蔡國強，於2009年曾於臺北市立美術館展出「蔡國強: 泡美術館」回顧性大型個展，引起熱烈回響。在之前除了台灣藝術界外，爆破藝術家蔡國強並不是台灣大眾十分熟稔的藝術家，開始在台灣受到矚目的是他於2006年與雲門舞集跨界合作─「風．影」，這一完美的結合創造出裝置藝術與表演藝術的創新藝術形式，2011年甚至擔任台灣建國百年跨年焰火的總設計。蔡國強曾被美國紐約時報評為世界上不可或缺的藝術家。

7月17日，蔡國強又帶來了令人震撼不已的新裝置作品─《九級浪》。一艘來自蔡國強家鄉福建的木船載著99隻仿真動物，沿黃浦江航行，抵達上海當代藝術博物館（當代館）館外碼頭，成為藝術大事件，揭開《蔡國強：九級浪》（2014年8月8日－10月26日）的展覽序幕。

《九級浪》裝置作品，由一艘上海平底駁船運載，沿著繁忙的黃浦江一路駛來，經過外灘兩岸象徵中國近現代化的地標，抵達當代館外碼頭。飽經風霜的漁船上，老虎、熊貓、駱駝……等大大小小兇猛溫順的動物們看起來就像在時代的大風浪裡暈船，讓人聯想起諾亞方舟上被救贖的生命，奄奄一息。

蔡國強表示，作品受到俄羅斯畫家艾伊瓦佐夫斯基(Ivan Konstantinovich Aivazovsky)的油畫《九級浪》啟發。九級浪為海浪最高等級，又稱“怒濤”，油畫裡表現人在大自然面前的渺小和無力。生態環境問題在中國已到了緊要關頭，也是當今人類共同面臨的挑戰、藝術界無法回避的議題。蔡國強的展覽理念也延伸到探索中國傳統文化裡人與自然的關係，包括人對自然的思考以及對原風景與心靈故鄉的追索。

延伸閱讀：《Falling Back to Earth》蔡國強的歸去來兮

資料圖片來自 蔡國強

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）