林承毅:「換個視角,從自然書,重新認識台灣。」

換個視角,從自然書,重新認識台灣。

長期以來,每當我們談到「歷史」,多半所關注的焦點,在於以重要「政治事件」為核心的敘事內容,藉此得以定錨,從而去理解這個土地上生活的人們所曾經發生過的故事。 

 

隨著九零年代,民主化浪潮,台灣政治逐漸解禁,讓曾經被視為禁忌的台灣議題,得以重啟天日,台灣研究從而一躍成為顯學,除了政治議題,文化藝術,自然生態,等多樣子題,學院內外的蓬勃討論及發展,讓我們得以從不同角度來窺看,這座有點熟,卻又帶點陌生感的美麗之島—福爾摩沙。

 

就學時期,有幸躬逢這波浪潮,相對於政治史的苦悶,社會史的悲情,文化史的無奈,藝術史的寂寥,承載著土地脈絡與故事的自然書寫,就在泛台灣史領域中,如小清新般,存在,就因土地無聲,動物不語,所以更須有一群熱愛自然的詮釋者,才能讓山林傳奇,廣為流傳。

 

回想那時的我,因嗜讀台灣史,進而有幸接觸自然書寫,並被那一篇又一篇的精彩文字所吸引,那些隱藏在台灣島各尋常角落的自然史詩,透過這些觀察者的筆下的導覽,激發出我們的想像力,進而隨著文脈遨遊山林,潛入海岸,接觸屬於台灣的美好。

 

當然平面的紙本再如何詳實敘說,都不如有機會,透過實體展示設計,讓精彩內容得以躍上紙來,追求體驗的「真實感」,讓人身歷其境地,彷如走入山林,開啟一段福爾摩沙自然探險之旅。而這就是這檔「綠色之夢 — 當代臺灣自然書寫特展」存在之絕對理由。

 

如何顛覆過往靜態文本的展示經驗,從找回「策展」存在之目的與意義下手,建構以「內容」為展示核心,以「體驗」為互動主體,以「人本」為價值提供之終極目標及思維?當清楚定義好方向與軸線之後,展示思維就可進入思索,如何打破文字的既有侷限,超脫時空的疆界,藉以脈絡化重新梳理,並注入展示新巧思,讓那些無聲的內容,重新被賦與生命,成為有意義與價值的養份,進而被人們自然而然的帶走…

 

這一次,當我們走進國立台灣文學館的「綠色之夢 —當代臺灣自然書寫」展區,將不再令人卻步,因為,展示空間中,不再存在排滿密密麻麻文字、大小不一的展板,也沒有轉印內容複製貼上的各式燈箱,更不會看到一整排泛黃的書籍成列。取得代之的是重新梳理,精心產製,從觀眾視角為出發的展示內容。

 

將策展的思考,體現在「視角」切換,堪稱為本次展覽的一大賣點。當自然書寫的觸發,是來自於一群對環境充滿好奇心的觀察者,在野地現場的感官間的真實覺察,而那一種純粹的感動,讓他不禁提筆,把意會內涵行文闡述,而詮釋過後的文本,就成為我們窺看自然故事的原點。如今,透過展示設計的真實性,嘗試把人們拉回田野現場,貼近發現者脈絡,體驗瞬間的感動,蟲觀真實的發現歷程,加深對於文字背後的理解,此外,在展示歷程的前後段,視角轉為鳥瞰,讓我們能回顧過去,對於自然與生態的啟蒙,並在透過展示深刻理解人與自然間的愛恨情仇之後,帶著滿滿的反思離開,無論鳥瞰蟲觀,視角的切換,為的是找回人本的關懷

 

接著,讓我們從體驗設計角度一同走訪展區,當你信步來到展區周邊,斗大的「綠色之夢」四個大字,很難不看見,這是來自於大自然的問候,提醒你即將展開一場屬於人與自然的生態對話。整個展區共分為四個區,但如同史詩般,依著起承轉合的節序述說著土地,自然與生態的故事

 

懷著興致走進「我們只有一個地球」展區,眼之所見,是個充滿衝突感的視覺映像,錯落的樹林輪廓,搭配冷色調為造景,一股寂寥的情緒,背後乘載著是自然界無聲的抗議,當好奇心被激起,接著斗大的精煉文句,雖是大哉問,但則則如利箭般,直指觀覽者不願面對的逃避

 

台灣適不適合發展核能? 回收是不是代表永續? 到底天燈該不該放?.........不想聽,不想問....

 

正當你想僥倖的放過自己,但經不起好奇觸摸展場內的枝幹,這時感溫油墨技術讓機制啟動,一件一件環境破壞的事實,湧起心中激起的反思,而這些字句如同在心中投下一顆顆大石,激起無限的漣漪,進而走向下一區「尋找X點」。

 

在前一個展區,透過總覽台灣土地的憤怒與悲愴,化身為一位環境關心者後,你是否想進一步了解,到底是什麼樣感動,讓一群人願意現身為環境的傳道者,為無聲的自然進行有聲的控訴,到底創作的起源為何?透過八個故事箱與八個窺視孔,直接把你帶往山林田野現場,如同小叮噹的任意門般,讓你一秒到山林邊,跟著蝴蝶振翅飛舞,下一秒到海邊,聽著海豚高亢的笑聲,或者是如同一位自然探險家般,窺看昆蟲的姿態,感受植物的奧妙。

 

成為一位準自然報導人後,接著來到「自然書寫」展區,這時名家們的文本內容將在此直接與您相遇,你大可把握機會好好的享受這不同展示技法的詮釋,從中多一份的了解生態之奧妙,而從文本中所節錄的金句,每一則都是這樣無比深刻,也帶領我們能從更多元的角度來感受自然議題的多元,當然平面的還不夠,透過擴增實境(AR)的技術,再度讓你如同走到野外,感受虛實整合的學習樂趣。

 

當然,這還沒完,臨去秋波之前,為了讓你留下深刻印象,在「綠色行動」展區,透過遊戲化設計,引導觀覽者透過參與的過程,增進對於生態議題的理解,並認識在生活中有那些機構團體,正日以繼夜地在努力倡議,為生態的永續及保育持續努力。

 

「反思」是這次台灣自然書寫展示,期盼能帶給大家的一份禮物,期盼藉此能在心中種下一顆種籽,期待日後發芽,再多的文本內容及展示科技,都只是一個溝通的有形載體,一切的投入都只是為了能傳達關心土地,愛護生態的心,所以在結束之前,你可以選擇留言給自己,或者寄語大自然母親,一份信實的承諾,為此行劃上休止符。

 

大自然本身就是一本最佳的教科書,走過展出,就如同閱覽了一冊活的台灣近代自然史,相關議題一一細數,並映入眼簾當中,當然這只是一個開始,期待展示過後,所觸發的行動。

 

 

Info│「綠色之夢」當代臺灣自然書寫特展

展覽期間:2017.04.07-2018.02.25

展覽地點:國立臺灣文學館 一樓展覽室D

開館時間:週二~週日09:00-18:00 ﹝周一休館﹞

地 址:台南市中西區中正路1號

 

PROFILE / 林承毅 

現任林事務所代表&服務設計師,潮流考現學家,大學業界講師,企業體驗策略顧問,專欄作家,文化部青村計劃顧問。具跨領域背景,倡導雜學,同理心及洞察力之必要。近年嘗試將設計思維帶往不同領域異花授粉。相信以人為本之重,惟掌握互動的細微脈絡,察覺創新契機,最終將可實踐服務設計內涵,滿足使用者需求,創造共益設計之效。

 


 

Text / 體驗設計顧問 +林事務所服務設計師 林承毅

Photo / 宜東文化

【2026Art Basel Hong Kong焦點藝術家03】「糞」而挑戰完美母職神話!與Tala Madani一同直視當代女性的生存焦慮

【2026Art Basel Hong Kong焦點藝術家03】「糞」而挑戰完美母職神話!與Tala Madani一同直視當代女性的生存焦慮

2026年巴塞爾藝術展香港展會(Art Basel Hong Kong)將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家,展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。現居洛杉磯的藝術家Tala Madani,以她筆下最具代表性的角色「Shit Mom」銳利地譏諷社會對女性與母職的荒謬想像,在怪誕且幽默的視覺語彙中,精準勾勒出當代女性那份充滿張力且疲憊的生存群像。


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身兼女性與母親雙重身分,藝術家Tala Madani近年深有感悟。拿起畫筆,她戲謔且銳利,撕開了當代生活中關於女性、科技與社會期待的層層假面。針對Madani何以在當前藝壇備受矚目,Pilar Corrias藝廊(Pilar Corrias)團隊精準指出:「她質疑了那些我們視為理所當然的事物,將觀眾從舒適圈中拉了出來。她的作品透過怪誕、幽默且犀利的視覺語言,挑戰了性別、權力與表現形式的傳統規範。」

Tala Madani〈Squeegee Men (Hearts)〉,2024。(圖片提供:藝術家、Pilar Corrias 與 David Kordansky)
Tala Madani〈Squeegee Men (Hearts)〉,2024。(圖片提供:藝術家、Pilar Corrias 與 David Kordansky)

以「Shit Mom」撕開聖母畫作的純潔光環

近年,Madani筆下最具代表性的角色「Shit Mom」——一個完全由糞便構成、形態流動且汙穢的人物,誕生於極其私密的肉身經驗。2019年,在第2個孩子出生後,她發現自己難以在藝術史上那些神聖純潔、充滿母愛光輝的傳統母嬰畫作中尋得共鳴。對她而言,母職的現實並非總是潔白無瑕,而是充滿了疲憊、汙穢與失控。

她轉而以棕色油彩繪出「Shit Mom」,直接投射了母職現實中的混亂,藉此反擊社會對女性身體與母職必須保持潔淨、受控且道德完好的期盼。Pilar Corrias藝廊團隊補充:「Shit Mom反覆出現在Madani的作品中;這個角色挑戰了社會對女性那種難以企及的期待。我們能從她在攀爬時的掙扎、崩潰的瞬間,甚至是帶著快意從樓梯扶手溜下來的模樣中看見這點。」

以黑色幽默翻轉女性的生存張力

在近期個展《Daughter B.W.A.S.M.》(意為Born Without A Shit Mom)中,Madani進一步將這份母職觀察延伸至科技語境。她參考了Francis Picabia1916年將機器女性化的經典畫作,將追求極致精準的AI機器女兒與「Shit Mom」並置。這種對比揭示了當代社會的一個弔詭現象:我們對AI機器人那種「後人類式完美軀殼」的期盼,竟與父母投射在孩子身上的完美期望如出一轍。在追求精密算法的數位時代裡,母職中那份不可控的脆弱顯得如此格格不入,卻又無比真實。

此次來到巴塞爾藝術展香港展會(Art Basel Hong Kong)的畫作〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,展現了她對藝術史脈絡的熟稔與翻轉。作品向攝影先驅Eadweard Muybridge的動態研究致敬,讓Shit Mom笨拙地模仿女性優雅姿態,卻在移動中不斷失足崩解。而動畫作品《S.M. Ascends》則反轉了藝術史中「裸女下樓」的經典軌跡,讓角色在無止境的樓梯中,進行薛西弗斯式且徒勞的攀爬。

Tala Madani〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,2025。(攝影:FREDRIK NILSEN STUDIO。圖片提供:藝術家與 Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉,2025。(攝影:FREDRIK NILSEN STUDIO。圖片提供:藝術家與 Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani《S.M. Ascends》,2025年。(圖片提供:藝術家與Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)
Tala Madani《S.M. Ascends》,2025年。(圖片提供:藝術家與Pilar Corrias,倫敦 ©︎Tala Madani)

Pilar Corrias藝廊團隊分析:「反覆出現的樓梯符號致敬了藝術史的脈絡——從Marcel DuchampGerhard RichterEadweard Muybridge的動態研究;同時,這也反映了一種當代焦慮,隱喻著對抱負、進步與不斷攀升之壓力的追求。然而,在Madani手中,連這種『向上攀升』都變得不穩定且充滿不安,甚至帶有一種黑色幽默。」透過這些作品,Madani精確勾勒出當代女性在追求社會理想與回歸肉身本能之間,那種充滿張力、疲憊且略帶荒謬的生存樣貌。

Tala Madani肖像。(攝影:Brigitte Lacombe;圖片提供:David Kordansky Gallery)
Tala Madani肖像。(攝影:Brigitte Lacombe;圖片提供:David Kordansky Gallery)

Tala Madani

1981年生於伊朗德黑蘭,現居美國洛杉磯。擁有耶魯大學藝術學院繪畫與版畫碩士學位。其創作以繪畫與動畫為主,常以充滿黑色幽默與怪誕感的筆觸,解構權力結構、男性特質及當代社會的集體行為。作品風格遊走於具象與抽象之間,展現出高度的敘事張力。曾於洛杉磯當代藝術博物館(MOCA)、倫敦白教堂美術館(Whitechapel Gallery)及斯德哥爾摩現代美術館舉辦個展。作品亦被紐約現代藝術博物館(MoMA)、古根漢美術館及泰特現代藝術館等重要機構收藏。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點|香港會議展覽中心(香港灣仔博覽道1號)

時間|
貴賓預展(憑邀出席)
3月25日(三)12:00-20:00
3月26日(四)12:00-20:00
3月27日(五)12:00-14:00
3月28日(六)12:00-14:00
3月29日(日)11:00-12:00

開幕之夜
3月26日(四)16:00-20:00

公眾開放日
3月27日(五)14:00-20:00
3月28日(六)14:00-20:00
3月29日(日)12:00-18:00

*參展藝術家及藝廊的完整名單:artbasel.com/hongkong/encounters

文|吳哲夫 圖片提供|各單位

* 編按:本文原載於《La Vie》2026年3月號,網路版經編輯部重新整編與擴充

更多精彩內容,請見 La Vie 2026/3月號《平衡的設計哲思》

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主攻織品媒材的畢蓉蓉(Bi Rongrong),總在尋找人造紋樣的深意。她分享:「紋樣是一種人類將觀察到的、感知到的世界進行語言轉換的表達方式 。這是一種很偶然、很直覺的感受。」曾修習山水畫的她,習慣將「外師造化,中得心源」與「搜盡奇峰打草稿」的採風精神作為創作起點。這份從山川鄉野培養出的觀察力,在2014年英國曼徹斯特(Manchester)的駐留經驗中迎來轉折 。在這座英倫搖滾與獨立音樂重鎮,街頭巷尾鋪天蓋地的音樂海報與塗鴉,讓她意會到城市紋理其實與自然規律一樣,處於無窮盡的裂變與生長之中。

「如果說城市是我們在混沌之中尋找並構建的一些有規律的序列,那麼這種序列也同時在發生無窮盡的裂變,它本身也是大自然的一部分。」

發現建築的皮膚連結世間

自此,建築皮膚、唱片封面,乃至於旅途中在博物館內擷取的古代紋樣,皆成為畢蓉蓉解讀城市的對象,並藉此感受自身與世界的連結。在觀察過程中,她發現許多空間中冷硬石牆常代以柔軟門簾,地毯亦可被轉譯為堅硬石毯。

她敏銳察覺到材質間流動、代換的可能性。當她將擷取的織品紋樣轉向繪畫之中時,不禁開始思考:為什麼不把繪畫也轉為織物呢?她解釋:「如果說一塊地毯與一套金屬器皿可以成為游牧民族某一時刻的臨時之家,石牆與電腦也可以成為我們某一時刻的臨時之家,那麼織物既是家的一部分,也是我的作品的一部分 。它是一種媒介,更是一種思考方式。」

〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Zhang Jing_Hugo;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)

編織一場跨越時空的城市採風

此次展出的〈縫合的城市皮膚〉(Stitched Urban Skin)是2022年勞斯萊斯藝術計畫「繆斯」(Rolls-Royce Muse)首屆飛翔女神挑戰賽的獲獎之作 。畢蓉蓉遊走在不同文化語境間,發現整趟與紋樣相遇的旅程充斥著偶然性 。她形容,這就像在森林裡採集樹葉標本,原先並不做任何設定。「但有意思的是,我時常發現我所採集的,無論是中國紋樣、歐洲紋樣,或兩河流域的紋樣等等,它們都存在某些共性。」她將具備共性的紋樣梳理出來,透過傳統鉤針編織與LED、金屬、壓克力等硬質材料,交織成為這件作品。

「城市的皮膚就像我們生物體的皮膚一樣,越到表面毛細血管越為豐富與複雜。城市皮膚的材質與肌理,由無數有序與無序的細胞交織與層疊在一起,相互穿插、相互作用,形成一重又一重的合奏。」

〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)
〈縫合的城市皮膚〉,2022。(攝影:Luke Walker;圖片提供:藝術家與A Thousand Plateaus Art Space)

近期,她更以作品〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉入圍2025年香港M+博物館希克獎(Sigg Prize)。這件源自她在瑞士TaDA駐地期間發展的作品,進一步融入了當時對蕾絲背後精神的體悟 。對畢蓉蓉而言,織品的「縫合」動作,是連接、抽離與再連接萬物的往復循環 。「人類一直在尋找、調整自己在自然之中的一個恰當位置,我相信這個過程同樣是一個不斷往復的過程。」

〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉(2025)於「希克獎 2025」展覽現場,2025年。(攝影:鄭樂天;圖片提供:M+)
〈去連接、去鑿洞、去抽紗〉(2025)於「希克獎 2025」展覽現場,2025年。(攝影:鄭樂天;圖片提供:M+)

畢蓉蓉肖像。(攝影:Ladina Bischof)
畢蓉蓉肖像。(攝影:Ladina Bischof)

畢蓉蓉Bi Rongrong

1982年生於中國寧波,現居上海。畢業於南京藝術學院與荷蘭聖尤斯特藝術學院。其作品強調藝術與空間的對話,創作起源於對城市建築與自然景觀的素描蒐集,透過將採集到的紋理與色彩進行轉化,跨越素描、織物、動畫與空間裝置等多種媒介,重組出具備節奏感的視覺景觀。2022年獲得勞斯萊斯「繆斯」藝術項目首屆「飛翔女神挑戰賽」大獎,並入圍2025年香港M+博物館「希克獎」(Sigg Prize)。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點|香港會議展覽中心(香港灣仔博覽道1號)

時間|
貴賓預展(憑邀出席)
3月25日(三)12:00-20:00
3月26日(四)12:00-20:00
3月27日(五)12:00-14:00
3月28日(六)12:00-14:00
3月29日(日)11:00-12:00

開幕之夜
3月26日(四)16:00-20:00

公眾開放日
3月27日(五)14:00-20:00
3月28日(六)14:00-20:00
3月29日(日)12:00-18:00

*參展藝術家及藝廊的完整名單:artbasel.com/hongkong/encounters

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