Bvlgari Maestro del Colore 彩寶藝術大師 頂級珠寶盛展

承襲2700年羅馬藝術與文化的BVLGARI寶格麗，揉合義大利美學精神出發，舉辦大型珠寶腕錶盛展，重現迷人的義式奢華生活風格。今年3月，寶格麗將以「Maestro del Colore 彩寶藝術大師」為主題，透過彩寶古董作品、頂級珠寶，Pre Basel全球首站的珠寶錶與複雜功能錶，引領眾人探索彩寶殿堂之奧，領略1960年代以來品牌於色彩運用上獨樹一幟且無與倫比的美學精神。

此次特別請來鍾愛寶格麗的時尚名媛孫芸芸出席活動，傾心且深諳寶格麗作品之美的她，將配戴多件古董珠寶，正像是近半個多世紀以來與寶格麗締結情緣的巨星名伶，珠寶不僅與她的倩影輝映，彰顯魅力，也完美重現義式美好生活的光影。

揮灑色彩的藝術大師
自創立於1884年起，寶格麗不斷於珠寶歷史中寫下令人難忘的篇章，為珠寶界帶來激勵人心的創新，也使品牌風格分外鮮明。今日，提起寶格麗珠寶，人們便會聯想到鮮豔炫麗的色彩、大器奢華的外型、完美的比例和精湛的做工，更必聞其「彩寶大師」的美稱。毫無疑問地，寶格麗珠寶最鮮明的特色正是那無人可及的精彩配色創意，色彩，宛如其靈魂，熱情體現了品牌的義式血統，是傳承經典同時也是大膽創新。

寶格麗將五彩繽紛的寶石並列的設計手法，始於 1950 年代末、成形於1960年代。60年代，正是走出二戰陰影、隨經濟繁榮也孕育文化思想自由奔放的年代。此時的寶格麗大膽拋開過去以巴黎為首的珠寶設計僵化「原則」，不再以少數幾種顏色的寶石與鑽石來設計所有珠寶，反而採取罕見的明亮配色方式，以突顯寶石的美感為主要目的。

之後無論是普普藝術風行、創意激盪的70年代；以及珠寶藝術結合時尚概念的1980及90年代，寶格麗持續展現其對彩色寶石的豐沛熱情，以深厚的羅馬藝術文化內涵，獨到的義式美學精神，以及與時俱進的靈活設計，發掘彩色寶石的無盡風華。為此，寶格麗專業珠寶採購人員必須不斷在全球各地市場蒐集珠寶，從紐約（New York） 到齋浦爾（Jaipur）、從可倫坡（Colombo）到日內瓦（Geneva），只為尋找最珍貴少見的彩色寶石。而所謂的珍罕，是指在寶石品質上的追求，並非侷限於貴族血統的紅藍綠寶。事實上，寶格麗打破了當時只有被視為貴重的鑽石、或是紅藍綠寶才能當主角的傳統，透過混搭、對比，或均衡對稱等排列方式，將彩色剛玉、乃至紫水晶、綠松石、青金石等相較起來非貴重的彩色寶石都廣納入設計。

翻開彩寶歷史扉頁，寶格麗在其中不僅是王，更像是藝術大師，以金工為筆、寶石為彩，在不同年代揮灑出令人讚嘆的絢爛美景。

一窺彩寶殿堂之奧
此次展出，除了鑑賞寶格麗具代表性的1960年代經典古董作品，以及當代頂級珠寶及珠寶腕錶的色彩藝術，彰顯彩寶之美的精緻車工與鑲嵌工藝，也是不容錯過的重點。

寶格麗就像是彩色寶石的伯樂，深諳突顯彩寶風華之道。除了大膽搶眼卻比例均衡的配色，寶格麗在還是追求讓寶石光澤張揚耀眼的年代，便大量運用Cabochon蛋面切割工藝，以此古老的寶石切割方式展現彩寶色澤的圓潤飽滿，讓炫目配色有著內斂節制的典雅。此外，寶格麗也常不惜耗工費料，選擇重切（recutting）寶石，只為了讓寶石擁有最恰當的切割，呈現最佳的設計表現。

據說，在羅馬，寶格麗有間神秘的寶石辦公室，辦公室中央的大桌上堆滿了各種寶石，有紅寶石、藍寶石、祖母綠，還有色彩絢麗的尖晶石、綠松石、玉髓、石榴石等，這間辦公室是寶格麗珠寶誕生之處，只有極少數的關鍵人物得以進入。透過此次「Maestro del Colore 彩寶藝術大師」頂級珠寶盛展，3月6號於台北101寶格麗精品店展至3月13號，高雄漢神巨蛋寶格麗精品店於3月10號聯合展出，眾人得以一窺寶格麗彩寶之奧。

時尚名媛化身絕代名伶
從古幣到Serpenti、從頂級珠寶到精緻皮件，時尚名媛孫芸芸一直以來都傾心於寶格麗的設計與義式魅力，因此對受邀出席「Maestro del Colore 彩寶藝術大師」頂級珠寶盛展，感到格外開心，不僅能近距離鑑賞寶格麗的彩色寶石配色鑲嵌工藝，同時也分別配戴1988年的古董珠寶套件作品，以及一件自然風格的古董胸針，宛如1950、60甜蜜年代的巨星名伶，珠寶美人相輝映。

孫芸芸配戴的1988年古董珠寶套件，包括項鍊、耳環以及手鍊，整套作品主要選用了粉紅碧璽、紫水晶及橄欖石，並以如編織般的線條刻意凸顯K金，對比又均衡協調的大膽配色，充分展現寶格麗義式珠寶精神。另一件1964年的Giardinetto古董胸針作品，是象徵上流社會不凡的品味，集結了紅寶石、藍寶石、祖母綠及鑽石，並能看到Cabochon蛋面切割的運用，寶格麗從大自然中汲取細膩情感與美麗景致的傳統也流露無疑，同時搭配藍寶戒指與耳環，是極為經典的當代之作

via / Bvlgari

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。