林承毅：「換個視角，從自然書，重新認識台灣。」

長期以來，每當我們談到「歷史」，多半所關注的焦點，在於以重要「政治事件」為核心的敘事內容，藉此得以定錨，從而去理解這個土地上生活的人們所曾經發生過的故事。 

隨著九零年代，民主化浪潮，台灣政治逐漸解禁，讓曾經被視為禁忌的台灣議題，得以重啟天日，台灣研究從而一躍成為顯學，除了政治議題，文化藝術，自然生態，等多樣子題，學院內外的蓬勃討論及發展，讓我們得以從不同角度來窺看，這座有點熟，卻又帶點陌生感的美麗之島—福爾摩沙。

就學時期，有幸躬逢這波浪潮，相對於政治史的苦悶，社會史的悲情，文化史的無奈，藝術史的寂寥，承載著土地脈絡與故事的自然書寫，就在泛台灣史領域中，如小清新般，存在，就因土地無聲，動物不語，所以更須有一群熱愛自然的詮釋者，才能讓山林傳奇，廣為流傳。

回想那時的我，因嗜讀台灣史，進而有幸接觸自然書寫，並被那一篇又一篇的精彩文字所吸引，那些隱藏在台灣島各尋常角落的自然史詩，透過這些觀察者的筆下的導覽，激發出我們的想像力，進而隨著文脈遨遊山林，潛入海岸，接觸屬於台灣的美好。

當然平面的紙本再如何詳實敘說，都不如有機會，透過實體展示設計，讓精彩內容得以躍上紙來，追求體驗的「真實感」，讓人身歷其境地，彷如走入山林，開啟一段福爾摩沙自然探險之旅。而這就是這檔「綠色之夢 — 當代臺灣自然書寫特展」存在之絕對理由。

如何顛覆過往靜態文本的展示經驗，從找回「策展」存在之目的與意義下手，建構以「內容」為展示核心，以「體驗」為互動主體，以「人本」為價值提供之終極目標及思維？當清楚定義好方向與軸線之後，展示思維就可進入思索，如何打破文字的既有侷限，超脫時空的疆界，藉以脈絡化重新梳理，並注入展示新巧思，讓那些無聲的內容，重新被賦與生命，成為有意義與價值的養份，進而被人們自然而然的帶走…

這一次，當我們走進國立台灣文學館的「綠色之夢 —當代臺灣自然書寫」展區，將不再令人卻步，因為，展示空間中，不再存在排滿密密麻麻文字、大小不一的展板，也沒有轉印內容複製貼上的各式燈箱，更不會看到一整排泛黃的書籍成列。取得代之的是重新梳理，精心產製，從觀眾視角為出發的展示內容。

將策展的思考，體現在「視角」切換，堪稱為本次展覽的一大賣點。當自然書寫的觸發，是來自於一群對環境充滿好奇心的觀察者，在野地現場的感官間的真實覺察，而那一種純粹的感動，讓他不禁提筆，把意會內涵行文闡述，而詮釋過後的文本，就成為我們窺看自然故事的原點。如今，透過展示設計的真實性，嘗試把人們拉回田野現場，貼近發現者脈絡，體驗瞬間的感動，蟲觀真實的發現歷程，加深對於文字背後的理解，此外，在展示歷程的前後段，視角轉為鳥瞰，讓我們能回顧過去，對於自然與生態的啟蒙，並在透過展示深刻理解人與自然間的愛恨情仇之後，帶著滿滿的反思離開，無論鳥瞰蟲觀，視角的切換，為的是找回人本的關懷。

接著，讓我們從體驗設計角度一同走訪展區，當你信步來到展區周邊，斗大的「綠色之夢」四個大字，很難不看見，這是來自於大自然的問候，提醒你即將展開一場屬於人與自然的生態對話。整個展區共分為四個區，但如同史詩般，依著起承轉合的節序，述說著土地，自然與生態的故事。

懷著興致走進「我們只有一個地球」展區，眼之所見，是個充滿衝突感的視覺映像，錯落的樹林輪廓，搭配冷色調為造景，一股寂寥的情緒，背後乘載著是自然界無聲的抗議，當好奇心被激起，接著斗大的精煉文句，雖是大哉問，但則則如利箭般，直指觀覽者不願面對的逃避。

台灣適不適合發展核能？ 回收是不是代表永續？ 到底天燈該不該放？.........不想聽，不想問....

正當你想僥倖的放過自己，但經不起好奇觸摸展場內的枝幹，這時感溫油墨技術讓機制啟動，一件一件環境破壞的事實，湧起心中激起的反思，而這些字句如同在心中投下一顆顆大石，激起無限的漣漪，進而走向下一區「尋找X點」。

在前一個展區，透過總覽台灣土地的憤怒與悲愴，化身為一位環境關心者後，你是否想進一步了解，到底是什麼樣感動，讓一群人願意現身為環境的傳道者，為無聲的自然進行有聲的控訴，到底創作的起源為何？透過八個故事箱與八個窺視孔，直接把你帶往山林田野現場，如同小叮噹的任意門般，讓你一秒到山林邊，跟著蝴蝶振翅飛舞，下一秒到海邊，聽著海豚高亢的笑聲，或者是如同一位自然探險家般，窺看昆蟲的姿態，感受植物的奧妙。

成為一位準自然報導人後，接著來到「自然書寫」展區，這時名家們的文本內容將在此直接與您相遇，你大可把握機會好好的享受這不同展示技法的詮釋，從中多一份的了解生態之奧妙，而從文本中所節錄的金句，每一則都是這樣無比深刻，也帶領我們能從更多元的角度來感受自然議題的多元，當然平面的還不夠，透過擴增實境（AR）的技術，再度讓你如同走到野外，感受虛實整合的學習樂趣。

當然，這還沒完，臨去秋波之前，為了讓你留下深刻印象，在「綠色行動」展區，透過遊戲化設計，引導觀覽者透過參與的過程，增進對於生態議題的理解，並認識在生活中有那些機構團體，正日以繼夜地在努力倡議，為生態的永續及保育持續努力。

「反思」是這次台灣自然書寫展示，期盼能帶給大家的一份禮物，期盼藉此能在心中種下一顆種籽，期待日後發芽，再多的文本內容及展示科技，都只是一個溝通的有形載體，一切的投入都只是為了能傳達關心土地，愛護生態的心，所以在結束之前，你可以選擇留言給自己，或者寄語大自然母親，一份信實的承諾，為此行劃上休止符。

大自然本身就是一本最佳的教科書，走過展出，就如同閱覽了一冊活的台灣近代自然史，相關議題一一細數，並映入眼簾當中，當然這只是一個開始，期待展示過後，所觸發的行動。

Info│「綠色之夢」當代臺灣自然書寫特展

展覽期間：2017.04.07-2018.02.25

展覽地點：國立臺灣文學館 一樓展覽室D

開館時間：週二～週日09:00－18:00 ﹝周一休館﹞

地 址：台南市中西區中正路1號

PROFILE / 林承毅 

現任林事務所代表＆服務設計師，潮流考現學家，大學業界講師，企業體驗策略顧問，專欄作家，文化部青村計劃顧問。具跨領域背景，倡導雜學，同理心及洞察力之必要。近年嘗試將設計思維帶往不同領域異花授粉。相信以人為本之重，惟掌握互動的細微脈絡，察覺創新契機，最終將可實踐服務設計內涵，滿足使用者需求，創造共益設計之效。

Text / 體驗設計顧問 +林事務所服務設計師 林承毅

Photo / 宜東文化

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23