設計商品，這樣賣就對了！芬蘭台灣零時差無縫接軌

柒木設計在短短幾年之內，以設計精良並具有東方色彩的燈具產品，成功打入歐洲與東南亞市場，並進一步在台灣建立起清新的品牌形象。然而，創業這條路，他們走得並不輕鬆，懷抱著對設計的高度熱情，柒木不斷地研究市場概況，大量累積實務經驗，期望有朝一日能成為真正知名的國際品牌。

經營方針

Point 1 核心成員分隔歐亞，會議講求高效率溝通。

柒木設計目前的核心成員有3位，3人均有設計背景，依照彼此的個性與專長來執掌不同業務。遠在芬蘭的石筱君負責品牌與視覺、熟悉製造和工廠端的葉庭瑋負責產品開發、個性活潑的林宜賢負責公關與行銷。

由於石筱君遠赴芬蘭進修，因此3人必須透過視訊開會，芬蘭晚台灣5~6小時，因此這是一個上午8點和下午2點的會議。因為時差，讓他們養成更高效率的工作方式與隨手整理紀錄的好習慣，如此才能讓兩地資訊無縫接軌；因為遠距，所以3人總是藉著在歐洲展覽的機會會合，林宜賢半開玩笑地說：「所以我們才要一直出國參展！我們好像牛郎織女一樣！」

Point 2 透過參展試探市場反應，反思製成細節並持續改良產品。

2011年東京設計師週，是柒木成立後的第1個海外展覽，當時成員不只3位，有些人剛畢業，有些人已工作一段時間，他們有個一致的目標，就是想試探自己的設計理念會在市場上獲得怎樣的反應。展覽過後，彼此都有了許多體認，於是有些人選擇離開，有些人則改以兼職方式來支援，最後留下3人，繼續堅持創業之路。

工作室牆上貼著歷年參展海報，許多創意都已走入歷史，林宜賢表示：「很多時候，我們自己覺得很棒的點子，在展覽上卻乏人問津，有時是因為製成太難導致無法量產，有時則是沒有站在消費者立場思考。」比方說，柒木曾推出一款手動削鉛筆機，採用包覆樹皮的木材製成，但在切割鑽孔時樹皮很容易脫落，因此大部分的木工師傅都不太願意接單。柒木還曾做過一款極具巧思的設計，他們在透明玻璃壺上彩繪細緻的青花圖案，倒入牛奶後，隨著純白液體在容器內上升，形成「互動式」的青花「瓷」器，為了逼真效果，他們還去故宮上課，深入研究青花瓷的種種細節。然而，這款結合了西方牛奶壺概念與東方藝術品元素的作品，在展覽現場卻並未受到青睞，甚至還有不知情的參觀者拿起玻璃壺，結果牛奶灑了一地。這個經驗對柒木而言十分重要，不僅促使他們檢討自己在設計時所抱持的態度，也讓他們更加重視消費者的聲音與需求。

在眾多參展經驗中，柒木也發現，展覽性質與各地民情的不同，極可能導致同一款產品獲得截然不同的市場反應，比方說「一盞東西」，2012年在英國倫敦設計展Tent London頗受好評，但到了2013年的德國科隆家居展IMM COLOGNE卻乏人問津，這些經驗，促使著柒木不斷改良產品，刺激他們把產品想得更完整。如今，「一盞東西」已成功發展出各種尺寸與款式，包括桌燈、吊燈，系列日漸完整，讓柒木藉由燈具打入歐洲以及新加坡、菲律賓、泰國的傢俱、家飾市場，過程中，他們也漸漸學會如何以訂價反推回成本，在人們對商品願意掏腰包的期望售價上，規劃可賺取合理利潤的成本支出。

Point 3堅持不用塑膠，避免複製與雷同，突顯品牌個性

經營多年，柒木設計營造一種非制式、混搭、簡約、自然、趣味的生活氛圍，作品都是出自有溫度的材質，無論木頭、紙與金屬，不是溫潤有感，就是摸久了自會生成體溫，如此天然材質，即使量產，彼此紋理與外型總會有些許差異，不是塑料可以比擬。柒木的唯一堅持就是不用塑膠，他們不喜複製與雷同，這個精神也落實於店面行銷規劃，柒木在各個店面刻意展示不同款商品，突顯品牌個性，避免給消費者「走到哪都一樣」的印象，為品牌加分不少。

商品故事 

Case Story ─ 一盞東西 The New Old Light

設計發想

「一盞東西」吊燈，燈罩部分採用金屬材質，代表西方的工業感，燈罩下方銜接著東方傳統的紙燈籠，並以「月有陰晴圓缺」的意象，設計燈籠部分可活動收縮，拉下燈籠時，可營造室內溫和的情境，收起燈籠後，則可直接使用照明光源。正因融合東、西方元素，因此取名以一盞「東」、「西」的概念來取名。除了吊燈以外，這個系列也推出桌燈版，採用線性骨架，以簡約洗鍊的線條營造出寫意的空間感，視覺效果極佳。

行銷概況

「一盞東西」在國外頗受好評，因為外國人將設計燈具視為居家必用品，氣氛與照明一舉兩得，目前柒木網站主要為提供國外客戶下單平台，並已實際出貨至歐洲與東南亞，佔銷售70%；至於本地市場，則實體店面銷售較佳，台中的CameZa、台北非零餐廳與松菸小賣，所都能看到美麗的「一盞東西」。現階段燈具佔柒木自有品牌產品的70%，可說是讓他們找到一個精準切入居家裝飾的設計亮點，開啟更具市場潛力的Home Deco領域。

採訪撰文／杜玉婷　　圖片提供／柒木設計

本文選自La Vie出版書籍《設計商品，這樣賣就對了！》，更多精彩內容請點選→《設計商品，這樣賣就對了！》

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

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以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
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預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）