布。因為布可以覆蓋身軀、包裹物品⋯⋯，柔軟、攜帶方便又可以做出很多不同造型，發揮之處無限大。
 

↑店內物件大多是小林個人愛用的，JABEZ CLIFF皮帶就是他365天日日配帶的。

La Vie：你在書中提到「組織一個讓高低層次極端不同的東西，與貼近生活的東西共存的空間」是你的原動力，這似乎和時尚混搭的觀點相同，真正的好品味，似乎和辨識經典設計是相同的能力？
小林：一樣東西的旁邊要擺什麼物件，其實是以生活為主軸，自然形成出來的需求；很多異業結合的想法也不是一開始先出現模式，而是物件彼此自然互相需要才產生結合。東西是很巧妙的，東西用久了看多了，會出現時間提煉出來的味道，自然能感受辨識所謂永恆如新的物件。還有，我家裡有很多各種盒子收納不同時期的物件，有時自己的舊物也許變成別人的新品，因此我常讓渡自己的物件，但絕對不是因為是垃圾而拋出，而是生活形態的改變之由做出的決斷割捨，至於生活中怎麼都容納不了的古董，通常會變成店裡新的存在。

La Vie：許多讀者也想知道你書中的精選物件，是如何搜集而來的？最近是否又收藏了其他夢幻逸品？
小林：書中提到的物件，代表著我開店14年來生活經典的反覆實踐，以後也會繼續使用。至於與物件的機緣，有些是配合店內種類需求而計畫上地尋找，但絕大部分是偶然的相遇，我比較喜歡這種機緣；因為我喜歡透過與人的感情培養，往來從中牽連出發覺物件的原點，這會讓我更珍惜入手的物件。最近店裡新入手的逸品，應該是澳大利亞的雨傘doppler，整根手把以完整的栗木製成，傘布也能自行搭配挑選成獨一無二的專屬雨傘，把弄在手裡的溫厚紮實感讓人愛不釋手。這其實是常來我店裡的客人的引薦，他是從事輸入品的，彼此長期信賴也知道東西選擇的點，因而能夠與這新的物件相遇。

La Vie：你是否經常旅行各地搜集物件？最近一次的旅行和哪些永恆如新的日常設計相遇？
小林：我很希望我有足夠的時間能到處旅行⋯⋯，身為經營者常讓我身不由己。但最近一次的旅行是去年前往寮國時，結識在當地策劃、與藍靛族原住民展開傳統染織布料設計活動的H.P.E.谷由起子女士，她只負責企畫，而整個織圖是來自原住民們天然自由的靈感，非常有生命力且創意的圖紋表現，目前布製杯墊（日文：豆敷）也成為店裡的主要商品之一。
 

↑冰塊燈因小林的重新組合，呈現另一種質感

La Vie：作家松浦彌太郎曾說，和物件的關係，就像和人的關係一樣，如果以此角度思考，你在家中除了家人以外，那些物件和你的關係是？
小林：我的腳踏車吧，跟隨我將近9年但始終如新，像我身體的一部分般的存在。我從家裡到兩家店還有生活圈的可移動範圍，全部與腳踏車相伴。而且我省略繁瑣，只留下最基本的造型與機能，讓它看起來簡單卻有味道。

La Vie：你一天的日常生活行程大致為何？一天中你通常使用了哪些經典物件？
小林：很平凡的一天，在家早餐，然後出門到兩家店，或者與業者見面，到了晚上又是各種交流活動，幾乎沒有所謂私人時間。不過，我在家時當然就會使用每天都得接觸的食器，在店內工作室就是文具用品，我有一把骨董剪刀，已經變得難剪了，但卻流露著經久的味道。透過自己親自挑選的物件，那是一種對自己的確認作用，名陶藝家河合寬次郎說過：「買來東西，買來自己。」正是這種感覺，自己買的東西，那個東西也代表了自己的物像。

La Vie：能否分享你平常喜愛的散步路線，及沿路所見之日常生活美景？
小林：我最近搬了家，以前住家附近「石神井公園」（東京練馬區都立公園），是我過去常走的散步路徑，園內有很大的湖池，草木盎然，春季櫻花盛開，有別於東京的喧囂而十分幽靜。而我雖然工作住家都在東京西邊，但東京的東邊區域的下町懷舊風情依然很讓人嚮往。
 

↑OUTBOUND更像一個藝廊展示空間

La Vie：什麼機緣之出版了《永恆如新的日常設計》這本書？在撰寫過程中，是否有哪些是還想選進書中，後來卻沒有的，為什麼？
小林：出書是出版上找上門來的，而當初在現有的經費下製作這本書，但大部分有表現出我想要的樣子。而眾多物件中有些沒放進來的主要原因是已經缺貨了，畢竟出書是要讓讀者有機會去實踐生活經典設計才有意義，否則變成我的個人收藏集了。

La Vie：最後，想知道你接下來有什麼新計畫，或正在醞釀什麼想法？
小林：我計畫在明年Roundabout邁入第15年的夏天，重新整頓改造店面，也剛好是個新的刺激的時機。而心中則是一直都在醞釀著一個想法，也是跟店面還有跟自己的分類收納風格有關，「整理，看得見的部分；成型，看不見的部分」。我想改造自己的生活和工作的動線，更機能合理化，如何運用這些物件是我的課題。
我想，理想生活，就是如何善用組合物件讓自己生活變得美好，就能成為自己的永恆經典用品。

本文出自La Vie第110期雜誌，完整內容請見La Vie 2013年06月號
文：Kimi｜攝影：黃三玲
 

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN