他們都是台灣的音樂與創作的奇才，在誠品的力邀下同台演出。
讓音樂和詩作、文學、設計與美食碰撞，迴盪出台灣歲月與歌的故事

音樂家敘說的是人與土地之間的感情故事，誰是知音?胡德夫和陳文茜同台，要勾起關於歲月、土地和音樂的台灣記憶；開過義大利麵餐廳的大提琴家范宗沛和麵包大師吳寶春同台，要同時滿足觀眾聽覺、味覺的享受；舒米恩和蕭青陽要用音樂，分享他們在旅行的創作；而本周六下午三點要登場的鄉土詩人吳晟，則要和樂團主唱兒子吳志寧，唱出詩的雋永。

「只因這是生命中/ 最沉重/ 也是最甜蜜的負荷…」這是臺灣知名鄉土詩人吳晟最耳熟能詳的代表作品《負荷》，在文學界地位崇高的作家父親，將與獨立樂團的歌手兒子吳志寧，於3月21日下午在松菸誠品表演廳的舞台上與喜歡音樂、熱愛詩歌的樂迷、詩迷見面，將文學與音樂創作跨界融合，也是吳晟2015年唯一一場演出，售票已近滿座。兩人一彈一唱之間，娓娓道出對自然的關懷。

五月重頭戲則是民歌大師胡德夫與理性感性兼具的陳文茜，同台演出。陳文茜其實出身於古典音樂世家，並曾經以音樂系作為第一志願，彈得一手好鋼琴，聽遍了各種類型的音樂。胡德夫則有著「台灣民歌之父」的美譽，他的聲音像高山、像大海、像故鄉，林懷民曾形容他的歌聲是「台灣最動人的呼喚」。5/24(日)下午他們在舞台上激盪出的火花非關政治，因為這一次，陳文茜不談媒體，將與她的好友胡德夫一起談唱屬於這塊土地的美麗與哀愁，一段《記憶‧時光洄游─關於歲月與歌的故事》

七月是旅行的季節，首位入圍葛萊美獎的華人專輯包裝設計師蕭青陽，至今已有超過1000件作品，包含五月天、陳綺貞、周杰倫等人專輯。他堅持樂在工作，更要樂在生活，近來旅行足跡遍行各國，力求在每趟旅程中，得到最純真的感動。而近年活躍於影、歌壇的新生代創作歌手─舒米恩(Suming)，曾擔任圖騰樂團和艾可菊斯的主唱和吉他手，用獨特的嗓音與真摯的情感，屢屢拿下金曲獎、金馬獎多項殊榮，各國演出邀約從不間斷。7/5(日)兩人將帶領觀眾探訪設計與音樂的創意來源，也回到對臺灣最真摯的感動。

九月對寶春師傅來說是個全新的挑戰，因為9/19(六)他要和開過義大利麵餐廳的大提琴家范宗沛跨界同台，細數麵包夢及鬼才魂，重現音樂與美食的完美結合。來自屏東的學徒─吳寶春，用雙手揉出世界麵包冠軍，成為臺灣之光。他說:「音樂無法脫離人的生活，不同的音樂會觸發不同的心情感受。音樂跟麵包很像，都是追求極致，耐人尋味」。而喜歡人家稱呼他為「胖子」的金曲音樂家─范宗沛，用大提琴拉奏著豐富閱歷與人生體悟，編寫出一首首扣人心弦與感動的金曲。一道道美味的精緻音樂料理，將依序為您上菜，值得您期待!

誠品表演廳2015年節目除了這四檔重量級的沙龍系列，五、六月將有「誠品室內樂節」，除邀來當紅的以色列耶路撒冷四重奏，也將在松菸舉辦系列免費演出及室內樂講座。十一月登場的大型製作「路」由前文建會主委陳郁秀擔任藝術總監，台灣本土大型製作結合3D立體技術演出，是大膽全新的嘗試。另外十二月的法國香頌及四月開始的系列親子音樂會，也都令人期待。有興趣的觀眾朋友，都可以從兩廳院購票系統查詢購票資訊。

演出相關訊息
《水田裡的詩歌漫步─當浪漫詩人遇見吉他手》
演出時間：3/21（六）│15:00
演出地點：松菸誠品表演廳（臺北市信義區菸廠路88號B2）
演出者：朗誦：吳 晟（臺灣浪漫鄉土詩人）
吉他：吳志寧（929樂團主唱／吉他）
鼓手：童智偉
鍵盤：楊茵婷
演出曲目：《泥土》、《負荷》、《我生長的小村莊》、《我不和你談論》、《水田》等
 

《記憶‧時光洄游─關於歲月與歌的故事》
演出時間：5/24（日）│15:00  
演出地點：松菸誠品表演廳（臺北市信義區菸廠路88號B2）
演出者：演唱：胡德夫（台灣民歌之父）
對談：陳文茜（文茜的世界周報主持人/作家）
演出曲目：《流星》、《美麗的稻穗》、《橄欖樹》、《芬芳的山谷》、《美麗島》等
 

《旅行箱裡的創作夢》
演出時間：7/5（日）│14:00  
演出地點: 松菸誠品表演廳（臺北市信義區菸廠路88號B2）
演出者：對談：蕭青陽（四度入圍葛萊美最佳專輯設計）
吉他：舒米恩（金曲獎常勝軍）
演出曲目：《小旅行》、《為自己喝采》、《平凡》、《我們的約定》等
 

《琴弦上的「麥夫」》
演出時間：9/19（六）│15:00  
演出地點：松菸誠品表演廳（臺北市信義區菸廠路88號B2）
演出者：大提琴：范宗沛（跨界音樂鬼才）
對談：吳寶春（世界麵包冠軍）
演出曲目：布拉姆斯、德布西、佛瑞、久石讓等經典作品
 

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圖文資料提供/誠品

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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