「創新是為了尋找原因、尋找為什麼。」Thomas Heatherwick（ 湯瑪士海澤維克） 說。這位英國鬼才， 從小小一張聖誕卡、至讓他享譽全世界的上海世博英國種子聖殿（UK Pavilion）， 每一件設計皆有清楚提問、清楚目標。從一個小型工作室， 到拿下Google 加州總部的180 人工作團隊， 總是充滿活力的Heatherwick 坦言， 這絕然不在他的想像之中。除了創意之外， 他個性中的積極、開放、對於城市生活的深入關懷， 更是讓他逐步走向世界舞台的原因。

2016年3月初由臺北市立美術館及英國文化協會共同主辦的《新世代英倫創造─ 走進海澤維克工作室》熱烈開展， 展出一系列Heatherwick 各時期代表作及其創作過程，Heatherwick 也隨展再度來台。La Vie 此次抓緊他有限時間取得專訪， 與我們分享他的創作人生， 當然還有備受矚目與BIG 合作的Google Campus 一案的合作過程！

La Vie：Sir Terence Conran（後簡稱Conran）是你設計路上很重要的一位導師及夥伴。據說你們第一次對話就長達3小時，甚至還邀請你到他家住，我想那次對話必定讓他印象深刻。把握每一個機會，對新生代設計師或建築師都很重要，你當時談了些什麼，可否與我們分享？

Thomas Heatherwick（後簡稱Thomas）：當我在英國皇家藝術學院（RCA）唸書時，不僅對於設計建築有興趣，更關注建造結構（build structure）。Conran在家具設計、食物、餐廳空間總是不斷創新，持續參與著英國美食文化的推動。身為Habitat創辦人的他關注創意、創意如何在現實環境中實踐、且關心設計如何讓大眾接近親近（accessblility），他了解大眾想要的是什麼，而這個「大眾親近性」是我一直很感興趣的。

當時我的學校教授說Conran太忙了，沒時間跟我談。但我在Conran為我們上完課後，找到機會在走廊攬下他，問他是否願意與我談五分鐘，他說你之後到我家來談吧！結果那天我們談了很久，我跟他提了幾個點子，其中一項是一座6米高L型的涼亭建築，由樺木層板相互卡榫組成。他說如果你需要空間，可以到鄉下來住我那，在那有很大的空間讓你實驗。當時我根本不相信，還寫了一封信問他，你是認真的嗎？他回說，對，我是認真的。這是這段友誼的開始。他非常大方地的支持我的畢業作品，並協助我成立實驗室。

La Vie：對於每個計畫，你總是不斷地問為什麼？為什麼要這樣做？為何不能有其他作法？「創新」對你而言始終是設計過程中重要的關鍵字，請舉一個重要例子與我們分享。

Thomas： 創新是為了尋找原因、尋找為什麼。（Innovative for reasons, for why）。目前工作室參與了許多與城市相關的議題，其中之一就是Garden Bridge。其實並不是我提出Garden Bridge的想法，而是15年前由女演員Joanna Lumley提出，但我相當認同其社會層面的思考。倫敦的橋樑目前都被汽車、巴士、計程車霸佔了，沒有人會將橋當作一處「場所」（place），沒有人會說我們約在滑鐵盧橋上見面吧！但其實你可以在橋上坐著與你的祖母聊天、橋樑可以是讓人停留的場所、同時是開放給所有人的公園，重新定義城市的橋樑這件事，讓我很興奮。

在過去1970~1980年期間，英國根本沒有變化，彷彿困住了，要到巴黎、巴賽隆納，才會看見未來的城市遺跡。我喜歡的是，當一個城市有獨特改變時，會促使其他城市跟著改變。只要城市不再互相模仿，找到自己的不同之處，城市才能更美麗，而Garden Bridge或許就是這樣的改變。

*註：Garden Bridg因昂貴的成本花費，已於2017年中被正式取消建設項目。

La Vie：新倫敦巴士的設計非常令人喜愛，此案兼顧價格實惠、節省能源，你是如何做到的？

Thomas： 在進行各項設計時，我們會有各種參數，造價也是其中一環。此外節省約40%的能源消耗、容易維持車況等，也是重要條件，因此不僅是造價、更包括營運這台車的成本。我們為了確保公車容易清潔，甚至還去工廠參觀。但我們同時也向舊公車學習，如今公車為了符合各法規標準，往往忽略乘客感受。例如燈光，在公車上因為法規限制，必須運用螢光燈管，但這跟養雞場沒兩樣，你能想像一對情侶在養雞場的燈光下相戶凝視嗎（笑）？車體內要求對比色也是，這些限制，反而造成負面、不舒適的乘客體驗。

我們嘗試在符合法規的前提下，兼顧乘客感受。所以我們向老巴士學習，下層是深色地板，就算下雨充滿腳印泥濘也不顯髒亂；上層則是暖色系，讓乘客感覺溫暖。這是很令人興奮的計畫，因為人們每天其實花了許多時間在交通工具上，也充滿了公共性。

La Vie：在Google加州總部一案中，你們與BIG一起合作，雙方如何發展設計概念？兩個工作室的設計方法是否有所不同？

Thomas： 我們每天花許多時間討論，一起尋找正確答案。我們不把這個案子當作只是自己工作室的案子，而是「一起完成」的案子，我跟Bjarke Ingels工作的方式就像是一家公司。此外，設計方法的不同也是必要的，因為不同，合作才會有趣，討論才會有火花。但我們在討論時，也不會想是誰做的研究，而是從討論中尋找是否有合適材料、元素，讓我們產生好設計。

Thomas Heatherwick

湯瑪斯‧ 海澤維克（Thomas Heatherwick），知名英國設計大師。他在過去20多年完成許多跨界的設計創作，以其創新和原創性著稱。他總能以其創意思路挑戰原設計流程的每個細節，目前承接來自四大洲不同地區的設計項目，總值超過20億英鎊。工作室代表作：2010年上海世界博覽會英國館、2012倫敦奧運會火炬塔，以及新倫敦巴士。

Text／彭永翔

Photo／汪德範、Iwan Baan、Steve Speller

圖片提供／臺北市立美術館、MOT CASA、ARUP

【更多完整專訪內容請見《LaVie》2016年4月號】

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group