2021被包裹的凱旋門！盤點藝術家Christo and Jeanne-Claude遍佈全球的8件地景藝術

藝術家克里斯多和珍妮克勞德（Christo and Jeanne-Claude）夫妻，擅長適用「包裹」手法，在世界各地創造令人驚嘆的地景藝術，2009年Jeanne-Claude離世， Christo則在2020年5月31日逝世，享年 84 歲。為了完成Christo生前未完成作品，2021年9月18日至10月3日，在法國香榭麗舍大道盡頭的凱旋門「被包裹的凱旋門」（The Arc de Triomphe, Wapped）地景藝術，正式對外公開，凱旋門將暫時被消失16天。

關於Christo and Jeanne-Claude的創作

擅長打造環境藝術、地景藝術的Christo 年輕時便開始接受藝術教育，1958年時在法國與Jeanne-Claude相遇後，兩人便開始攜手共同創作，即使後來定居於美國，仍舊創作不斷。他們的「包裹」創作方式，彷彿是替世界美麗地景穿上特色衣裳，無所不包的創作特色，從澳洲海岸線、巴黎新橋 、德國國會大廈，到佛羅里達州小島等都都是他們揮灑創意的好所在。

夫妻倆作品遍布世界，雪梨、日本、巴黎、羅馬，他們所包覆的是世界的美景，綑綁的是人們想要窺探的心，這些包覆就像是包裝一般，希望能刺激人們想要一探究竟的好奇心，而這些被包覆的物件，有時反而因為被隱藏了細節，而顯現了最基本的本質樣貌。

8件Christo and Jeanne-Claude的包裹作品

1. 包裹巴黎新橋《The Pont Neuf Wrapped》 。 

Christo 和 Jeanne-Claude兩人以充滿張力地景藝術聞名，過去曾以金色的帆布，將巴黎歷史悠久的新橋（Pont Neuf）橋下12個拱柱和橋上44盞燈包裹起來，完成《The Pont Neuf Wrapped》 。

2. 《包覆澳洲》（Wrapped Coast, Australia）

1969年時的創作《包覆澳洲》（Wrapped Coast, Australia），將大面積布料橫亙澳洲海岸，讓海岸線呈現出一種超現實氛圍。

3. 邁阿密被包圍的島嶼《Surrounded Islands》 

1980年開始創作，1983年完成的《Surrounded Islands》使用了60萬立方公尺的粉紅色布料，將邁阿密的11座島嶼環繞，呈現驚人的「粉紅色海洋」景致。

4. 被包裹的德國國會大廈《Wrapped Reichstag, Berlin》

作品中，最廣為人知也轟動世界的便是歷時23年周旋才得以進行完成的《Wrapped Reichstag, Berlin》，夫妻倆早在1971年便提出將德國國會大廈進行溫柔包裝的想法，然而這項大膽提議不僅考驗公部門傳統思維，更是讓許多德國民眾嗤之以鼻，為此他們花了長達20多年策劃，終成功達成用10萬平方公尺的銀色織布包起德國國會大廈的願望。

縱使過程中不斷被拒絕，但他們在每一次挫敗便學習到關於此地景創作的不足缺失，並了解到這幢百年歷史對德國人的重要意義，而之中的斡旋談辦與挫折感，皆成了造就此舉世盛名地景的幕後能量。

5. 紐約《The Gates》 

位於紐約中央公園的裝置作品《The Gates》在全長37公里的步道兩側，裝上7500對鋼座，架起同樣數量的橘紅色門框，並鋪上達9.2萬平方公尺的橘色尼龍布料，讓公園呈現一種難以言喻卻又帶著神聖儀式的氣息。

6. 義大利漂浮碼頭《The Floating Piers》

2016年在義大利世外桃源伊塞奧湖（Lake Iseo）上驚現一條鮮黃色水上廊道《The Floating Piers》。

7. 倫敦《The London Mastaba》

2018年在倫敦登場的《The London Mastaba》，由7506個堆疊桶子組成，看似3D趣味圖像的裝置由高密度聚乙烯（HDPE）管製成，並搭配鷹架及鋼骨，形塑出漂浮於海面上的奇特效果。

 

 

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Christo and Jeanne-Claude（@christojeanneclaude）分享的貼文 於 PST 2018 年 12月 月 2 日 上午 10:37 張貼

8. 生前未完成，巴黎包裹凱旋門「 L’Arc de Triomphe Wrapped」 

Christo 和 Jeanne-Claude 兩人攜手創作的，除了這些藝術作品，還有兩人密不可分的人生，同年同月同日生讓他們的相遇顯得更添浪漫，半世紀以來共同書寫了完美扉頁，而2009年Jeanne-Claude 逝世後，Christo 持續完成包裹創作旅程，像是今年他本預計將巴黎凱旋門（Arc de Triomphe） 包覆，將這個早萌生的怪誕想法付諸實現，可COVID-19疫情前來攪局，打亂了一切排程，而隨著Christo於近日辭世，讓這項未完成的創作罩上遺憾，然而這項預計用2.5萬平方公尺銀藍色再生織物和7000公尺長紅繩的包裹計畫「 L’Arc de Triomphe Wrapped」 (Project for Paris, Place de l’Etoile-Charles de Gaulle)，則將繼續由團隊完成，除了要延續Christo的美麗遺願，更像是送給這位當代地景藝術大師最棒的告別禮物。

和其他作品一樣，包裝凱旋門資金來源將全數由 Christo 出售他的籌備研究、繪畫、拼貼以及比例模型、1950 和 60 年代的作品，以及其他原創作品的所得支應，不收受公共或民間資金。

對於大師與世長辭，Christo 工作室表示：「Christo 充分活出精采人生，更完成了許多看似不可能的藝術夢想，他和 Jeanne-Claude的作品跨越邊界，帶給全世界人們相同的震撼，而這些創作將永遠深植於我們的內心和記憶中。」

Christo and Jeanne-Claude

同年同月同日生於1935年6月13日，克里斯托（Christo）生於保加利亞，珍妮克勞德（Jeanne-Claude）生於摩洛哥，1958年在巴黎相遇，墮入愛河，並開始共同創作。

Text / Irene Hsu、Ian Liu

via / Christo and Jeanne-Claude

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23