「創新是為了尋找原因和為什麼。」一窺英國設計鬼才Thomas Heatherwick創新設計靈感從何而來

Thomas Heatherwick 每一次創新都有它的理由!

「創新是為了尋找原因、尋找為什麼。」Thomas Heatherwick( 湯瑪士海澤維克) 說。這位英國鬼才, 從小小一張聖誕卡、至讓他享譽全世界的上海世博英國種子聖殿(UK Pavilion), 每一件設計皆有清楚提問、清楚目標。從一個小型工作室, 到拿下Google 加州總部的180 人工作團隊, 總是充滿活力的Heatherwick 坦言, 這絕然不在他的想像之中。除了創意之外, 他個性中的積極、開放、對於城市生活的深入關懷, 更是讓他逐步走向世界舞台的原因。

 

2016年3月初由臺北市立美術館及英國文化協會共同主辦的《新世代英倫創造─ 走進海澤維克工作室》熱烈開展, 展出一系列Heatherwick 各時期代表作及其創作過程,Heatherwick 也隨展再度來台。La Vie 此次抓緊他有限時間取得專訪, 與我們分享他的創作人生, 當然還有備受矚目與BIG 合作的Google Campus 一案的合作過程!

 

La Vie:Sir Terence Conran(後簡稱Conran)是你設計路上很重要的一位導師及夥伴。據說你們第一次對話就長達3小時,甚至還邀請你到他家住,我想那次對話必定讓他印象深刻。把握每一個機會,對新生代設計師或建築師都很重要,你當時談了些什麼,可否與我們分享?

Thomas Heatherwick(後簡稱Thomas):當我在英國皇家藝術學院(RCA)唸書時,不僅對於設計建築有興趣,更關注建造結構(build structure)。Conran在家具設計、食物、餐廳空間總是不斷創新,持續參與著英國美食文化的推動。身為Habitat創辦人的他關注創意、創意如何在現實環境中實踐、且關心設計如何讓大眾接近親近(accessblility),他了解大眾想要的是什麼,而這個「大眾親近性」是我一直很感興趣的。

 

當時我的學校教授說Conran太忙了,沒時間跟我談。但我在Conran為我們上完課後,找到機會在走廊攬下他,問他是否願意與我談五分鐘,他說你之後到我家來談吧!結果那天我們談了很久,我跟他提了幾個點子,其中一項是一座6米高L型的涼亭建築,由樺木層板相互卡榫組成。他說如果你需要空間,可以到鄉下來住我那,在那有很大的空間讓你實驗。當時我根本不相信,還寫了一封信問他,你是認真的嗎?他回說,對,我是認真的。這是這段友誼的開始。他非常大方地的支持我的畢業作品,並協助我成立實驗室。

 

La Vie:對於每個計畫,你總是不斷地問為什麼?為什麼要這樣做?為何不能有其他作法?「創新」對你而言始終是設計過程中重要的關鍵字,請舉一個重要例子與我們分享

Thomas 創新是為了尋找原因、尋找為什麼。(Innovative for reasons, for why)。目前工作室參與了許多與城市相關的議題,其中之一就是Garden Bridge。其實並不是我提出Garden Bridge的想法,而是15年前由女演員Joanna Lumley提出,但我相當認同其社會層面的思考。倫敦的橋樑目前都被汽車、巴士、計程車霸佔了,沒有人會將橋當作一處「場所」(place),沒有人會說我們約在滑鐵盧橋上見面吧!但其實你可以在橋上坐著與你的祖母聊天、橋樑可以是讓人停留的場所、同時是開放給所有人的公園,重新定義城市的橋樑這件事,讓我很興奮。

 

在過去1970~1980年期間,英國根本沒有變化,彷彿困住了,要到巴黎、巴賽隆納,才會看見未來的城市遺跡。我喜歡的是,當一個城市有獨特改變時,會促使其他城市跟著改變。只要城市不再互相模仿,找到自己的不同之處,城市才能更美麗,而Garden Bridge或許就是這樣的改變。

 

*註:Garden Bridg因昂貴的成本花費,已於2017年中被正式取消建設項目。

 

La Vie:新倫敦巴士的設計非常令人喜愛,此案兼顧價格實惠、節省能源,你是如何做到的?

Thomas 在進行各項設計時,我們會有各種參數,造價也是其中一環。此外節省約40%的能源消耗、容易維持車況等,也是重要條件,因此不僅是造價、更包括營運這台車的成本。我們為了確保公車容易清潔,甚至還去工廠參觀。但我們同時也向舊公車學習,如今公車為了符合各法規標準,往往忽略乘客感受。例如燈光,在公車上因為法規限制,必須運用螢光燈管,但這跟養雞場沒兩樣,你能想像一對情侶在養雞場的燈光下相戶凝視嗎(笑)?車體內要求對比色也是,這些限制,反而造成負面、不舒適的乘客體驗。

 

我們嘗試在符合法規的前提下,兼顧乘客感受。所以我們向老巴士學習,下層是深色地板,就算下雨充滿腳印泥濘也不顯髒亂;上層則是暖色系,讓乘客感覺溫暖。這是很令人興奮的計畫,因為人們每天其實花了許多時間在交通工具上,也充滿了公共性。

 

La Vie:在Google加州總部一案中,你們與BIG一起合作,雙方如何發展設計概念?兩個工作室的設計方法是否有所不同?

Thomas 我們每天花許多時間討論,一起尋找正確答案。我們不把這個案子當作只是自己工作室的案子,而是「一起完成」的案子,我跟Bjarke Ingels工作的方式就像是一家公司。此外,設計方法的不同也是必要的,因為不同,合作才會有趣,討論才會有火花。但我們在討論時,也不會想是誰做的研究,而是從討論中尋找是否有合適材料、元素,讓我們產生好設計。

 

Thomas Heatherwick

湯瑪斯‧ 海澤維克(Thomas Heatherwick),知名英國設計大師。他在過去20多年完成許多跨界的設計創作,以其創新和原創性著稱。他總能以其創意思路挑戰原設計流程的每個細節,目前承接來自四大洲不同地區的設計項目,總值超過20億英鎊。工作室代表作:2010年上海世界博覽會英國館、2012倫敦奧運會火炬塔,以及新倫敦巴士。

 

 

Text/彭永翔

Photo/汪德範、Iwan Baan、Steve Speller

圖片提供/臺北市立美術館、MOT CASA、ARUP

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年4月號

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走上國際時尚伸展台,不忘畫家夢

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壓克力顏料和亞麻布,是張紘齊最常用的創作媒材,他用畫筆、調色刀作畫,偶爾也靠手指,用與材料近距離、甚至是零距離的方式,畫出自己遊走於多元文化的探險,傳達被遺忘的情感和觀點。

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2022年夏天,張紘齊為畫作帶入了靈魂角色「手指人」,他性別流動,擁有指尖般的容顏,長了三隻手指和腳趾,總是穿梭於不同的場景,承載著創作者的情緒和感受。而畫中以紅、黃、藍及二次色描繪的場景,多半源自張紘齊的日常生活,可能是一次有意義的邂逅、可能是一場難忘的夢。

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不過話說回來,張紘齊口中「被遺忘」的情感和觀點,指的到底是什麼?在旅行的過程中,張紘齊發現,「繪畫的觸覺體驗,常常被文化教育、流行趨勢掩蓋,限制了最純粹的感受。」面對這些被掩蓋、遺忘的感知,他不斷調整心態,也試驗直接以手指作畫的方式,試圖讓繪畫回歸最純粹的狀態,也讓作畫的「體感」極致真實。

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張紘齊個展登陸奇想會

張紘齊將於台北藝廊奇想會舉辦個展HAND IN HAND - REALM OF PURE LOVE》,透過畫作、捲軸、短篇動畫等不同媒材,詮釋「手指人」的內心情景,及自身的生活故事。

現場作品分為3大系列:「人生的七味粉」匯聚了張紘齊過去十幾年來的生活回憶,以乘載不同觀點的7種畫面表現;「17個階段」透過色彩彰顯遇到各種人、事、物所產生的心情變換;「起源」則聚集了我們身在現實世界,或不曾在意、或錯過的愛和感知。

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張紘齊個展《HAND IN HAND - REALM OF PURE LOVE

展覽期間|2024.06.28 07.14

時間|13:0020:00(週二公休)

地點|奇想會(台北市大安區安和路一段217號)

門票|入場費為低消飲品一杯

50歲拋下25年廣告生涯,決定當藝術家!François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂

如果你看展不愛高深的論述、謎般的作品理念,只想純粹跟著色彩、線條、空間氛圍感受心緒的流動,那François Bonnel(弗朗索瓦・邦內爾)就是你在找的藝術家!

曾從事廣告業25年,50歲的François Bonnel毅然決然拋開熟悉的工作和生活模式,轉作一名藝術家。他把熱愛的音樂、藝術結合,作畫時讓耳邊的靈魂樂、藍調搖滾、民謠……貼合著畫中一切元素的脈動,用單純而直率的曲線、不對稱圖形、明亮色彩創造質樸畫面。看著Bonnel的畫,眼睛像是吃了冰淇淋,心情也不自覺跟著好了起來。想要感受這股魔力,不妨走進他在台灣的第一場個展《會唱歌的畫》領會。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

50歲拋開穩定的廣告工作,當一名藝術家

出身法國的François Bonnel,有位擔任繪畫老師的藝術家媽媽,從小帶著他用手指沾著顏料隨意畫出線條、形狀,培養對藝術的喜好。聽到這裡,你或許會以為Bonnel順應著家庭環境的薰陶,讀美術專科,20幾歲就決定踏上藝術家之路。故事不是這樣發展的。正是因為媽媽從事藝術,Bonnel更懂得成為一名藝術家所需的天賦、機運和過程中的難處,於是他輕輕放下藝術之路,大學畢業後從事廣告業將近25年。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

沒想到,2020年一場席捲全球的大疫,成了Bonnel生命的轉捩點。他本就厭倦日復一日的生活,又正好遇上疫情作為改變的契機,在50歲那年他決定揮別廣告生涯,嘗試做一名藝術家。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

毫無包袱,自由實驗媒材、技巧的可能

現居於法國圖魯茲(Toulouse)的Bonnel,日日沈浸於這座玫瑰色古城的藝術氛圍,以即興的方式、融合音樂性發展創作,過程中也不斷探索數位媒體、攝影、拼貼等技巧與媒材。

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(圖片提供:Bluerider ART)

成為藝術家對Bonnel來說像是一場解放。多虧人生上半場的辛勤努力,50代的他沒什麼現實包袱、更有餘裕全心投入藝術。正是這份餘裕,為Bonnel的繪畫注入純真、活潑、令人毫無負擔的生命力;光是看著,就不自覺被感染。

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(圖片提供:Bluerider ART)

將音樂轉化為畫作,各個方向看都和諧

Bonnel來說,音樂是日常的必需品、繪畫的養分,他說:「一幅畫作必須與周圍的環境和諧,就像香水或音樂。」於是他聽著各個年代、各種曲風的音樂作畫,用色彩、線條、形狀和構圖,呼應著音符、和弦、旋律與編曲架構;並在構圖時反覆轉動畫布,讓畫作不管從各個角度、方向看,比例都是和諧的,且能看出不同趣味。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

以下面這幅〈A Love International〉為例子,它正看像是一顆顆乒乓球在碗中跳躍;側看像是大大小小的香草冰淇淋灑落一地;倒過來看又像是忘了關的蓮蓬頭,水滴滴答答地落下。

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(圖片提供:Bluerider ART)

幫畫作取名的巧思

說到把音樂融入畫中,Bonnel還有個習慣——用作畫當下正在聽的音樂曲目,為畫作命名,讓畫成為生活的有聲切片。這習慣也被帶到《會唱歌的畫》現場,看展時歡迎到臨窗小桌點播歌曲、為展場變換音樂,從François Bonnel專屬歌單找到與畫共鳴的聲音,跨越時空重回藝術家創作的時刻。

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(圖片提供:Bluerider ART)

自私的藝術家

François Bonnel笑說自己是位「自私的藝術家」,創作只為了開心,沒有要講什麼大道理,「繪畫是一種純粹的樂趣,並非為了傳達訊息或哲學,而是簡單沉浸於其中。」這份單純的起心動念,正是讓他的畫作如南法陽光烘乾枕頭般愜意、舒適的秘方。

法國藝術家François Bonnel將音樂轉化為畫,以質樸風格渲染快樂
(圖片提供:Bluerider ART)

弗朗索瓦・邦內爾 François Bonnel 在台首個展《會唱歌的畫》

展期|-2024.06.30

地點|Bluerider ART 台北.敦仁(台北市大安區大安路一段101巷10號1F)

營業時間|週二至週日 10:00-19:00