經歷充分的內外部諮詢建議與綜合評估，透過書面計畫、視訊會議以及實地訪查等溝通討論，臺北市立美術館委任由法籍策展人柯琳•狄瑟涵（Corinne Diserens）以「檔案演繹」（Perform the Archives）、「文化典範轉移」（Cultural Paradigm Shift）等概念為主軸，擔綱2016台北雙年展主題策展人，展覽將於2016年9月10日至2017年2月5日展出。

每兩年一次的「台北雙年展」是臺北市立美術館為推介當代藝術、接軌全球視野所舉辦最重要的國際型大展。身為亞洲最具歷史的雙年展之一，隨著雙年展熱潮席捲全球，臺灣當代藝術的蓬發和日益國際化，以及後現代風潮的來臨，各界掀起對於後殖民定位的省思與批判。2016年將是台北雙年展自1998年舉辦以來邁入的第十屆，將近二十載的發展見證全球與地緣文化脈絡的嬗遞和論述轉型。

針對2016台北雙年展，策展人狄瑟涵提出「現今的檔案是反映『未來』的系譜」（Archives of the present are geneologies of the future）的文獻活化概念，將美術館視為遊走於異質藝術領域，穿梭在歷史、社會、文化文本的知識平臺，欲透過現存的檔案文獻更趨近未來尚未發生的知識系譜，藉以了解自身與區域文獻紀錄、記憶模式、解讀與使用、潛在挪用和再現之間的關係。狄瑟涵引述美國人類學者大衛．格雷伯（David Graeber）著作《規則的烏托邦：論科技、愚昧與官僚制度的私樂》（The Utopia of Rules: On Technology, Stupidity, and the Secret Joys of Bureaucracy），提問：如何在不失去碰撞力度與批判敏銳性的情狀下，針對官僚制度及其延伸的結構性暴力提出批判思考？狄瑟涵進一步論述革命概念的弔詭，詰問：烏托邦運動如何在能夠撼動舊有體制的前提下，不變相孕養出另一種制度化的暴力？抑或「改革」的本質即是一個值得被懷疑的假定？狄瑟涵透過檔案演繹和詮釋，以對話的態度探討美術館和當代藝術於現今社會的角色，重新思索「展示的權力」（the Power of Display），深化美術館漫遊於知識體系間的觸媒角色。將藉由文獻的展演，使經驗者進一步體悟自身的文化基因組成，並邀約臺灣藝文團體及學院學生參與檔案演繹，藉由討論當代藝術擴充的行為範疇，探索現代性與文化典範轉移等當代議題的歷史架構。

狄瑟涵現任比利時布魯塞爾ERG藝術與研究高等學院校長（ERG, Higher Art and Research Academy），曾任義大利波札諾Museion現當代美術館（2007 – 2008）、法國南特美術館（2003 – 2006）、馬賽博物館（1996 – 1999）館長暨首席策展人；於1993年擔任由大不列顛國家藝術委員會（Arts Council of the Great Britain）籌辦的泰恩國際雙年展（Tyne International）藝術總監，曾任2002年聖保羅雙年展（Biennale de Sao Paulo）阿爾巴尼亞與法國國家代表區策展人，曾策劃2009年阿爾巴尼亞地拉那國際當代藝術雙年展（T.I.C.A.B – Triana International Contemporary Art Biennial）；其策劃之丹•葛雷漢（Dan Graham）作品回顧展，獲荷蘭國際藝術評論協會（AICA：International Association of Art Critics）選為2001至2003年間最佳展覽。狄瑟涵擅長文獻詮釋思考，具豐富策展經歷，擇取多樣素材，其完整的學術、策展、藝術行政專長和宏觀視野，賦予其論述嚴謹的結構與有效的操作方法；其音像檔案研究與修復專長，對照於本次策展關照的當代性，靈活地展現出跨時代研究的能量。

台北雙年展回顧展 | 梳理變遷的脈絡

回應將近二十載的發展，北美館也將於2016年8月13日三樓迴廊規劃《台北雙年展回顧展》，展期將橫跨2016台北雙年展，在邁向二十年里程碑之際提出前瞻與回視。除了梳理歷屆議題，也將爬梳國際對話以及在地連結的雙軌脈絡。展覽藉由文獻、檔案、書信、攝影影像紀錄等檔案資料，以「閱讀」、「感知」雙系統，回顧自1996至2014年歷屆雙年展的策展主軸，呈現全球和區域文本發展脈絡，完善對於本屆台北雙年展承先啟後的期許。

北美館館長林平表示：「2016台北雙年展透過歷史意識，擔負臺北市立美術館對未來的期許。在館內空間部屬上，藉由水平、垂直等多層次向度的交織，結合客座主題展與館方回顧展，進一步串聯館內外資源，與臺灣藝術界分享雙年展的能量，重新思考美術館主辦的台北雙年展在時代變動中的角色與責任，於國際對話之外，活絡在地公眾、專業社群的參與，期待第十屆台北雙年展的嘗試，傳遞不一樣的訊息。」

via / 臺北市立美術館

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展