觀看世界的設計眼光！21_21 DESIGN SIGHT

創立於2007 年的21_21 DESIGN SIGHT，在短短不到十年間，以其取材於生活及社會的設計觀察力，迅速躍升為日本、甚至是全球設計界矚目的焦點！沒有館藏、著重創新策展力、以向國際發聲的日本設計觀點為核心，21_21 DESIGN SIGHT 代表的不僅是日本設計界邁向設計博物館的企圖心，更是一種21 世紀「以設計博覽世界」的嶄新思維！

關於21_21 DESIGN SIGHT（後稱21_21）的誕生，其實要從1988 年談起，當時三宅一生與安藤忠雄在雕刻家野口勇於紐約的個展時，三人首度討論到日本需要一間設計博物館的想法。而在2002年，因著平面設計大師田中一光的驟逝，三宅於2003 年在朝日新聞報上發表了社論〈來做吧! 設計博物館〉（造ろうデザインミュージアム）闡述設立日本設計博物館的必要性。不僅引起廣泛討論及重視，也獲得了三井不動產的認同，於是搭配東京中城都市計畫，催生了21_21 的設立。

整體營運由財團法人三宅一生設計文化財團（三宅一生デザイン文化財團 ) 統籌，三宅一生、深澤直人、佐藤卓出任總監，加上記者出身的副總監川上典李子四人共同規劃策展方向。建築設計由安藤忠雄操刀，呼應三宅一生以「一塊布」完成一套服裝的概念，同時也象徵著無論任何年紀或人種，都能被一塊布包覆，而在21_21 獲得全新眼光的意涵。

生活與社會中無處不是設計，是21_21的發想基礎，除了設計大師的展覽之外，《水》、《巧克力》、《米》、《雜貨》、《土木》等許多取材自生活周遭的展覽都叫好叫座，廣義的解釋並探究設計的各種可能。採用互動式展示、舉辦座談會和工作坊（workshop），讓男女老幼都能體會設計帶來的愉悅。2007年開館以來，參訪人數已經累計超過140 萬人次！

甫於台北松山文創園區結束的《單位展》，以設計的角度切入生活觀察，讓習以為常的細節和不曾注意到的規則瞬間充滿趣味，這正是21_21 獨一無二的特色與魅力。這次La Vie 也特別專訪到21_21 DESIGN SIGHT 副總監川上典李子，深入分享那些造就21_21 獨特之處的思維與幕後運作過程！

Q&A / 專訪 

21_21 DESIGN SIGHT 副總監 川上典李子

Ｑ１．請和大家介紹一下 21_21 DESIGN SIGHT 吧！

設計，是和我們的生活不可切割，與所有社會上發生的一切息息相關的活動。21_21 DESIGN SIGHT（ 以下簡稱21_21）一直以這樣的信念企劃各種展覽活動。我們的目標是──成為一個能激發人們思考設計扮演的角色及可能性，進而探討設計和生活及未來社會之間關係的場所。

Ｑ２．21_21 與其他設計博物館相比，有哪些基本的共同點？又有哪些獨特之處？

我們一直以來的企劃模式，是以像是「水」、「單位」、「雜貨」、「土木」等這類與生活息息相關的領域為題材，從設計的角度重新檢視日常生活，透過展覽的形式呈現出來。雖然研究內容最後是統合在一個展覽裡，但這些展覽絕不只是一個完結的終點。做為一個讓人們持續腦力激盪的場域，我們藉由座談會、工作坊（workshop）等各種活動，邀請更多的人一起探討由展覽衍生出的相關題材和課題。
 

記得在籌備階段時，曾和三宅先生、佐藤先生、深澤先生談到：「希望企劃一個讓觀眾們在離開21_21 後，能對周遭事物的看法煥然一新的展覽」。看完《水》展後對水產生了興趣，或是感覺到水龍頭流出的水滴看起來好像有點不一樣⋯⋯這種程度的改變。
 

我想21_21 最大的特色，是三位總監和我擁有的共識：從廣義的面向來解釋「設計」。近年來有這樣認知的設計博物館漸漸增加，而21_21 從2007 年開館以來就一直是如此。

Ｑ３．21_21 的策展主軸是什麼呢？

著眼於設計與社會的關係，廣泛採用各種題材。從設計的觀點重新檢視日常生活、社會上發生的事件及機制並傳達給大眾，不僅止於設計相關人士，規劃的內容要讓各行各業的觀眾都能有所「感受」，並讓日本向世界發聲。設計是讓我們獲得驚喜及建構生活的要件，設計是各種不同領域間的橋梁（異文化間的連結）。

Ｑ４．請和我們分享３個最能代表 21_21 的展覽！

每個展覽都有它的獨特性，實在很難篩選出「代表性的展覽」，所以先以「別具特色的展覽」來和大家分享。

《 Design Ah! 》，創下了20 萬參觀人次的最高紀錄，展覽期間入口大廳被大量的嬰兒車占據，非常壯觀！我想是因為親子、或各年齡層的人都可以樂在其中，同時接觸到設計重要本質的關係。即使是以小朋友為主要對象的「設計教育」展，「大人們同樣是卯足全力準備規劃，呈現到小朋友們面前」的態度，是本展總監策展人佐藤卓和21_21 所秉持的核心精神。在企劃會議的時候，我們希望這個展覽是可以讓小朋友們沒有拘束地去做一些平常在美術館裡被限制的舉動，像是發出聲音、進行互動、或是跑跑跳跳等。很高興我們如願達成了這個期望。

建築師法蘭克．蓋瑞（Frank Owen Gehry）展《 I Have an Idea 》創下了日本國內建築展中少見的7 萬人次的來場人數。除了介紹蓋瑞身為建築師的精彩案例和個人特質之外，展覽構成上著重於如何讓建築業界人士之外的觀者也能感到興趣。介紹建築師的工作內容的同時，在展示上也提到了我們該如何發揮日常生活中蘊生出的創造性。也有小學生來進行校外教學，是很令人欣喜的迴響。

九月底剛結束的《土木展》也是一個「很21_21」的展覽。土木（業）平常不太會被注意到，但卻是支撐社會發展的重要基礎。在以各種角度介紹土木（業）的同時，也提及了構築社會根基的土木業相關人員的存在。不要忘記「人」存在的本質及創造具備的強大力量，也是 21_21 開館至今一直秉持的信念。

Text / 高綺韓

訪問 / 方敘潔

Photo / 21_21 DESIGN SIGHT

#本文內容出自《 Lavie 》雜誌10月號

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23