「創新是為了尋找原因和為什麼。」一窺英國設計鬼才Thomas Heatherwick創新設計靈感從何而來

Thomas Heatherwick 每一次創新都有它的理由!

「創新是為了尋找原因、尋找為什麼。」Thomas Heatherwick( 湯瑪士海澤維克) 說。這位英國鬼才, 從小小一張聖誕卡、至讓他享譽全世界的上海世博英國種子聖殿(UK Pavilion), 每一件設計皆有清楚提問、清楚目標。從一個小型工作室, 到拿下Google 加州總部的180 人工作團隊, 總是充滿活力的Heatherwick 坦言, 這絕然不在他的想像之中。除了創意之外, 他個性中的積極、開放、對於城市生活的深入關懷, 更是讓他逐步走向世界舞台的原因。

 

2016年3月初由臺北市立美術館及英國文化協會共同主辦的《新世代英倫創造─ 走進海澤維克工作室》熱烈開展, 展出一系列Heatherwick 各時期代表作及其創作過程,Heatherwick 也隨展再度來台。La Vie 此次抓緊他有限時間取得專訪, 與我們分享他的創作人生, 當然還有備受矚目與BIG 合作的Google Campus 一案的合作過程!

 

La Vie:Sir Terence Conran(後簡稱Conran)是你設計路上很重要的一位導師及夥伴。據說你們第一次對話就長達3小時,甚至還邀請你到他家住,我想那次對話必定讓他印象深刻。把握每一個機會,對新生代設計師或建築師都很重要,你當時談了些什麼,可否與我們分享?

Thomas Heatherwick(後簡稱Thomas):當我在英國皇家藝術學院(RCA)唸書時,不僅對於設計建築有興趣,更關注建造結構(build structure)。Conran在家具設計、食物、餐廳空間總是不斷創新,持續參與著英國美食文化的推動。身為Habitat創辦人的他關注創意、創意如何在現實環境中實踐、且關心設計如何讓大眾接近親近(accessblility),他了解大眾想要的是什麼,而這個「大眾親近性」是我一直很感興趣的。

 

當時我的學校教授說Conran太忙了,沒時間跟我談。但我在Conran為我們上完課後,找到機會在走廊攬下他,問他是否願意與我談五分鐘,他說你之後到我家來談吧!結果那天我們談了很久,我跟他提了幾個點子,其中一項是一座6米高L型的涼亭建築,由樺木層板相互卡榫組成。他說如果你需要空間,可以到鄉下來住我那,在那有很大的空間讓你實驗。當時我根本不相信,還寫了一封信問他,你是認真的嗎?他回說,對,我是認真的。這是這段友誼的開始。他非常大方地的支持我的畢業作品,並協助我成立實驗室。

 

La Vie:對於每個計畫,你總是不斷地問為什麼?為什麼要這樣做?為何不能有其他作法?「創新」對你而言始終是設計過程中重要的關鍵字,請舉一個重要例子與我們分享

Thomas 創新是為了尋找原因、尋找為什麼。(Innovative for reasons, for why)。目前工作室參與了許多與城市相關的議題,其中之一就是Garden Bridge。其實並不是我提出Garden Bridge的想法,而是15年前由女演員Joanna Lumley提出,但我相當認同其社會層面的思考。倫敦的橋樑目前都被汽車、巴士、計程車霸佔了,沒有人會將橋當作一處「場所」(place),沒有人會說我們約在滑鐵盧橋上見面吧!但其實你可以在橋上坐著與你的祖母聊天、橋樑可以是讓人停留的場所、同時是開放給所有人的公園,重新定義城市的橋樑這件事,讓我很興奮。

 

在過去1970~1980年期間,英國根本沒有變化,彷彿困住了,要到巴黎、巴賽隆納,才會看見未來的城市遺跡。我喜歡的是,當一個城市有獨特改變時,會促使其他城市跟著改變。只要城市不再互相模仿,找到自己的不同之處,城市才能更美麗,而Garden Bridge或許就是這樣的改變。

 

*註:Garden Bridg因昂貴的成本花費,已於2017年中被正式取消建設項目。

 

La Vie:新倫敦巴士的設計非常令人喜愛,此案兼顧價格實惠、節省能源,你是如何做到的?

Thomas 在進行各項設計時,我們會有各種參數,造價也是其中一環。此外節省約40%的能源消耗、容易維持車況等,也是重要條件,因此不僅是造價、更包括營運這台車的成本。我們為了確保公車容易清潔,甚至還去工廠參觀。但我們同時也向舊公車學習,如今公車為了符合各法規標準,往往忽略乘客感受。例如燈光,在公車上因為法規限制,必須運用螢光燈管,但這跟養雞場沒兩樣,你能想像一對情侶在養雞場的燈光下相戶凝視嗎(笑)?車體內要求對比色也是,這些限制,反而造成負面、不舒適的乘客體驗。

 

我們嘗試在符合法規的前提下,兼顧乘客感受。所以我們向老巴士學習,下層是深色地板,就算下雨充滿腳印泥濘也不顯髒亂;上層則是暖色系,讓乘客感覺溫暖。這是很令人興奮的計畫,因為人們每天其實花了許多時間在交通工具上,也充滿了公共性。

 

La Vie:在Google加州總部一案中,你們與BIG一起合作,雙方如何發展設計概念?兩個工作室的設計方法是否有所不同?

Thomas 我們每天花許多時間討論,一起尋找正確答案。我們不把這個案子當作只是自己工作室的案子,而是「一起完成」的案子,我跟Bjarke Ingels工作的方式就像是一家公司。此外,設計方法的不同也是必要的,因為不同,合作才會有趣,討論才會有火花。但我們在討論時,也不會想是誰做的研究,而是從討論中尋找是否有合適材料、元素,讓我們產生好設計。

 

Thomas Heatherwick

湯瑪斯‧ 海澤維克(Thomas Heatherwick),知名英國設計大師。他在過去20多年完成許多跨界的設計創作,以其創新和原創性著稱。他總能以其創意思路挑戰原設計流程的每個細節,目前承接來自四大洲不同地區的設計項目,總值超過20億英鎊。工作室代表作:2010年上海世界博覽會英國館、2012倫敦奧運會火炬塔,以及新倫敦巴士。

 

 

Text/彭永翔

Photo/汪德範、Iwan Baan、Steve Speller

圖片提供/臺北市立美術館、MOT CASA、ARUP

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年4月號

延伸閱讀

RECOMMEND

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

延伸閱讀

RECOMMEND

讓自我如幻夢般流動!Ana Karkar個展《Pipe Dream》登台:以變形女體,挑戰對情色和親密的既定想像

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊(Galerie Marguo)攜手合作,推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡(Ana Karkar)在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識,幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中,她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世,情緒張力飽滿,洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力,帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境,穿越現實與幻想的邊界。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

狂想般的視覺語言,包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分,引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識,像是種反叛,挑戰人們對情色與親密的既定想像;也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界,而是如花般層層綻放,在關係中不斷展開、變形與再生。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)