「藝術家」、「作品」、「看展人」都是作品,台北新藝術博覽會展出藝術初心

不忘初心回歸初衷,台北新藝術博覽會展出藝術家

「藝術不僅是文化,更是教育推廣,絕對不能只侷限在商業利益。」有別於全球藝博會以畫廊為主,台北新藝術博覽會(Art Revolution Taipei)打破慣例,首創「以藝術家為核心」策展的全新概念,讓藝術家成為主角,展場配置、設計都以藝術家及其作品為中心,每一展位就是一位藝術家個展,已成為亞洲國際藝術展會新指標

 

嚴選作品  建立「絕對品牌」

自從2011年首屆展會藝術家成交率89.66%,便一鳴驚人。2014年更以93.21%藝術家成交率,打破全球藝博會紀錄!2015年大會以「鐵血策略」不折扣,破除巿場「抬高價格再讓藏家殺價」陋習,獲得藝術家與買家支持。台北新藝術博覽會不只成為國際藝術家與台灣的交流平台,更是向世界證明自己的新舞台!

 

藝術總監李善單教授將整個藝博會視為一件藝術品,從參展的藝術家與其作品,甚至前來觀展的每一位愛藝者都參與了這件「龐大的藝術品」創作。主辦單位除了評選嚴格,堅持每屆汰換新血,以高達六成的名額,讓更多具有創意與潛力的新秀參展。此外,藝術總監去年大膽挑戰,提出開放「預購」藝術家2017年最新創作系列的想法,也得到不少藏家熱烈支持。藏家在未看到畫作即搶先收藏。

 

藝術家齊聚 發現「初心」

大會每年都會以不同主題,展現博覽會新風貌。今年主題為「初心~從第一幅作品開始」,讓參觀者跟隨藝術家創作的「初心」開始,體驗一場美好的藝術旅程。本屆嚴選來自全球63國360位藝術家,展出作品高達3,000件,藝術形式豐富、媒材多元,且各具地方特色及文化內涵,一次呈現當代藝術的不同面向。

 

九大展區 國際藝薈

藝術總監李善單精心策畫,規畫出多元且各具創意的九大展區: 

大會策展區  A.R.T. Curatorial

國際當代藝術  International Contemporary Art  

紐約當代藝術基金  New York Contemporary Art Fund

國際藝術家沙龍大展  International Artist Salon

中國當代藝術  China Contemporary Art 

台灣當代藝術  Taiwan Contemporary Art

2017 國際藝術家大獎賽 2017 International Artist Grand Prize Competition

文創藝術 Art and Design藝出慈悲 Art Your Compassion 

 

大會策展區  A.R.T. Curatorial

本屆展覽主題為「初心~從第一幅作品開始」,為呼應主題,藝術總監李善單以「心」為元素,創作本屆「大會精神主題」裝置藝術,每顆獨一無二的心,代表每位藝術家展開創作生涯的初衷與熱情。此外,更結合本屆所有參展藝術家的第一幅作品或足以表達藝術生涯初心的創作呈現,讓參觀者透過作品了解藝術家的藝術風格發展。

 

國際當代藝術  International Contemporary Art

邀集全球各地藝術家呈現世界各國當代藝術,展現多元文化與藝術風格,促進台灣與國際藝術界間之對話。Alexander Oligerov獲俄羅斯國家藝術科學院院士銀牌,其畫作用色明快、大膽,藏家遍及全球;Alfonso Cuñado作品層次豐富,廣受藏家喜愛;Zofia Pałucha (ZOZO)出身藝術世家,創作帶有插畫的元素,風格鮮明且極具現代感;來自印度的Kurma Venkata Siva Prasad是2015國際藝術家大獎賽首獎得主,雖是自學藝術家,作品卻純熟、對美的領略與詮釋獨到;西班牙粉彩畫大師Vicente Romero Redondo,獨特的粉彩筆觸與光線處理,描繪女性的優雅與性感,呈現出一種新的甜憩浪漫休閒風格;描繪女性之美的Lluís Ribas,擅長運用白色織物展現水岸邊女主角的肢體律動,在波光粼粼中展現微妙的性感Javier Bajo善於解構人體或城市景觀的基本構成,並融入建築計算與透視,讓作品中展現幾何印象派的新意。

 

紐約當代藝術基金  New York Contemporary Art Fund 

長期關注計畫性培養具潛力當代藝術家的紐約當代藝術基金,致力促使藝術家發展繪畫、攝影、裝置及複合媒材等各種當代藝術表現新型態,展現多元面貌。本屆除了每年造成搶購的「荷蘭畢卡索」Peter H. Harskamp,還有崛起藝術新星英國Sara Sammakia結合名人肖像、漫畫英雄、品牌商標解讀流行文化。荷蘭Loes van Delft創造的卡漫人物“Pjipje 皮普杰”大受國際歡迎;義大利Mirella Guasti獨創的人體雕塑作品辨識度極高,曾獲邀參加第54屆威尼斯雙年展義大利國家館,也跨足各國國際藝博會等;波蘭Alicja Słaboń Urbaniak奇幻景觀風格搭配瑰麗的色彩,廣被歐美日等地藏家或美術館所收藏;身兼波普藝術家與國際時尚設計師的義大利Marco Santaniello,善於將旅行中的瞬間,轉化為創作題材;專攻絲帛畫的Natasha Foucault,擅長以流動的染料在絲綢上閃閃發亮,創造出別具一格的視覺美感;波蘭Maciej Urbaniak作品呈現如同掛毯式的編織紋理,配色溫暖和諧;KAMU (Olga & Sergey Kamennoy)夫妻聯手創作古典女性肖像,運用多層次的顏料,技法獨特,獲得8家美術館收藏,並獲俄羅斯莫斯科「康丁斯基獎」,因對法國文化的貢獻被授予巴黎市銅牌獎;波蘭Roch Urbaniak獲得克拉科夫美術協會繪畫組最優異畢業生獎項,是目前備受東歐藝壇關注的新銳藝術家,以超現實主義呈現世界各地神話傳說或童話故事。

 

國際藝術家沙龍大展  International Artist Salon

大會從「2016國際藝術家大獎賽」入圍藝術家中,邀請極具潛力與特色的十餘位藝術家參展,包括:曾於第55屆威尼斯雙年展埃及國家館展出,作品展現古埃及之美的藝術家Khaled Zaki;在烏克蘭被授以國家奧林匹克勳章、國際知名雕塑家Igor Grechanyk;以水彩描繪漁村風光與漁民生活的Hasan Kirdi;以厚重油彩、光影和線條展現大樹之美的印度Bhaskararao Botcha;得過義大利拉古納大賽等大獎的寫實古典畫家Carlo Alberto Palumbo,以及運用創意與巧思,將汽車零件及金屬片化為動物雕塑的Pascal Bejeannin等人。

 

中國當代藝術  China Contemporary Art 

嚴選創新有力且深具收藏潛力的中國大陸藝術家,其中裴連志擅長以厚重油彩堆疊出立體感,畫中荷塘、飛鳥或森林,栩栩如生、層次分明,安祥寧靜的氛圍極受藏家喜愛;宋永華以油彩展現中國水墨的空靈,遠山、雲霧與松柏,濃淡有致,觀者猶如置身其中;新銳劉菲融入擬人化的機器,試圖以外表冰冷、內心人性化的機器,引起人們關注;許文勇對鄉村題材有深厚研究與鑽研,畫作寫實中透出靜謐,別具內涵;譚建武畫功深厚,以古典肖像畫見長,並融入現代新意;陳利善於描繪邊疆民族,人物寫實生動,曾獲四川水彩畫大展銀獎等殊榮;梁樹邦的油畫結合中西方文化元素,其色彩層次和光彩別具生命力;譽為「東方波洛克」曾群策,曾獲法國羅浮宮國際藝術展創意金獎及法國藝術沙龍展特別獎;陳軍以建築為題材,運用中國畫構圖,透過繽紛的線條,展現意象與抽象、似與非似的景物;常鐵中專精油畫,也以鋼筆速寫創作,精細構圖輔以線條的力與美,即興中更添活潑氣息;鄧國松擅長以寫實油畫描繪建築,近年作品以寺廟為主題,表現對禪的體悟與清淨之美。

 

台灣當代藝術  Taiwan Contemporary Art

台灣青壯派藝術家與正竄起的藝術新星齊聚,演繹台灣當代藝術樣貌。其中李奇茂為國際知名水墨大師,流暢的造型與線條,構築出風格獨具的水墨世界;朱培琛以具象表現主義表達對周遭事物的美和深刻情感;許東榮作品顯現令人熟悉的「東方韻味」,善將書法線條融於其中;韋啟義運用西繪東墨的創作風格,讓畫作兼具詩意與音樂性,觸動人心;廖美蘭的畫作極具溫故與故事性,以收放自如的表現形式與多元媒材的靈活運用,為水墨創作拓展更多可能;呂宗燦以台灣早期生活素材入畫,寫意的筆觸讓畫作既現代又充滿懷舊風;王文琮曾獲2014「法國藝術沙龍銅牌獎」,筆調活潑生動、擅長運用光彩色彩,交織出情感深厚的水彩創作;廖述乾將天馬行空的構思,轉化為記錄生活的雕塑作品,童趣歡樂;瑪馨玲由張心禹(MANIHOO)王馨薇(Singway)鄭如玲(Ling Ling)組成,與恩師李善單聯合創作推出的「氣」系列,透過具象抽象、抽象具象,表達大象無相、相無定相的內涵,此一系列於去年展會大膽推出預購,便有藏家在未看到畫作就搶先收藏!林聰明以畫作展現對家鄉和土地的真切情感,以變化萬千的色彩,豐富情感與內涵;俞潔兒以一貫繽紛色彩與童趣元素,詮釋充滿奇想的最新創作;賴雅琦除了以潑墨山水向大師張大千致敬,筆下的寵物和石虎令人倍感療癒;陳誼欣以鮮明飽滿的畫筆,描繪浪漫的童話氛圍;撒貞明筆觸圓潤灑脫,展現色彩繽紛愉悅卡漫風。主辦單位與新竹美學館合作,展出「璞玉發光藝術行銷活動」中脫穎而出的黃梵等四位得獎新秀作品。

 

2017 國際藝術家大獎賽  

由社團法人台灣國際當代藝術家協會主辦,為亞洲年度藝術賽事。今年計有236件作品入圍,其中不乏在國際間享有盛名的重量級藝術家,應邀在第54屆威尼斯雙年展敍利亞國家館展出作品的雕塑家Ivan Lardschneider;蟬聯三年「國際攝影獎」的法國藝術家Gregoire A. Meyer英國雕塑家Louise Giblin,她曾在2015年代表英國參加「義大利佛羅倫斯當代藝術雙年展」。此外,還有國際知名的印尼紀念碑雕塑藝術家Dunadi;自學創作且屢獲大獎的西班牙藝術家Tomas Castaño;在法國極具知名與地位、多次入圍法國藝術沙龍展的Marianic Parra等人。

 

藝出慈悲  Art Your Compassion 

結合藝術與慈善公益,除了社會關懷,更藉此推廣大眾對藝術收藏的興趣,是主辦單位的一大創舉。本屆特邀國際及台灣數百位知名人士,創作17.5 x 14㎝ 大小的藝術品並捐贈義賣。每件藝術品售價新台幣1000元,每人限購兩件;作品匿名展出,唯有購買之後,才能得知創作者。本屆義賣所有收入全數捐贈給關懷弱勢兒童及其家庭的「家扶基金會」。歷屆以來,應邀參加的名人皆傾力發揮創意,以彩繪、拼貼、攝影或複合媒材創作。本屆參與的各界百大名人,將在台北新藝術博覽會官方網站中陸續公佈。 

 

Info│台北新藝術博覽會

展覽日期:2017/4/14─17

展覽地點:台北市松壽路6號﹝台北世貿三館﹞

 

 

via / 新藝術博覽會

 

專訪插畫家陳姝里:玩泥弄土,捏出一顆自由的心

(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

「對我而言,創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口,陳姝里如此輕描淡寫,卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年,她穿梭在插畫與平面設計之間,也因此在插畫界中闖出一番成績。只是,日復一日,面對形形色色的客戶需求,她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶,就像是一種自然轉換的過程,因為當時的我,很需要自己的空間,不僅是實體的空間,心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內,落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西,偶然被陳姝里收了起來,並衍生出她的創作系列:《拾獲物》(found object)。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料,本來應該要被丟進垃圾桶的,但我覺得這些造型不一的圖形,其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材,拼貼出《組合》這系列作品。」

陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里剪紙剩餘的色紙碎片,衍生出她後續一連串的《拾獲物》創作系列。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

偶然出現的碎紙片,意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作,容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前,心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作,我叫它們『小雕塑』。某一天,我突然有個想法,如果把這些平面的紙片,變成立體的作品,可以怎麼呈現?」

可以說是記憶使然,陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法:陶作。原來,陳姝里的舅舅是陶藝家,小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課,所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
剩餘的色紙碎塊,被陳姝里視為寶貝,她著迷這些色紙的造型,甚至大量蒐集再將其拼貼成為一件作品。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

捏陶,也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適,但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來,大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩,時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時,但自從女兒出生,人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來,不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地,她感覺快被外界的人事物塞滿,內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作,但成為媽媽之後,時間變得很破碎,加上疫情嚴重的那年,我24小時育兒,一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作,我需要創作。我內心知道,若再不撥一點時間給自己,我會失控。」

在這個掙扎的時刻,陳姝里接觸到陶藝,摸到陶土的那一刻,她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了,但觸覺帶我回到小時候,在家門口玩泥巴,把泥土捏成球。手中握著泥球,我好滿足。而捏陶的時候,我又感受到那種純粹的快樂。」

開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
開始創作陶藝後,陳姝里就想要將《拾獲物》中的平面造型化為立體。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

放下執念,享受不可控

對陳姝里而言,不論是紙片創作、插畫,或是後來的雕塑、捏陶,本質都相通。她喜歡組合與拼貼,就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型;陶土也是如此,需要一塊一塊地塑造、連結,再進窯燒製。

然而,創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化,或是不如預期。但她並不懊惱,反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說,一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來,但隨即就倒下去:「這是一個立不起來的作品,我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果,本來想把陶土實心的部分挖除,讓作品平衡站起,沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念,接受它最後的狀態。」

陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里在原有的工作室裡,再整理出一個專屬創作陶藝的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

她笑笑地繼續說:「所以這是一個失敗的作品嗎?我不這麼認為。或許對有些人來說,這是失敗品。但我卻因此看到,它有其他呈現方式。不只《水平》,我也有其他作品燒完後乍看不喜歡,但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時,會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道:「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢!」

陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)
陳姝里熱愛作陶時的快樂,特別是捏塑作品造型時,她會想像自己走進作品,進入一個很純粹的空間。(圖片來源:《生活工藝誌》第十二期)

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

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Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

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生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

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這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

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因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
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❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
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❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
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❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
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❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
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Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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